Vuelve el hombre, vuelve el mito. Chayanne es uno de los artistas latinos más populares de todos los tiempos con más de 50 millones de álbumes vendidos durante toda su carrera. Tras cuatro años de silencio sin nuevas composiciones, el cantante y actor puertorriqueño ha anunciado el lanzamiento de un nuevo disco para el próximo mes de agosto. Aún no hay fecha exacta para su salida al mercado, pero lo que sí sabemos es que constará de 11 sencillos y su título será “En todo estaré”. El que será el disco de estudio número 14 de su carrera viene precedido por el éxito de su primer single, estrenado el pasado 23 de junio, bajo el título “Humanos a Marte”. Con 46 años recién cumplidos, la estrella puertorriqueña sigue siendo uno de los mayores sex symbols del panorama latino y es de los pocos artistas que puede presumir de contar como éxitos prácticamente todos sus trabajos.
“Humanos a Marte” no es quizás uno de los mayores exponentes de su estilo latino y caribeño habituales. No es una canción con la que sus seguidores se vayan a dislocar la cadera bailando. Es una apuesta más cercana al pop sin descuidar todos los sonidos característicos de la música contemporánea. Lo que no es esta canción es una ruptura con la forma de entender la música de Chayanne ya que su temática sigue siendo la de toda su carrera: el amor, la sensualidad y el arte del romance.
“Humanos a Marte” fue estrenada en vivo en la pasada edición de los Premios Billboard de la Música Latina, celebrados a finales del pasado abril, con una alta aceptación entre la crítica especializada y sus fans más incondicionales. Vamos a recordar ese momento…
Hace un par de semanas pudimos conocer el videoclip original de esta canción. Un metraje en el que vemos a un Chayanne con un look agresivo muy “latin lover” enfundado en una chaqueta de cuero, con gafas de sol y a lomos de una potente motocicleta. La verdad es que todo el mundo sabe que Chayanne es padre de dos hijos y no tiene edad para ir por ahí rompiendo corazones, pero entendemos al director del videoclip. Es difícil no caer en la tentación de aprovechar su incuestionable atractivo físico y magnetismo sobre las féminas.
El argumento del video cuenta como un fotógrafo (Chayanne) sucumbe ante los encantos de una bella modelo que posa para él. Tampoco se han partido mucho la cabeza, todo sea dicho. El director es el cineasta Carlos Pérez y la grabación se llevó a cabo en los hangares del aeropuerto Opa-Locka de Miami, caracterizados para la ocasión como un estudio fotográfico de lo más lujoso.
Chayanne ha declarado sobre el rodaje que “no es el trabajo de un día, sino que son semanas y semanas desde la creación del concepto, hasta ver el vestuario, la localización, etcétera”. Señala también que no se trata “solamente de cantar, sino que hay que construir un personaje, interpretarlo, darle vida y hacerlo creíble en tres minutos que dura la canción”. Como cualquier estreno de Chayanne, el éxito estaba asegurado. En tan solo 10 días colgado en Youtube, el videoclip superó con holgura el millón de reproducciones. Actualmente ya supera los dos millones…
Antes del lanzamiento del video original de “Humanos a Marte” Chayanne ya había puesto en circulación un remix del tema en colaboración con el ídolo de la música urbana, el también puertorriqueño Yandel. Se trata de la primera colaboración de Chayanne con este artista, maestro en el arte del reggaetón. Una versión que ya ocupó los primeros puestos en las listas de ventas de Estados Unidos y gran parte de Latinoamérica. Marchando otra ración más de “Humanos a Marte”…
Y es que el impacto de este artista, que comenzó su carrera con tan solo diez años en el grupo infantil Los Chicos, se abre paso década a década hasta nuestros días. Un claro ejemplo es su penetración en las redes sociales. Es uno de los artistas latinos con más seguidores en Facebook (roza los 8.600.000) y Twitter (5 millones de followers), donde participa activamente con regularidad. Es más, el título de su último disco, “En todo estaré”, fue revelado en su fan page oficial de Facebook a través de un juego interactuando con sus seguidores. En lo que se refiere a colaboraciones, el nuevo disco de Chayanne cuenta con un elenco de lujo formado por personalidades como Estéfano, José Luis Pagán, Franco De Vita, Marcello Azevedo, Yotuel, Vladimir Dotel, Kany García, Fernando José Montesinos, Yandel, Julio Reyes y Fernando Rossi.
Elmer Figueroa, bautizado artísticamente como Chayanne por su madre, Irma Luz, (recientemente fallecida a causa de un cáncer) es uno de los pocos artistas latinos que convierte en oro todo lo que toca. Tiene el record histórico de colocar 28 sencillos en el Top 10 Hot Latin Songs, así como el de mayor cantidad de números 1. Recordar algunos de sus mayores éxitos es casi hacer un recorrido por la música latina de los últimos 30 años. Así que vamos al grano, a los que todos tenéis en mente en estos momentos. Su primer LP data prácticamente del jurásico. Allá por 1984 lanzaba al mercado “Chayanne es mi nombre” con el que consigue un éxito relativo en el continente americano gracia a algún hit radiofónico. En 1989 se da a conocer al gran público de forma más contundente con su videoclip “Este ritmo se baila así”, incluido en su disco “Chayanne II”. Un clip que consigue un premio MTV al mejor video musical latino del año.
Pero es a finales de los noventa cuando su popularidad estalla por completo en todo el planeta gracias a su LP “Atado a tu amor” (1998). Es el disco más vendido en toda su carrera y hace que su nombre suene con fuerza en Europa, sobre todo en países como España, Italia y Portugal. Su hit más conocido es “Salomé”, una canción que sonaba prácticamente a diario en la radio y la televisión española…
Su nombre y éxito se consolidan en Europa con su disco “Simplemente” (2000), con temas como “Yo te amo”, “Candela”, “Ay, mamá” y este pegadizo “Boom, boom”.
Pero si en Europa, y sobre todo en España, hablas de Chayanne, cualquier persona comenzará a cantar el estribillo de su canción “Torero”. Es sin duda el tema más comercial y conocido de su repertorio que compuso para acompañar a sus grandes éxitos en un disco recopilatorio editado en 2002. El resto, ya es historia…
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Es uno de los artistas con más talento y proyección de la escena electrónica en España. Este músico y productor madrileño tiene una sensibilidad pop única a pesar de ser señalado por gran parte de la prensa especializada patria como un “revitalizador del sonido house”. Fuera de nuestras fronteras van algo más allá y afirman abiertamente que es “el secreto mejor guardado de España”. Lo que sí está claro es que no lleva mucho tiempo en este negocio y ya ha girado por países como Australia y Estados Unidos además de conocer bien las cabinas de los clubes más importantes de toda Europa. Su último EP en el mercado se titula “Invisible/Amenaza” y ha sido editado por el prestigioso sello independiente británico, Young Turks (Adele, Prodigy, Basement Jaxx, The XX). Su agenda está llena de proyectos y viajes, así que todos aquellos que están esperando su debut con un disco de larga duración tendrás que esperar aún un pelín.
Miguel Barros se acerca a la música electrónica, como otros muchos jóvenes, casi por casualidad. Varias visitas a salas madrileñas y acercamientos a personalidades de este mundo en la capital hacen que su talento vire poco a poco en un sentido electrónico. Su primer nombre artístico es Alt Fenster y en esos momentos Myspace es el lugar donde hay que estar. Tras contactos con sellos extranjeros como Traum o Trapez, Fenster se cansa de sonidos cercanos al “border community” y comienza su metamorfosis orientándose hacia el house y la música de baile. Es el amanecer de Pional.
Poco después, el sello catalán Hivern Discs publica en 2010 sus primeros trabajos, “A Moot Point” y “We Have Been Waiting for You” bajo la batuta de otro mago de la electrónica actual en España, el barcelonés John Talabot. Un artista que rápidamente asciende al olimpo de la música de baile contemporánea con su primer álbum “Fin” (2012). Pional se convierte en su inseparable compañero en directo y esto lo empuja irremediablemente a la primera línea de la escena nacional.
El vértigo se apodera de la carrera de Pional y, junto a Talabot, pronto se convierten en los teloneros de The XX, autores de ya clásicos contemporáneos como XX (2009) y Coexist (2012), en su gira por Estados Unidos donde experimentan por primera vez la sensación de enfrentarse a públicos masivos. Pional ya ha llegado al “star system” y se codea en los backstages con gente como James Holden, Daniel Shaith de Caribou, Dave Grohl o Josh de Queens Of The Stone Age.
La capacidad de Pional para las remezclas es otro de sus puntos fuertes. Remixes oficiales para gente de la talla de Lemonade, Delorean o The Rapture, así lo acreditan. También destacamos “Chained” (The XX) o la canción “Brave”, que compone junto a su principal compinche para la Maratón Divina Pastora de Valencia. Su carrera sigue avanzando de la mano del sello Permanent Vacation con el que edita “Last House On The Left” (2011) y “Pional & Bostro Pesopeo” (2011).
Lo más reciente de Pional, a la espera de su primer trabajo en larga duración, es el EP “Invisible/Amenaza”, una vuelta de tuerca más a su particular sonido de gran calidad y carácter orgánico editado por los británicos de Young Turks. La buena música está garantizada para esta tarde de domingo, de eso os iréis dando cuenta a medida que avanza la entrevista. Sunday Sessions made in Pional…
¿Cómo Miguel Barros llega a transformarse en Pional? El proyecto nace en 2010, anteriormente tenía otro proyecto llamado Alt Fenster, más enfocado al techno, y estaba algo cansado de ese estilo así que decidí dar un cambio a mi proyecto. Hasta 2012 lo tenía como una afición, desde muy pequeño hago música así que consideraba la música como un entretenimiento pero que nunca llegaría a dedicarme a ello, ni me lo planteaba. Hace ahora 2 años tuve que decidir si seguir en mi trabajo o dedicarme a la música ya que había muchas peticiones para tocar en el extranjero. Vi una gran oportunidad y me tiré a la piscina y hasta ahora.
Has trabajado en un estudio de doblaje durante una larga temporada. ¿Qué se te pasó por la cabeza para dejar esa estabilidad laboral y zambullirte en la música con la que está cayendo? Exacto, sí. Trabajaba en unos estudios mezclando películas de cine para Pixar, tenía un sueldo digno, cerca de mi casa, estabilidad laboral como dices, pero también económica y sobretodo mental. Ahora a veces echo de menos esa tranquilidad, pero la verdad que no cambiaría esta profesión (la de la música) por nada del mundo ahora mismo. Cuando tuve que decidir entre el estudio de doblaje o la música me decidí por la música por varias razones: 1- Porque ya llevaba casi 4 años en el doblaje y creía que era necesario probar algo nuevo. 2- Mayor libertad. 3- Conocer mundo.
¿Cuáles son tus primeros contactos con la música? ¿Has pasado por otros estilos antes de hacerte un profesional de la electrónica? Cuando era niño tocaba guitarra clásica, luego con 16 escuchaba mucho metal, con 18 o así me puse a aprender por mi cuenta a tocar el piano, empecé a leer libros muy interesantes de musicología, luego la batería, etc, etc, etc.
Tus primeros trabajos, “A Moot Point” y “We Have Been Waiting for You”, tienen una sensibilidad pop muy especial. ¿Cuáles son tus principales referentes en la música? ¿De qué fuentes has bebido para pulir ese estilo tan especial que te caracteriza? Bueno realmente no tengo ningún tipo de influencia, de verdad. Es solo la mezcla de música electrónica + vocales pop. Supongo que la combinación es mi sonido, pero honestamente pienso que no es nada del otro mundo lo que hago, es solo que hay gente que quizás lo que busca es un sonido diferente, yo trato de buscar las melodías correctas y la línea vocal que sea coherente con la música pero sin llegar a sonar feo o mainstream. Es muy fácil sobrepasar la línea de lo hortera o de un sonido muy comercial cuando se trata de unir música de baile + voces.
¿Cómo definirías tu sonido, qué lo hace diferente al resto? No quiero sentirme con un único sonido. Lo que más me apasiona es sentarme en el estudio y hacer música, no me planteo hacer siempre lo mismo. Mi sonido no tengo claro cómo debería de definirlo, quizás lo llamaría: personal u original… No sé.
Tras la publicación de tu EP “Invisible/Amenaza” con el prestigioso sello londinense Young Turks, no paran de lloverte los piropos. ¿Cómo valoras estas afirmaciones y cómo estás llevando eso de convertirte en centro de atención en algunos medios de comunicación? Sí, este último EP ha tenido muy buena aceptación. La verdad que me siento muy orgulloso de todos mis trabajos, las críticas siempre han sido muy positivas desde el principio con “A Moot Point en Pitchfork”. Pero ahora supongo que también por la trayectoria de estos últimos años añadido a trabajar con Young Turks ha tenido gran repercusión. Es un auténtico placer poder formar parte de su rooster de artistas, es casi como un sueño.
Háblanos un poco de lo que hay dentro de los cuatro cortes que componen “Invisible/Amenaza”… El EP tiene 3 temas, que son “Invisible/amenaza” que es el single y el que da nombre al EP, “A New Dawn”, un tema con una estructura pop muy marcada y “The Shy” que diría que es mi favorita del EP. Luego hay un cuarto corte es que una versión extendida del single para pinchar. Los 3 temas originales tienen una cosa en común y es un sonido muy orgánico, acústico. He trabajado sobre pianos reales, bajos eléctricos reales, baterías, percusión, etc. La suma de todos estos elementos hacen que todo tengo un sonido más orgánico. Por otro lado en este EP quería que los temas fueran bastante hipnóticos, quería que se mantuviera una tensión hasta al final que es cuando todo gira 180 grados y cambia y es cuando te quedas diciendo… “Anda esto no me lo esperaba y se necesitaba…». (risas)
¿Cuál es tu diagnóstico de la escena electrónica actual en España? Cada vez es muchísimo mejor, la prensa tanto nacional como internacional está ayudando mucho a reconocer que en nuestro país se hace buena música, sea electrónica o folk. La única asignatura que aún tenemos pendiente es la de tener salas en condiciones, el público las quiere y las necesita.
¿Qué artistas nos recomendarías dentro de la escena electrónica en estos momentos para poder oír algo diferente? A nivel nacional podría decir por ejemplo Downliners Sekt, Begun, Marc Piñol… A nivel internacional por decir los primeros que me vienen a la cabeza… DJ Koze, Four Tet, Jamie XX, Caribou, Axel Boman.
¿Qué artistas, bandas, etc. suenan en el reproductor de Pional cuando quiere evadirse de todo y relajarse? Kendrick Lamar, Jazmine Sullivan, Lorde, The Neptunes, Little Dragon, Miguel, Descendents, Milencollin, Queens of the Stone Age, etc.
¿Se parece el mundo profesional de la música a lo que te imaginabas antes de moverte por él? Bueno, no se aleja mucho de lo que creía que era, la verdad que estoy muy contento con este trabajo, no me puedo quejar. Quizás lo que menos conocía era los contras que son todo el mundo de aeropuertos, horas de aviones, horas en backstages de festivales… Lo único que me cuesta aceptar es cuando estoy en un festival y tengo a mi lado a alguien que admiro por poner un ejemplo, Dave Grohl. Es algo que creo que por mucho tiempo que pase voy a tener la misma sensación.
¿Qué relación te une al fenómeno John Talabot? ¿Cómo surgió vuestra amistad/colaboración, qué proyectos habéis llevado a cabo juntos y cuáles están por llegar? Le conocí hace unos años cuando se puso en contacto conmigo a través de myspace, hará ya unos 5 años. Fue ahí cuando decidí cambiarme de nombre a Pional. Así que edité mis 2 primeros EP´s en Hivern Discs (su sello discográfico) y la relación empezó ahí, por trabajo. Luego en persona nos conocimos y empezamos a trabajar juntos. Lo primero que hicimos creo que fueron “Destiny” y “So Will Be Now”, los 2 singles de su álbum “FIN”. Los grabamos en mi estudio de Madrid y desde ahí no hemos dejado de estar juntos en el estudio o tocando. Y una vez que salió el álbum preparamos el directo de Talabot juntos y estuvimos 2 años de gira por el mundo. Fue algo genial. Entre tanto hicimos varios remixes como a “Chairlift” o “The XX”. Y un par de temas originales, uno que se llama “Brave” que lo grabamos para la maratón de Valencia (lo terminamos de grabar en un hotel en Seattle cual rockstars de la vida porque teníamos que entregarlo ya mismo y no nos daba tiempo de volver al estudio porque estábamos de gira por ese momento en USA) (risas) y otro tema original “I´ll be Watching you” que surgió de la idea de tocarlo solo en el directo de John Talabot y al final lo grabamos y lo editamos en vinilo en Young Turks, solo una cara de EP.
¿Has podido recorrer mundo con tu música a cuestas? ¿Qué te ha aportado esta experiencia en lo personal y en lo profesional? Es increíble todo lo que aprendes, especialmente la soledad, el hecho de pasar tantas y tantas horas solo, en el aeropuerto, en el avión, en el hotel, estar siempre con gente que no conoces, el que te viene a buscar y te lleva al hotel, el promotor con el que vas a cenar, o el catering del festival que no conocer a nadie… es algo duro al principio. Luego con el tiempo consigues adaptarte. Profesionalmente hablando me ha aportado y cada día me aporta algo nuevo, siempre se aprende. El hecho de estar viajando y tocando no es una cuestión de tu pasártelo bien, es cuestión de promocionarte y darte a conocer para los que no saben quién eres, así que poco a poco vas consiguiendo tener más publico gracias al viajar.
Eres natural de Madrid pero la ciudad de Barcelona te ha dado mucho en tu carrera. ¿Cuáles son las principales características que diferencian a estas dos urbes respecto a la industria de la música electrónica (si es que hay un industria como tal)? Bueno creo que la diferencia entre Madrid y Barcelona en cuanto a la música es un hecho que está ahí y se sabe. No sé en otras escenas pero desde luego en la de la música electrónica no tiene nada que ver. Barcelona es una ciudad con un público más cosmopolita en el que las salas apuestan por traer dj´s-bandas que ahora mismo están funcionando mucho, no necesariamente tiene que ser el famoso de turno, se trata de calidad. En Madrid echo en falta eso, a veces porque el promotor quiere hacer dinero a cosa de cosas curtes, a veces porque el ayuntamiento no te deja montar una sala en condiciones con un buen sonido…Yo la verdad que en cuanto a música no conozco a nadie en Madrid, mi círculo más cercano está en Barcelona con gente como John Talabot, Delorean….
¿Tienes alguna manía especial o ritual antes de comenzar una sesión? Ninguna.
Eres un gran defensor del portátil sobre el escenario, bueno o según hemos leído por ahí, “eras”… ¿Cómo preparas ahora tus directos y en qué te estas apoyando en ellos? ¿Defensor del portátil? ¡Nunca! Yo en mis comienzos cuando hacia mi directo llevaba portátil aparte de apretaos, ahora desde hace casi 2 años no llevo portátil, solo llevo máquinas, me ayuda a tener más flexibilidad, tener mejor calidad de sonido y que además creo que es más entretenido para el público ver a alguien con instrumentos en vez de estar con la nariz pegada a un portátil.
Eres insultantemente joven y tu talento es incuestionable. ¿Has tenido que irte fuera para poder prosperar y ser reconocido? ¡Gracias! (risas), no me he tenido que ir fuera, son la gente de fuera la que desde el principio vio en mi algo que ni yo mismo veía (ya que esto era un hobbie), tardó bastante el momento de tener un contrato para tocar en Madrid o Barcelona. Antes de mi país pasaron Holanda, Dinamarca, Alemania, Inglaterra… etc. España no confiaba en mi supongo (risas). Lo que sí es verdad es que gracias al hecho de estar trabajando siempre fuera, es que el nivel de trabajo también al final es más gordo porque abarcas mucho más.
¿Qué opinas de la situación actual de España en la que muchos jóvenes con talento y preparación tienen que hacer las maletas en busca de una oportunidad? Bueno, eso desgraciadamente está pasando, es un hecho. Gran parte de mis amigos están viviendo en el extranjero, Sudáfrica, Alemania, USA, dedicándose a su trabajo allí porque en nuestro país o no encuentran trabajo de lo suyo y, de ser así, con un sueldo insultante. En cuanto a la música electrónica por ejemplo es algo más de lo mismo, es un trabajo más, en este caso creo que no es necesario irte, es decir lo puedes hacer desde tu casa en Salamanca, no entiendo muy bien toda la gente que se va a Berlín porque ahí es donde está centralizado todo, eso en cierta manera es mentira, al final, de hecho es peor porque hay más gente como tú, luchando por hacerse un hueco.
Tu trayectoria ha sido vertiginosa. Comienzas a editar cosas, te unes y propulsas la carrera de John Talabot, actúas en medio mundo ante millones de personas, compartes conversación con figuras como James Holden, Todd Terje o la gente de Queens of the Stone Age… ¿Te ha dado tiempo a pararte en algún momento o estás inmerso en un ritmo frenético que pueda bloquear de alguna forma tus explosiones de creatividad? Bueno ahora mismo estoy en un punto muy bonito de mi carrera en el que trabajo todos los fines de semana, (no tengo ninguna gira prevista por el momento) y así entre semana normalmente estoy en casa, disfrutando de mis amigos y familia y trabajando en el estudio en el nuevo material.
¿Qué sentiste la primera vez que te enfrentaste a un público de miles de personas, qué digo, de decenas de miles de personas pendientes de lo que sale de tu sesión? Es algo indescriptible, no sé cómo decirte, pero es muy hardcore. Todavía recuerdo cuando tocamos como Talabot (live) el primer directo del tour y tuvimos que salir al escenario delante de 17.000 personas. Fue algo muy acojonante (perdón por la palabra pero creo que es la que más se ajusta) (risas).
¿Eres más de cultura de club o de discotecón hasta las trancas? Prefiero un buen club, pequeño, con buena acústica que los sitios masivos grandes.
Podrías recomendarnos algunos clubes donde escuchar buena música en España… La verdad que no conozco muchos porque no frecuento salas, pero una de mis favoritas es Nitsa Club (Barcelona).
Ya hemos comentado que tu trabajo ha sido valorado más fuera que en España. ¿Recuerdas cuándo y cómo fue la primera vez que pinchaste en Madrid tras tener ya el nombre y la repercusión que te habías ganado con duro trabajo? Sí, recuerdo perfectamente la primera vez que toqué (pinchar lo hice mucho más tarde, hace relativamente poco), pero en directo recuerdo que fue en la nueva sala Siroco en Madrid, un sitio muy chulo con buen sonido. Fue una gran noche, había muchos amigos claro.
¿Qué significa internet, las redes sociales, las plataformas virtuales de música, etcétera, para un músico como tú? Creo que son algo básico para un artista, bueno, para cualquier profesión, pero para la de música es clave ya. Necesitas apoyarte de los medios y redes sociales para propagar tu trabajo.
Te han dedicado frases como “revitalizador del House”, “el secreto mejor guardado de España”… ¿Qué le ha dado tu música a la gente de la industria y de la crítica para obtener semejantes comentarios positivos? Esta pregunta es algo compleja porque quizás lo suyo sería preguntar a la industria que es lo que he hecho en ella. No soy una persona arrogante como para considerarme que haya aportado algo a la música electrónica. Yo simplemente quiero que la gente disfrute con mi música, y si es así, pues para mí es un triunfo personal.
En muchas ocasiones te defines como más pop que electrónico. ¿Cuáles son tus referentes en el pop? ¿Qué LPs de este género no faltan en tu discoteca? Casi siempre hago directos, pero cuando pincho es música de baile, no es pop. El pop lo dejo para casa.
Dentro de tus magníficas capacidades haciendo remezclas, te has currado versiones oficiales de gente de la talla de Lemonade, Delorean o The Rapture. ¿Es esta faceta de tu capacidad artística más divertida y relajada para ti que componer nuevo material? Componer es mi faceta del día a día, da igual que sean remixes o no. Considero que hacer un remix es más fácil que una canción original. Me gusta. Pero vamos, que hacer mi propia música es lo que hago las 15 horas diarias que paso en el estudio cuando estoy en Madrid.
Fue en agosto de 2011 cuando diste tu primer concierto bajo el alias Pional en el Strom de Copenhague junto a gente como Aphex Twin, Lone y Ghostpoet. ¿Cómo recuerdas ese día? ¿Qué ha cambiado en la vida de Miguel básicamente desde entonces? Sí, correcto… Buah… Muchísimo, era como dices mi primer concierto, no estaba nervioso pero si muy intranquilo, estresado porque no estaba acostumbrado a eso. Vinieron varios amigos de Barcelona y pasamos unos días de vacaciones aprovechando que iba a tocar. Recuerdo con mucho cariño ese festival.
¿Qué proyectos de Pional van a ver la luz en lo queda de año? Algún que otro remix importante, un nuevo EP con remixes y videoclip incluido, y viajar mucho. Entre tanto trabajando para mi álbum que si todo va bien estará para el año que viene.
¿Cómo se presenta el verano? ¿Te va el rollo que se estila en templos de la música electrónica del tipo Ibiza y lugares similares? Sinceramente no me va mucho, aunque últimamente las programaciones en la isla Blanca han mejorado…
Estamos en los compases finales del Mundial de Brasil 2014 y la emoción está a flor de piel. La finalísima en el estadio de Maracaná está a la vuelta de la esquina y dos países estarán durante 90 minutos con el corazón en un puño (bueno, en este mundial de prórrogas y tandas de penaltis es probable que algunos minutos más). Y qué mejor que un poco de música para potenciar esos sentimientos de ansia de victoria, de remontadas épicas y de comerse las uñas hasta la raíz, carcomidos por los nervios. Pero en esta ocasión vamos a tirar de creatividad y vamos a huir de los temas que ya hemos oído hasta la saciedad a estas alturas de la competición. Así que nada de Pitbull, nada de JLo y nada de Shakira en este artículo. Vamos con otros temas compuestos para este evento menos conocidos por el gran público y algún que otro clásico que siempre va como anillo al dedo en ocasiones como esta.
Nuestra primera propuesta la firma la cantante y productora estadounidense Janelle Monáe. La cantante del prominente tupé, nominada en varias ocasiones a los premios Grammy, es la autora de esta particular versión de “Heroes” de su admirado David Bowie. A nadie se le escapa que el fútbol tiene un gran componente de épica y que en cualquier partido siempre es fácil distinguir a un héroe y a un villano (depende del equipo del que se sea hincha, claro está). Este delicioso videoclip es eso, una historia de héroes pero en clave infantil. La realización corre a cargo de Alyssa Pankiw.
Viajamos a Brasil, la capital del mundo fútbol durante estos días, para conocer el tema dedicado al armadillo Fuleco, la mascota oficial de la Copa del Mundo de Brasil. Su autor el popular músico, cantante y compositor carioca, Arlindo Cruz, considerado en su país como la figura más importante de la samba y el pagode. El tema se titula “Tatu Bom de Bola” y pertenece al disco oficial editado por la FIFA.
Nuestra siguiente protagonista es, Kelly Rowland, una antigua componente de las Destiny´s Child. El videoclip se titula “The Game” y narra el viaje de un niño desde las favelas hasta el corazón de Maracaná para tirar el penalti de su vida. Ojito que está dirigido, nada más y nada menos, que por el genio afroamericano del cine, Spike Lee. Esta canción pertenece a un disco editado por una conocida marca de refrescos con motivo de la celebración del mundial.
Ahora vamos con un poquito de electrónica de buena factura. No todo va a ser samba y pop comercial si hablamos de música relacionada con esta Copa del Mundo. La canción se titula “Unstoppable” y es obra del conocido DJ holandés, de origen marroquí, R3hab. Este mago del dutch y electro house es el responsable de la mezcla mientras que la voz la pone su compatriota Eva Simons, conocida por su victoria en un talent show de la televisión holandesa. El videoclip está dirigido por el popular actor británico Idris Elba (The Wire, Thor, Pacific Rim).
El siguiente tema es un golpe bajo para el aficionado español. Sí, todos lo sabemos, el actual campeón no ha hecho su mejor papel en esta edición mundialista. La canción se titula “Buena energía” y está promovida por uno de los patrocinadores de la Federación Española de Fútbol. Compuesta e interpretada por el grupo pop español Maldita Nerea, cuenta con la participación de jugadores como Iker Casillas, Xavi Hernández, Jordi Alba, Diego Costa y César Azpilicueta. Ver su videoclip en estos momentos es casi una broma de mal gusto…
Seguimos fustigando al hincha español con otra canción dedicada a animar a la “eliminadísima” de este torneo. Su título es “Salta” y está interpretada por los chicos de la banda Varry Brava. Energia y buen rollo en estado puro que se fue por el desagüe con la temprana eliminación de la selección en la fase de grupos. La canción fue una iniciativa de la redacción de Marca, el diario deportivo con más difusión en España.
Comenzamos con los clásicos. Además, como en esta recopilación de temas futbolísticos queremos darle vidilla a otros estilos musicales, vamos allá con un poquito de “britpop”. Inglaterra es el país donde se inventó este deporte que ha conquistado todo el planeta y tampoco están para tirar cohetes con su papel en Brasil 2014. Al igual que España se han ido para casa a las primeras de cambio. En su homenaje vamos a recordar este “Three Lions”, himno oficial de la Eurocopa 1996 de Inglaterra. Sus autores son la banda de rock alternativo de Liverpool, The Lightning Seeds.
Esto sí que es un clásico en mayúsculas, la mítica “Tina Turner” interpretando su hit “The Best”. Si eres aficionado al deporte estarás pensando que este tema se utiliza muy a menudo en las ceremonias finales de importantes torneos en el mundo del tenis. Sí, es cierto, pero también se ha pinchado bastante en las celebraciones de títulos de clubes de fútbol. La verdad es que es toda una inyección de moral para cualquier deportista que se precie… Por si no lo sabían esta canción es una versión de la original publicada por Bonnie Tyler en su disco “Hide your Heart” (1998). Aquí os dejamos ambos videos.
Para cerrar este recorrido vamos con el himno por antonomasia para celebraciones y finales en el mundo del fútbol. Esta canción se la sabe cualquier hincha del mundo: “We Are The Champions” de Queen. Freddie Mercury la compuso para su álbum “News of the World” (1977), pero fue a partir de la década de los noventa cuando se transformó en el himno oficioso de cualquier competición de fútbol internacional. Estamos seguros de que sonará en algún momento cuando acabe la final de este mundial. Recuerden, la cita es el 13 de julio a las 16.00h (hora de Brasil) en el estadio de Maracaná, en la ciudad de Rio de Janeiro. Qué gane el mejor…
El debut de Metallica en el pasado macrofestival de Glastonbury (Inglaterra) no tenía los ingredientes para ser precisamente tranquilo. Se trataba de la primera vez en que una banda de metal encabezaba este famoso festival británico. Eran los abanderados de su género musical en tierra desconocida tras 35 años de espera. Pero la cosa estaba bastante revuelta debido a la afición por la caza mayor de su frontman, James Hetfield, y su papel como narrador de una serie documental sobre la caza del oso pardo para History Channel llamado “The Hunt”. Miles de personas a través de las redes sociales pedían la retirada de la banda como cabeza de cartel de Glastonbury. Su principal argumento es que este tipo de actividad está en contra de los ideales del evento musical, con fuertes raíces en la cultura hippie inglesa. Según la prensa británica, 4 de cada 5 asistentes al festival había dejado claro su rechazo frontal hacia Metallica. Pero viendo cómo se desarrolló el concierto y echándole un vistazo a las fotos y videos del mismo, todo indicaba que estos indignados olvidaron rápidamente sus convicciones morales cuando las guitarras comenzaron a sonar. Por supuesto la banda californiana respondió a la polémica y lo hizo nada más comenzar su espectáculo…
Si escarbas un poco en la figura de James Heftield, guitarrista y cantante de Metallica, no es difícil encontrar referencias a su afición a la caza, su pertenencia a la Asociación del Rifle en Estados Unidos y que es más que probable que no haya votado a Obama en las últimas elecciones a la Casa Blanca. Nunca lo ha escondido. De ahí el asombro y estupor con el que Metallica y su entorno han reaccionado a la polémica desatada por su inclusión como cabeza de cartel en la recién concluido festival de Glastonbury.
Miles de asistentes al festival y asociaciones en defensa de los animales ponían el grito en el cielo tras el anuncio de la participación de Hetfield como narrador en una serie documental de History Channel, que ya se está emitiendo, donde relata la caza del oso pardo en la región de Kodiak (Alaska), como una tradición más de los indígenas de la zona que se remonta miles de años atrás. Pronto surgieron en las redes sociales propuestas y llamamientos al boicot de la banda. Entre ellas ha destacado el sitio en Facebook llamado “Remove Metallica from Glastonbury Festival for their support of Bear Hunting” (Saquen a Metallica del festival de Glastonbury por su apoyo a la caza de osos). Esta página llegó a sumar 14.000 “me gustas” y directamente apelaba a los organizadores del festival para que expulsaran a Metallica de su programación.
En el capítulo de las críticas a Metallica de personajes ilustres de la música hay que destacar las palabras de Bruce Dickinson, vocalista de Iron Maiden, que ha declarado que se lo tienen bien merecido por acceder a tocar en un “evento tan burgués”. Dickinson fue un poco más allá en declaraciones al Daily Star: “En aquellos días en que Glastonbury era un festival alternativo era bastante interesante. Ahora es la cosa más burguesa del planeta. Un sitio al que va Gwyneth Paltrow y tiene tiendas de campaña con aire acondicionado no es para mí”.
Por otra parte tenemos a Barry Burns, teclista de banda escocesa Mogwai, que directamente tachó a Metallica como “terribles” y particularmente a Lars Ulrich, como “músico horrible”. La guinda de Mogwai la puso su batería, Martin Bulloch, que directamente los calificó como “mierda”. También hay que decir que estos chicos tocaron al mismo tiempo que la banda de San Francisco en otro escenario del festival y sabían lo que se les venía encima: Una afluencia mínima de público a su show.
La respuesta de Lars Ulrich no se hizo esperar en declaraciones a la revista Metal Hammer: “Glastonbury es como el Santo Grial en Inglaterra y respetamos eso. Pero si hay alguien que va y habla de recogida de firmas o lo que algún que otro ha dicho, llega a un punto en el que la cosa deriva a algo ridículo. La verdad es que tenemos la piel gruesa y nos hemos vuelto insensibles a este tipo de críticas. Obviamente, si Mick Jagger tiene algo que decir, o Alex Turner de Arctic Monkeys o los tipos de Kasabian, que nos gustan mucho… Pero algún tipo de alguna otra banda… ¿cómo se llaman? Nos trae sin cuidado, sinceramente».
El último en sumarse a la fiesta fue Slash, ex guitarrista de Guns and Roses, que señaló que aprecia los festivales con programación ecléctica pero “lo que no se puede es poner a Metallica después de la jodida Katy Perry”.
La banda no perdió el humor ante todo este lío y, previo al concierto, puso a la venta en su página web diversas camisetas que contenían los titulares más críticos y negativos recibidos por su presencia en este festival. Creo que aún siguen disponibles en su tienda oficial virtual….
Ya hemos contado los antecedentes, ahora vayamos a la crónica de lo que pasó realmente en Glastonbury la noche del pasado 28 de junio sobre el escenario. Las luces se apagan y como es habitual en un show de Metallica, en las pantallas se ve una de las secuencias del western “El bueno, el feo y el malo” junto a los acordes del tema de Ennio Morricone, “The ecstasy of gold”. Pero en esta ocasión el video sufre una pequeña modificación y da paso a un cortometraje dirigido por Julien Temple. Es la respuesta de Metallica a toda la polémica suscitada. Los asistentes enmudecen al ver imágenes de una típica cacería de zorros británica en la que cuatro osos armados con fusiles tirotean sin piedad a los cazadores para poner a salvo al zorro perseguido por una decena de jinetes. Los osos no son otros que los chicos de Metallica. Zas, en toda la boca. Una crítica bastante explícita a la cacería más institucionalizada y típica en el Reino Unido. En fin, juzguen por ustedes mismos…
El público enloqueció y sin dejar mucho tiempo para pensar el show arrancó con la atronadora “Creeping Death” y Hetfield gritando “Glasto, necesito que cantéis conmigo”. Tema tras tema, y clásico tras clásico la banda californiana se metió fácilmente en el bolsillo al personal, demostrando su característico poderío en directo. Entre canción y canción Metallica aprovechó para mandar mensajes del tipo: “Nos enorgullece estar aquí representando el lado más duro de la música” o “esto no es sólo por nosotros sino por todas las bandas de heavy metal que quieren estar en este escenario”.
A medida que el concierto iba avanzando, temas como “One”, “For Whom The Bell Tolls”, “The Unforgiven” o “Fade To Black” volvían a poner todas las cosas en su sitio. Metallica había vuelto a dar el campanazo en directo… Ulrich cerraba la actuación dirigiéndose al público: “Me he paseado por este festival de arriba a abajo, gracias a los que nos han traído, este es el mejor festival del mundo. Espero veros pronto”.
Haciendo un poco de memoria esta no es la primera vez que Metallica desafía a la opinión pública y toca en un lugar poco propicio o extraño para una banda de su estilo. En el ya lejano 1997 decidieron presentar su disco “Reload”, segunda parte del polémico “Load” con el que se cortaron las melenas y cambiaron de look, nada más y nada menos que en el Ministry of Sound de Londres, uno de los mayores templos de la música electrónica del mundo. Las críticas fueron furibundas…
Volviendo al presente, hace un par de semanas Metallica ha presentado un nuevo tema que podría anticipar por donde irán los tiros de su próximo disco, sucesor del exitoso “Death Magnetic” (2008). La canción se llama “Lords of Summer” y con ella los californianos dan la bienvenida al verano con su particular estilo. No es de lo mejorcito que puede dar la banda que, en su página web, señala que esta canción puede cambiar en un futuro muy cercano, o quizás no se incluya en el próximo disco de estudio que están componiendo. No es la primera vez que lanzan temas al público para testarlos, modificarlos o incluso eliminarlos. El corte fue estrenado en su actual gira “By Request” y hace poco han colgado una demo de estudio en tu canal oficial de Youtube para el disfrute de sus millones de fans en todo el mundo.
Si vamos un poco más atrás en la historia reciente de los cuatro jinetes del apocalipsis, exactamente al mes de abril, encontramos más material novedoso de Metallica como el medley grabado para el disco homenaje al fallecido James Ronnie Dio, titulado “Ronnie Rising”. Nueve minutos de homenaje a uno de los grandes de la historia del metal en el que mezclan con gran acierto los clásicos “A Light In The Black”, “Tarot Woman”, “Stargazer” y “Kill The King”.
Y si viajamos un poco más atrás en el tiempo, a diciembre de 2013, encontramos otro hito importante en la historia de una banda que lo ha conseguido prácticamente todo. Se trata de “Freeze´Em All”, un concierto especial celebrado en el Polo Sur, en el helipuerto de la base científica de Carlini, para un aforo de lo más reducido y abrigado. Con este evento Metallica hizo historia al convertirse en la única banda que consigue tocar en todos y cada uno de los continentes del planeta en un mismo año. Un recital celebrado por debajo de los cero grados en el que los músicos tuvieron que calentar, afinar y calibrar los instrumentos varias veces durante el transcurso de un concierto sin amplificadores para no interferir en la paz de la Antártida. ¿Veis como no son tan malos con el medio ambiente?
Todos los asistentes oyeron el show a través de audífonos y auriculares especiales. Diez canciones para la historia que pudieron ser seguidas por miles de seguidores en directo a través de internet. Aquí os dejamos un enlace con el concierto íntegro…
En anteriores ediciones de este blog hemos visto como algunos futbolistas se atrevían a cantar con un resultado bastante desastroso. En esta ocasión vamos a explorar otra de sus facetas artísticas: la interpretación. La verdad es que viendo los dramas y auténticas tragedias griegas que algunos protagonizan sobre los terrenos de juego nada más ser rozados, creo que esta ocasión nos quedaremos con mejor sabor de boca. La verdad es que la ocasión lo merece ya que estamos inmersos en la parte más emocionante de la Copa del Mundo de Brasil y aún no hay ningún favorito claro para el triunfo final. Es cierto que los hemos visto aparecer en videoclips oficiales y extraoficiales para eventos deportivos pero en esta ocasión vamos recordar cameos y actuaciones fuera del ámbito de influencia del fútbol. Así que no esperen ver una vez más el “La,la,la” de Shakira entre estos ejemplos. Algunos lo hacen por campañas solidarias, otros son unos enamorados de la música y los que más, amigos de conocidos artistas internacionales.
Nuestro primer protagonista es la indiscutible estrella de la selección brasileña en este campeonato del mundo, Neymar. Durante su carrera ya ha demostrado en más de una ocasión algún que otro pasito de baile al marcar un gol y la verdad es que no se le da del todo mal. Para los que lo siguen en su actual club, El FC Barcelona, no se puede negar que tiene un cierto toque “teatrero” cuando es objeto de alguna falta durante el juego. Ya lo hemos visto con Michel Teló en el archiconocido “Ai se eu te pego” y ahora os lo enseñamos como actor en el video de otro artista brasileño, Alexandre Pires. El videoclip se las trae. Probablemente no pase a la historia por su profundidad intelectual. Además, estuvo envuelto en alguna polémica racista cuando fue estrenado en Brasil. En fin, echadle un vistazo a “Dança do Kong”.
Los siguientes protagonistas son también jugadores latinoamericanos, el internacional argentino Maxi Rodríguez, y el uruguayo Diego Forlán, que hemos podido ver en acción una vez más en esta copa del mundo tras la baja de la estrella de la selección Luis Suárez por su episodio casi vampírico en el partido contra Italia. Un incidente que le ha costado una de las mayores sanciones de la historia de los mundiales por parte de la FIFA. Aun así poco pudo hacer Forlán por evitar la eliminación uruguaya en la fase de grupos. El video en el que aparecen está firmado por el argentino Coti, amante del balompié declarado. Ambos jugadores militaban en el Atlético de Madrid cuando este video fue grabado e introducen y cierran la acción que se desarrolla en el videoclip. La canción se titula “Nunca Tendré” y pertenece a su álbum “Malditas Canciones” (2009).
Saltamos al continente europeo para buscar a nuestro siguiente futbolista/actor de videoclips. En esta ocasión viajamos unos cuantos años atrás en el tiempo pero seguimos hablando del Atlético de Madrid y sus ex estrellas. Todo el mundo sabe que el cantante Dani Martín, líder de la banda de pop española El Canto del Loco, es un atlético de pura cepa y tiene buenos amigos en esa plantilla. Para su sencillo “Ya nada volverá a ser como antes”, perteneciente a su disco “Estados de ánimo” (2003), contó con la estrella del momento y jugador franquicia, Fernando Torres, como uno de los personajes principales de una historia de amor truncada junto a la conocida actriz española Natalia Verbeke. A día de hoy Fernando sigue siendo internacional, aunque España haya caído antes de la cuenta en Brasil 2014, y milita en el poderoso Chelsea de Londres bajo las órdenes de José Mourinho. La verdad sea dicha, Torres está un pelín rígido en su interpretación. Emocionar, emocionar, no emociona…
En el siguiente video que hemos elegido hay deportistas, sobretodo futbolistas, para dar y regalar. El tema se llama “Dame vida” y formó parte de un proyecto solidario del cantante español Huecco para llevar energía eléctrica y luz a los lugares más desfavorecidos del planeta a través de balones de fútbol con un diseño de lo más peculiar. En el videoclip aparecen bastantes internacionales que se la están jugando en estos momentos en Brasil y algunos otros que ya fueron eliminados. Tenemos a los españoles David Villa, Sergio Ramos y Pepe Reina por una parte. El delantero argentino Kun Agüero, el defensa brasileño Daniel Alves, y los internacionales alemanes, Thomas Müller y Philipp Lahm. También los acompañan otros deportistas de élite como el ganador de 2 anillos de la NBA, Pau Gasol, el reciente jugador de los New York Knicks, y también español, José Manuel Calderón, el tenista ATP Fernando Verdasco y el campeón mundial de Moto GP, Jorge Lorenzo. Un elenco de lujo para una buena causa…
En nuestro siguiente ejemplo el cameo futbolístico es mínimo, eso es cierto, pero también cuenta. El cantante Mika fue uno de los protagonistas de una campaña publicitaria de cervezas durante el pasado verano con una vocación de lo más internacional. En ella se contó con la presencia del ahora jugador del Real Madrid, Isco, el andaluz Joaquín y Willy Caballero, durante la militancia de los tres en las filas del Málaga en la primera división española. Por otra parte también se contó con las perlas del Athletic de Bilbao, Toquero, De Marcos, y el reciente flamante fichaje del Manchester United inglés, Ander Herrera. Hay que andarse avispado porque si no te los pierdes…
El protagonista de nuestro siguiente video ya ha declarado en más de una ocasión que su segunda gran pasión, tras el fútbol, es la música. Su nombre es Jesé Rodríguez y es uno de los nuevos valores del Real Madrid. En estos momentos se encuentra recuperándose de una grave lesión pero su vuelta a los campos de juego tras este verano será toda una realidad. El jugador canario forma parte de un grupo llamado Big Flow que se mueve por ritmos cercanos al reggaetón. Uno de sus temas más sonados es “La mano arriba”, en el que han contado con la colaboración del conocido artista dominicano Henry Méndez.
Nuestro siguiente protagonista es el famoso español DJ Wally López, buen amigo de Creation 5, con el que tuvimos la suerte de charlar hace unos meses en nuestra sección #SundaySessions. Como ya contamos en su entrevista este artista electrónico es íntimo amigo de José María Gutiérrez “Guti”, uno de los jugadores más emblemáticos y carismáticos, ya retirado, del Real Madrid. Guti es todo un gurú de la noche española, todo un icono de la marcha y un gran amante de la música. Aficionado a pinchar, tiene un sello discográfico con el que apuesta por la carrera de nuevos artistas. En este tema de su colega Wally López, titulado “You can´t stop the beat”, vemos a Guti en un pequeño cameo al inicio del videoclip. Esto es un temazo en toda regla…
Para acabar con este repaso futbolístico/artístico vamos con un jugador mágico con bastante talento para la música. Ronaldinho está en el ocaso de su carrera futbolística en el Atlético de Mineiro y en el inicio de una prometedora carrera musical. Su último éxito ha sido la composición de “Minha Nega” para su amigo Jhana. Aquí os dejamos una de sus últimas colaboraciones con el rapero Edcity. Este futbolista tiene flow, sí señor…
¡Esperad, no os vayáis aún de este artículo! Queda una última sorpresa que acabo de encontrar publicada hace tan solo un mes en Youtube. Este futbolista no podía faltar en un asunto relacionado con la música. Hablamos de Diego Armando Maradona y esta vez viene acompañado por su hija Dalma. El tema se llama “Gritándole al viento” y es obra de la banda argentina Apolo. Fue un gran futbolista, de los mejores, pero nunca será un buen cantante ni actor… Ahora sí. Hasta otra.
Luis Márquez es una de las figuras imprescindibles en la televisión del sur de España. Este periodista sevillano es una de las caras más conocidas por todos los funcionarios de aduanas e inmigración de los aeropuertos más variopintos del planeta. El motivo es que su carrera profesional lo ha llevado a convertirse en uno de los reporteros de viajes más experimentados de la televisión española. Su trayectoria vital así lo avala. Ha sido presentador durante cuatro años del programa decano del formato de programas de viajes en España, “Andaluces por el mundo”, con el que ha narrado apasionantes y exóticas historias en 30 países diferentes. En la actualidad sigue siendo carne de aeropuerto en el programa “A por Europa”, un nuevo giro de tuerca al periodismo de viajes en Canal Sur Televisión. En medio de estos proyectos le ha dado tiempo a ganar un premio Ondas, por su labor como reportero en el programa documental “75 minutos”, y a plasmar sus experiencias y reflexiones como periodista internacional en un libro titulado “Los años viajeros”.
A las hojas de su pasaporte no que quedan ni un centímetro libre para estampar más sellos. Es más que probable que conozca el nombre de pila de algún que otro funcionario de inmigración y extranjería en varios aeropuertos internacionales. Esperemos por su salud que en el futuro ningún estudio determine que los arcos de seguridad son nocivos para la integridad física porque este periodista, que hoy nos acompaña en Sunday Sessions, habrá perdido la cuenta de las veces que ha pasado a través de ellos en las decenas y decenas de aeropuertos que ha visitado. Exageraciones aparte, Luis Márquez es un periodista de raza y experiencia contrastada que ha desarrollado la mayor parte de su carrera profesional contando historias en televisión.
Tras comenzar su carrera profesional en prensa, pronto da el salto a la pequeña pantalla aterrizando en “Andaluces por el mundo”, uno de los programas más queridos y seguidos en el sur de España. Durante 4 años se dedica a contar las historias de andaluces, que han abandonado su tierra para comenzar una nueva vida en el extranjero, en varias temporadas televisivas con gran éxito y reconocimiento. Tras esta experiencia recala en el programa documental, también para Canal Sur Televisión, “75 minutos”, donde cambia los aeropuertos y destinos lejanos por los rincones más auténticos de Andalucía. Un espacio televisivo distinguido en 2013 con un premio Ondas, uno de los galardones más codiciados y prestigiosos de la televisión en España, con el que Luis Márquez se convierte en uno de los reporteros más queridos de la televisión andaluza.
Durante esta etapa de su carrera no olvida al viajero que anida dentro de su alma y saca tiempo para plasmar en un libro, titulado “Los años viajeros”, sus experiencias más notables vividas durante su etapa como reportero de “Andaluces por el mundo”. Se trata de un texto que va más allá de las meras anécdotas de trabajo y se zambulle en la realidad social y política de países como República Dominicana, Senegal, Palestina, Irlanda del Norte o Egipto.
La última aventura televisiva de Luis Márquez se llama “A por Europa”, un programa con el que vuelve a hacer las maletas para viajar por el viejo continente contando, a través de la historia personal de varios andaluces, la realidad social y económica de los países de la Unión Europea. Un programa del que se puede disfrutar actualmente durante las noches de los lunes, en horario de prime time, en la televisión autonómica andaluza.
Así que recapitulemos. Esta tarde de domingo vamos a charlar un poco sobre periodismo, televisión, viajes y, como no, música, de la mano de Luis Márquez, un periodista de vocación internacional con un gusto musical nada convencional y bastante exquisito…
¿Cómo nace en ti la vocación periodística? ¿Crees que en una sociedad de consumo tan mercantilizada como en la que vivimos sigue existiendo un hueco para las profesiones vocacionales? Pues desde pequeño mi padre me metió el veneno de la radio y con ocho años ya dormía con ella bajo la almohada. Siempre quise narrar partidos de fútbol pero cuando maduré entendí que las mejores historias estaban en otros ámbitos y por suerte he podido trabajar en prensa y programas de TV, y documentar muchas vidas por todo el mundo. Lo vocacional nunca muere, aunque cada vez dé peor de comer.
Tu carrera siempre ha estado ligada al mundo de la televisión, pero es el programa documental de viajes, “Andaluces por el mundo”, el que te lleva a convertirte en uno de los reporteros más reconocidos en el sur de España. ¿Qué ha supuesto esta experiencia en tu vida tanto en lo profesional como en lo personal? Siempre digo que entré en el programa siendo un niño que vivía con sus padres y no tenía ni pasaporte, y salí siendo un hombre con canas, maduro y repleto de sellos. Me cambió totalmente. Cada persona diferente que conoces en una cultura distinta aporta muchísimo, en lo profesional y en lo personal. Cada viaje, con todo el trabajo que tiene detrás, es un máster.
¿Tienes una idea aproximada de cuantos kilómetros has recorrido durante tu vida profesional? ¿Cuántas veces le habrás dado la vuelta al mundo? En Andaluces por el Mundo fueron 30 países diferentes y ahora en AxEuropa llevamos ya tres… y que dure mucho. No he hecho la cuenta pero en cinco años recorriendo el mundo imagino que varias vueltas le habremos dado. Algún viaje gratis de vacaciones gracias a los puntos Iberia ha caído… 😉
Supongo que habrás pasado horas y horas de espera en aeropuertos de todo el planeta. ¿Qué tipo de música te pide el cuerpo para conectar el modo “paciencia on”? Me gusta mucho el universo indie, aunque la etiqueta ya esté muriendo. Un poco de electro-pop en el viaje de ida y algo más relajado en el de vuelta…
¿Qué género musical es el que más suena en tu reproductor? ¿En qué formato y tipo de soporte sueles escuchar música? Desde que existe el Iphone casi todo lo escucho ahí. Los grupos británicos en general siempre me han atraído. El brit-pop de la adolescencia dio paso al mundo mod, al punk, al rock y ahora cualquier mezcla que no se deje llevar demasiado por lo comercial suele gustarme. Islandia aporta mucha buena música.
Fruto de tu paso por “Andaluces por el mundo” en Canal Sur Televisión ha sido la publicación de tu primera aventura como escritor titulada “Los años viajeros”. ¿Qué se va a encontrar el lector dentro de sus páginas? Se va a encontrar diez reportajes largos sobre diez destinos diversos, todos sitios donde han pasado y siguen pasando muchas cosas. Historias humanas para entender la cultura y la historia de República Dominicana, Senegal, India, Qatar, Sudáfrica, Palestina, Estados Unidos, Irlanda del Norte, Noruega y Egipto.
Promo – Los Años Viajeros
¿Cuáles son las historias que más te han marcado a la hora de escribir “Los años viajeros”? Por ejemplo, trato de explicar el conflicto entre israelíes y palestinos con la historia de Dunia, palestina de Jerusalén que se va a casar con su novio, palestino de Belén, que no puede cruzar el muro e ir a verla a su casa. En cambio, yo, que no la conozco de nada, sí puedo hacerlo. Y reflexiono sobre lo injusto de la situación. Más allá del conflicto armado, día a día hay cientos de pequeñas injusticias en esa parte del mundo.
Seguro que las siguientes preguntas no te las ha hecho nadie en tu carrera… ¿Qué ciudades del mundo recomiendas para perderse? ¿En qué ciudad fantaseaste con haberte quedado para siempre? ¡La primera vez! 😉 A veces parecemos guías de viajes o contadores de batallitas profesionales, pero la verdad es que es un placer hacerlo. Ciudades para vivir: Ciudad del Cabo, San Francisco y Berlín. Me encantan las tres. ¿Para quedarme para siempre? Muchos sitios, desde una islita en el archipiélago de San Blas en Panamá, hasta Copenhague (si fuera verano eterno) o la inevitable Nueva York.
Esta pregunta sí es algo más original… ¿Dónde has oído la mejor música autóctona? Islandia. Apenas trescientos mil habitantes y muchísimos artistas diferentes y buenos. Un invierno tan duro debe favorecer la creatividad musical. Sigur Ros, Of Monsters and Men, FM Belfast, Bjork…
Seguro que has conocido testimonios durante tus viajes llenos de alegría y positividad pero también otros muy duros y tocados por la crudeza y la miseria. ¿Qué historias te han marcado más hasta el día de hoy en tu experiencia como reportero internacional? La historia de Andy, un chico de doce años de un arrabal de Santo Domingo, que vive entre prostitutas y asesinos y acababa de perder a sus padres. Se encargaba de sus dos hermanos pequeños y pese a su corta de edad se notaba en su rostro el peso de la madurez obligada, de la maldad congénita, de la supervivencia innata. Crecer así te hace adulto prematuro, te mete en un laberinto vital del que es casi imposible salir. Un ejemplo cualquiera de los millones de niños que viven así en todo el mundo.
Tu siguiente trabajo en televisión te llevó al programa documental “75 minutos”, otro de los fenómenos televisivos con más éxito en el sur de España. No en vano en 2013 fue señalado con un premio Ondas, uno de los galardones más importantes que se otorgan en la televisión española. En este espacio cambias los destinos internacionales más exóticos por los rincones más auténticos de Andalucía. Cuéntanos un poco cuál era el espíritu de este programa y qué supuso en tu carrera… En un contexto de crisis, el programa se iba a la calle a hablar con toda Andalucía, sin máscaras. Todo a pelo, desde las entrevistas hasta la realización del programa. Se trababa de vivir las historias, más que de contarlas. El reportero sentía y padecía con el protagonista. Un periodismo extremadamente cercano que conectó perfectamente con la audiencia. Hoy el formato ha evolucionado un poco, porque en cinco años de emisión siempre hay que hacer cambios, pero respeta la esencia del 75 minutos original y aporta cosas muy buenas también.
Hemos tocado un poco en el tema de la música en otras preguntas pero me gustaría saber cuáles son tus grupos o artistas de cabecera tanto en el ámbito internacional como en el panorama musical español… Extranjeros: Oasis, Sigur Ros, Phoenix, Kaiser Chiefs, Blur, Interpol, Wilco… Españoles: Los Planetas, Lori Meyers, Niños Mutantes, Maga…
¿Cuál es tu video musical preferido y por qué? Hoppipolla, de Sigur Ros. Emoción pura. Ancianos que vuelven a la niñez. Mágico.
¿Qué grupos estás descubriendo últimamente y te gustaría recomendarnos? Fanfarlo, jóvenes aunque llevan años rodando, como la gente de Two Door Cinema Club.
Nos gustaría saber cinco discos imprescindibles en tu discoteca particular y cinco artistas a los que te gustaría entrevistar algún día… What the story (Morning Glory)?, de Oasis. Babel, Mumford and sons. Antics, de Interpol. Space Oddity, de David Bowie. Sky blue sky, de Wilco.
¿Eres de los que disfrutas más viendo un concierto en streaming en la comodidad de tu sofá o te gusta rozarte con el sudor ajeno en conciertos y festivales? Al barro, siempre al barro. Un directo potente lo mejora todo.
Estamos en CREATION 5 y para terminar nos gustaría que nos aconsejaras cinco ciudades del mundo donde la música sea su mayor seña de identidad… Reikiavik, San Francisco, Berlín, Liverpool y Dakar.
Luis Márquez ha elegido nuestras #SundaySessions esta semana, hace click aqui para el playlist.
Aunque estamos seguros de que muchos lo sabéis, antes de nada, vamos a delimitar conceptos. Primero, ¿qué es una certificación VEVO? Y segundo, ¿qué es exactamente VEVO? La primera pregunta tiene una respuesta rápida y concisa: Un certificado VEVO reconoce a un video musical que alcanza la cifra de 100 millones de reproducciones en el canal de un artista determinado en Youtube. La segunda pregunta tiene una respuesta algo más extensa que daremos un pelín más adelante. Pero sigamos con la noticia sobre Britney. Hoy en día no es difícil que un video consiga superar los 100 millones de reproducciones en Youtube, de hecho hay decenas y decenas de artistas a lo largo y ancho del planeta que lo han conseguido. Pero solo Britney Spears lo ha logrado con videos estrenados durante tres décadas diferentes. Es la reina indiscutible de VEVO.
El video que ha conseguido que la cantante estadounidense sea la primera artista en batir este record ha sido su clásico “…Baby one more time”. Esto demuestra que sus fans tienen un puntito más de megalomanía y fidelidad que el resto ya que no solo se quedan con sus estrenos más recientes sino que escudriñan en la red en busca de los orígenes de su diva.
Hay que tener en cuenta que el single ha sido más de una vez borrado de la plataforma de videos pero lo que realmente VEVO tiene en cuenta es su lanzamiento comercial al mercado. “…Baby one more time” fue estrenado en 1999 y está dentro de la década de los 90. Su certificación a día de hoy ha sido más que superada ya que el contador de visitas no para de subir y ya supera los 104 millones de reproducciones. Esta canción fue el primer single del álbum debut de Britney con el que alcanzó el estrellato internacional en el mundo del pop.
El segundo hit con el que consigue una certificación VEVO, está vez ya en la década del 2000, es “Womanizer”. El video fue estrenado en 2008 y pertenece a su sexto disco de estudio titulado “Circus”. El término hace mención al concepto en castellano de “mujeriego”. Se trata de un tema orientado a ritmos cercanos al electropop donde Britney se abandona a melodías algo oscuras y abusa un pelín de los sintetizadores. Pero desde luego si algo ha contribuido a su certificación es que se trata del primer video en el que Britney aparece completamente desnuda ante las cámaras y, créanme, eso ayuda. Actualmente su contador de visitas en Youtube va camino de una segunda certificación ya que supera los 114 millones de reproducciones.
Y por último detallamos su certificación VEVO en la década del 10. Aquí tiene más de un video dentro de esta categoría. También es cierto que el uso de Youtube es mucho más masivo que hace diez años, pero no queremos quitarle mérito artístico a la cantante estadounidense. Tenemos “I Wanna Go” (2011), “Till the Worlds Ends (2011) y “Work Bitch” (2013). Nos quedamos con este último video, incluido en su octavo álbum de estudio titulado “Britney Jean”. Sensualidad, lujo y hedonismo a partes iguales que ya superan los 113 millones de reproducciones.
Y ahora volvamos a la segunda pregunta que nos planteábamos al comienzo del artículo: ¿Qué es exactamente VEVO? Se trata de la plataforma líder en contenido de videos musicales y de entretenimiento con más de 5 billones de visitas al mes en todo el mundo. Es propiedad de Google, Sony Music Entertainment, Universal Music Group, Abu Dhabi Media Company y Arthur Music Company, más la licencia de EMI para poder reproducir sus contenidos. En pocas palabras, toda la leña en lo que a compañías discográficas se refiere. Es por esto por lo que solo encontramos cuentas VEVO para artistas de gran renombre internacional ya que sus videos están bajo licencia de alguna de las compañías ya nombradas.
La plataforma utiliza la infraestructura de Youtube y en sus fondos cuenta con más de 75.000 videoclips en formato HD, más incontables clips de materiales exclusivos de artistas, conciertos y actuaciones varias. Comenzó su andadura en 2009 en Estados Unidos, Canadá y Japón. Su razón de ser no es otra que controlar el número de reproducciones y visitas que tenían en Youtube los videos de sus artistas para de esta manera poder obtener beneficios de las firmas publicitarias justificando de forma precisa la penetración de estos contenidos.
Y después de esta clase de marketing improvisada vamos con algunos datos curiosos sobre los videos de esta plataforma.
El video más reproducido dentro de VEVO es “Baby” de Justin Bieber. Aquí os dejo el número de reproducciones porque es incluso hasta difícil de leer: 1.052.240.205. Este videoclip tiene también el dudoso honor de tener la mayor cantidad de “no me gusta” (4.001.845) de toda la plataforma.
Miley Cyrus no podía faltar en este pequeño libro de los records VEVO. Por un lado su archiconocido “Wrecking ball” tiene el record de ser el video más visto en 24 horas y su hit “We can´t stop” fue el video que menos tiempo tardó en obtener un certificado. En tan solo 37 días llegó a los 100 millones de reproducciones.
Rihanna es la artista más certificada de VEVO con 15 videoclips señalados. A pesar de esta cifra de videos tan alta no consigue quitarle el record de las tres décadas distintas que ostenta Britney. Pero me juego el cuello que es cuestión de que pasen los años para que lo consiga con una relativa facilidad.
Linkin Park acaba de publicar “The Hunting Party”, un nuevo disco con el que vuelven a su sonido más clásico. Un retorno a sus raíces más metaleras pero sin dejar de lado ese gusto por los elementos electrónicos, el punk y el hip hop, que los catapultaron al éxito en la primea década del siglo XXI. Se trata de 12 canciones nuevas con las que la banda californiana celebra su madurez artística pero rebuscando en su lado más adolescente, agresivo y transgresor. Un retorno deliberado a los orígenes con el que pretenden huir de cualquier tufo a soft-rock, indie o pop en sus nuevos temas. El disco ha salido al mercado en una versión CD sencilla y en una edición especial CD+DVD con un concierto íntegro de su gira 2012.
Han pasado tan solo dos años desde “Living Things” (2012), su último disco de estudio, y tan solo algunos meses del lanzamiento de “Recharged” (2014), su segundo disco de remezclas, y parece que Linkin Park no tiene intención de levantar el pie del acelerador. El pasado 17 de junio “The Hunting Party” veía la luz y el resultado, sobre todo para los seguidores más heavys de la formación, ha sido una grata sorpresa. Es un disco eminentemente rock y con gran cantidad de pasajes que lo acercan al thrash metal. Pero a la hora de las definiciones dejemos que sean ellos mismos los que se pongan la etiqueta. Según Mike Shinoda, una de las dos cabezas más visibles de Linkin Park, estamos ante un disco fruto de un grupo de “punk progresivo”.
Una de las canciones que mejor demuestran esa vuelta a su mágica combinación entre metal y hip hop, al más puro estilo “Hybrid Theory” (2000) y “Meteora” (2003), es el primer sencillo de “The Hunting Party”. Su título es “Guilty all the same” y cuenta con la colaboración de la leyenda del hip hop, Rakim, que presta su voz a varios versos durante el tema.
Según cuenta Mike Shinoda, las primeras propuestas para este disco estaban más en la línea de “Living Things” (2012) donde no se sabía exactamente donde comenzaba el rock y acaba la electrónica. Pero tras zambullirse en internet y leer varios artículos donde se despotricaba de la salud del rock actual y comprobar la abundancia de propuestas pop, indie y soft- rock en emisoras de “Rock”, Shinoda dio un giro a la propuesta creativa que ya tenía en marcha: “La música en la que había estado trabajando realmente no era la propuesta con la que me sentía satisfecho o siquiera se acercaba a lo que realmente me hubiese gustado estar componiendo”.
La decisión estaba tomada según Shinoda: “A mí siempre me ha gustado la música que sónicamente y líricamente era ofensiva y que no gustaba a mis padres. Tuvimos que regresar a esos momentos para poder componer este disco”. Según palabras de Brad Delson, guitarrista de la banda, “tuvimos que idear el modo de como re-imaginar todos estos elementos del pasado de la banda y traerlos al día de hoy”. Otro de los ejemplos del renacimiento del Linkin Park más clásico es, “Until It´s gone”, el segundo sencillo de su nuevo trabajo.
“The Hunting Party”, su sexto disco de estudio, es el primer álbum que está producido al cien por cien por la propia banda, además de ser su primera experiencia en grabación analógica y con mínimos cambios en posteriores jornadas de post-producción. El grupo, sin interferencias ni opiniones externas, tocando todos juntos en el estudio al mismo tiempo. «El proceso de grabación en cinta preservó lo mejor de dicha sesión y es definitivamente uno de los detalles más importantes que le dan personalidad al álbum. Hay una intimidad y una energía maravillosa cuando tocamos juntos que creo que ha sido capturada perfectamente”, ha declarado Mike Shinoda.
En el capítulo de las colaboraciones, a parte del ya mencionado Rakim en “Guilty all the same”, encontramos a varias figuras de lo más granado del rock alternativo. Por una parte tenemos al mágico guitarrista de Rage Against the Machine, Tom Morello, en el tema “Drawbar”, la contundencia metalera de Page Hamilton de Helmet en los coros de “All for nothing”, y la inconfundible voz de Daron Malakian, líder de System of a Down, en la canción “Rebellion”.
Un segundo. En este artículo faltaba algo… Faltaban las palabras del otro cantante de Linkin Park, el carismático y mediático Chester Bennington, que ahonda en la idea de cambio de planes de última hora en el momento de diseñar este nuevo LP: “ Nunca estamos asustados a la hora de enfrentarnos al nuevo material. No nos importa pensar en algo concreto o con un estilo más definido. Esta vez el foco se centraba en hacer algo con melodía, más pop e incluso más bailable, pero esa idea cambió el verano pasado. Nos dimos cuenta de que las canciones que estábamos escribiendo requerían un sonido más rock, más agresivo. Las demos originales ya iban por esa onda”. Y para que comprobéis que estos chicos han apretado los dientes de verdad con “The Haunting Party”, oíd “War”, probablemente la canción más cañera que haya grabado Linkin Park en todos sus años de carrera.
La espera para los fans de Linkin Park ha terminado, aunque en este caso ha sido más llevadera ya que la banda ha ido soltando algunas píldoras del nuevo disco en las redes sociales durante los últimos meses. Redes en las que sus seguidores se cuentan por legión, y es que hay que destacar que son el grupo musical con mayor número de seguidores en Facebook (63.623.244). Y para terminar, un tema más de “The Hunting Party” titulado “Final Masquerade”. Que disfruten…
The Hunting Party – Tracklist 1. Keys to the Kingdom 2. All for Nothing – con Page Hamilton 3. Guilty All The Same – con Rakim 4. The Summoning 5. War 6. Wastelands 7. Until it’s Gone 8. Rebellion – con Daron Malakian 9. Mark the Graves 10. Drawbar – con Tom Morello 11. Final Masquerade 12. A Line in the Sand
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Tienen la garra y el acento del mejor rock andaluz y en su ADN trazas de un incuestionable espíritu flamenco. Con Marbella como centro de operaciones, en pleno corazón de la Costa del Sol, la banda Delola vuelve a los escenarios y a la carretera con su tercer álbum de estudio titulado “La Búsqueda”. El grupo, encabezado por el carismático guitarrista Juan Delola, firma un trabajo discográfico con una sólida base en el rock con raíces flamencas y abierto también a sonidos cercanos al pop, el funk y el reggae. “La Búsqueda” ya está en las principales plataformas digitales, y disponible para su descarga de forma gratuita en la página web oficial del grupo.
El disco, presentado de forma oficial en el Hard Rock Café de Puerto Banús (Marbella), es una clara apuesta por el directo y la fusión entre el rock y el flamenco. Delola no puede entenderse sin conocer la personalidad y la trayectoria de su fundador y guitarrista, el compositor marbellí Juan Antonio Vázquez, más conocido en el mundo artístico como Juan Delola. Gran amigo del inigualable Raimundo Amador, Juan lleva a sus espaldas más de 20 años de experiencia en el mundo de la música. Su carrera comienza en solitario vinculado al rock y a sonidos más duros, pero pronto gira sus pasos hacia el mundo del flamenco donde se forma y curte como un excepcional guitarrista en tablaos, peñas y festivales de toda España, además de viajando por diferentes países de Europa, Asia y África.
Su carrera en solitario comienza con “Anhelo”(2008), un disco de guitarra flamenca con guiños al pop/rock con el que consigue el respeto de la crítica y se da a conocer al gran público, compartiendo escenario con grupos consagrados como El Bicho, Ojos de Brujo, Macaco o Tabletom. “Anhelo” forma parte de la etapa de Delola más clásica y más técnica si cabe.
Pero es con su segundo trabajo, “Tan solo por esta noche” (2011), cuando Delola abraza sonidos más próximos al rock y los entrelaza al flamenco con una naturalidad y sencillez mayúsculas, mostrando al público su verdadera cara en lo musical y su particular interpretación del concepto “fusión flamenca” que lo diferencian del resto. Como ejemplo el primer single, que le dio nombre al disco, y otro de sus temas, el corte “Pensando en ti”.
Delola transita entre lo instrumental y los temas con colaboraciones de vocalistas. Es en “La Búsqueda” donde ha contado, en todos sus temas, con la voz de un cantante fijo. Tras actuar por diversos puntos de la geografía española y en países como Francia, Grecia, Alemania, Bélgica o Corea del Sur, y grabar al lado de grandes referentes del rock andaluz como Pepe Roca (Alameda) y Antonio Smash (Smash), charlamos con Delola sobre su nueva criatura musical. Flamenco y rock andaluz de muchos quilates.
Has lanzado recientemente al mercado “La Búsqueda”… ¿Qué busca exactamente Delola con este nuevo trabajo? Pues ante todo el poder seguir mostrando una vez más al mundo mi forma de hacer y sentir la música. Sensaciones y sentimientos transformados en canciones que espero de corazón le guste al público seguidor de Delola.
¿Cómo ha sido el proceso creativo de este nuevo álbum? Pues empecé a componerlo mientras presentaba mi anterior disco. Durante un par de años fui reuniendo ideas y dando forma a las canciones que me iban surgiendo y durante todo el 2013 fui grabando maquetas y finalmente al estudio. Suelo ser muy indeciso y no paro de cambiar cosas casi hasta el último momento. Incluso llego a grabar varias opciones de letras, solos, arreglos, etc.
¿Es un trabajo autofinanciado y de producción propia? ¿Es fácil hoy en día sacar un proyecto musical adelante? ¿Se puede vivir de la música en Andalucía hoy por hoy? Puff, la cosa esta malilla… Vivir de la música si te dedicas, te mueves y te vendes bien se puede, pero claro haciendo versiones. Vivir de tu música es bastante más complicado y casi imposible. Hay miles de grupos buscándose la vida y está muy caro el hacerse un hueco. Es muy difícil sacar adelante un proyecto musical propio ya que si después de todo el esfuerzo que requiere no le ves algo de color pues terminas aburriéndote y aflojando. Yo por ahora aguanto. Este es un disco autoproducido pero cuento con la colaboración de Hard Rock Café Marbella como patrocinador oficial y el trabajo del sello discográfico Lanzadera Music que lo han hecho muy bien.
¿De dónde bebes, dónde has buscado la inspiración a la hora de elaborar las letras de este álbum? Es algo que surge sin más, sin programarlo. Cuando viene la inspiración aprovecho corriendo para darle forma y ver si finalmente puede llegar a ser una canción. Normalmente están basadas en vivencias y sentimientos y sensaciones que tengo ante la vida y todo lo que ésta me da. Cada tema habla de algo diferente.
¿Con qué colaboraciones has contado durante la elaboración de “La Búsqueda”? ¿Satisfecho con la voz de Juanjo Alcántara? No hay artistas invitados y básicamente lo he grabado con los músicos que vienen conmigo en directo. Juanjo genial, estoy muy contento. Él lleva siendo mi cantante en directo desde hace años y siempre ha participado en mis discos. En el primero (Anhelo) como corista, en el segundo (Tan sólo por esta noche) como artista invitado en el tema «Pensando en ti”, y en este último cantando todos los temas. Tenía ganas de hacer un disco con él y aquí está por fin.
Son nueve canciones excelentes donde juegas mezclando flamenco, rock, pop e incluso funky. ¿Cuáles son las principales influencias de Delola? Soy un músico muy abierto que aprecia la buena música por encima de todo. Pero sí que es verdad que la década de los setenta me influye mucho. Led Zeppelin, The Police, Santana, Triana, Raimundo Amador, Camarón… Me encanta y me identifico mucho con todo lo que se hacía en esa década maravillosa. De más reciente me gusta mucho El Bicho, Maná, Vicente Amigo… Básicamente escucho rock y flamenco.
¿Contento con el resultado final? ¿Qué sensaciones te está transmitiendo tu público tras oír el disco? Sí, muy contento aunque cuando ya lo terminas y no puedes retocar más, siempre empiezo a ponerle pegas y cambiaría muchas cosas (risas), pero bien, estoy muy feliz. El público genial, lo está entiendo todo muy bien y ya hay muy buenas críticas. Tengo un público muy fiel. Han entendido la evolución de mi música muy bien a pesar de que muchos son de ámbito puramente flamenco.
“La Búsqueda” está disponible en todos los formatos y plataformas digitales habidas y por haber… Además se puede descargar de forma gratuita desde la web del grupo. ¿Por qué has tomado esta decisión? Era una decisión difícil pero que la tenía clara desde el principio. Hoy en día no venden discos ni los grandes con inversiones brutales en promoción. Yo no quería que nadie se quedara con la posibilidad de disfrutar de este álbum y el aspecto económico no iba a ser un impedimento. Para vender 4 discos y que lo pirateen mejor lo pirateo yo mismo. Por eso lo único que pido es que si les gusta, pues que lo compartan todo lo que puedan.
¿Habrá también CD físico para los más clásicos? Sí, por supuesto. El disco tiene un punto de venta en exclusiva que es Hard Rock Café Marbella, que es mi patrocinador oficial. Además se puede adquirir mediante pedido en la web oficial y en los conciertos.
Como músico y compositor, ¿Cuál es tu opinión sobre las continuas polémicas y discusiones sobre los derechos de autor en internet, descargas ilegales, compartir música, etc.? Pues no tengo una opinión clara al respecto. Prefiero no mojarme mucho porque no me aclaro ni yo. Pero bueno, supuestamente deberíamos ser libres para compartir algo que hemos comprado con quien queramos pero para uso privado. Lo que si me molesta profundamente es la venta de discos compactos piratas, donde se benefician terceras personas ajenas completamente a la música. Nunca compraría un disco pirata.
El primer video de este disco ya está moviéndose por la red, se titula “Pase lo que Pase”. Es todo un canto a la positividad y a las ganas de avanzar ante cualquier adversidad de la vida. ¿Cómo está funcionando este video? ¿Estás satisfecho con el resultado final? “Pase lo que Pase” es el tema elegido como primer single. Como tú mismo dices es un canto a la positividad y un reclamo de buen rollo. Pase lo que pase siempre hay que mirar al frente y tirar “pa lante”, no queda otra. El videoclip está realizado por Nono Palomino, un gran director amigo mío, y me gustó mucho su enfoque en imágenes. La gente está flipando con él y en apenas tres días ya llevamos más de mil visitas.
¿Juan Antonio Vázquez podría definirse más como rockero, como flamenco, como algo nuevo surgido de entre estas dos corrientes…? Uff, ¡me cuesta definirme hasta a mí! (risas) Llevo escuchando rock y flamenco desde mi adolescencia y me siento muy identificado con ambos estilos. Los rockeros me ven como el flamenco y los flamencos siempre me han visto como un rockero. Hay una frase que me identifica bastante que es rockero de nacimiento y flamenco de adopción. Eso lo dice todo. Tengo un espejo donde mirarme que es Raimundo Amador. Le sigo desde muy joven y me identifico mucho con él. Además tengo la suerte de que es amigo mío y hemos hablado muchas veces del tema.
Tu carrera musical no es flor de un día. Llevas muchos años trabajando y luchando en este mundo tan complicado y exigente. ¿Cómo surge Delola? ¿Cuándo decides dejar tu carrera en solitario para trabajar liderando un grupo humano? Llevo en esto de la música desde muy niño por influencia de mi padre que era batería. Mis comienzos fueron tocando este instrumento. En breve hago 20 años desde que debuté en un escenario y he dado muchas vueltas. Lo de Delola o Juan Delola surge cuando después de muchos años tocando para otros, decido por fin iniciar mi propio proyecto, basado en mis composiciones y en mi manera de entender la música. Esto sucede en 2006 al regresar de una larga estancia en Grecia trabajando en un tablao. De ahí hasta el día de hoy mi proyecto ha ido sufriendo cambios y han pasado por él mucha gente. En la actualidad dispongo de un grupo humano fantástico que creen en mí y mi música, de ahí que Delola sea actualmente una gran familia.
Eres natural de Marbella, una de las ciudades más conocidas de España en todo el mundo… ¿Qué te ha aportado esta ciudad en tu arte y en tu forma de entender la música? Es la ciudad donde he nacido, donde me he criado y donde resido desde siempre, así que siento que me lo ha dado todo. Ella me ha visto crecer en la música y moverme entre sus ambientes tanto flamencos como rockeros, pudiendo aprender, avanzar y llegar hasta donde estoy hoy. En mi primer disco hay una malagueña de guitarra dedicada a ella que se llama “Marbella, tierra malagueña”.
¿Qué significa para ti el rock andaluz y qué se mueve dentro de ti cuando oyes algún tema de grupos como Triana, Medina Azahara, Alameda…? Ufff… Me estremezco y emociono. Soy un gran aficionado y seguidor del género. He escuchado y leído muchísimo sobre él y todo lo que aconteció a aquel histórico movimiento. He tenido la oportunidad de grabar al lado de grandes como Pepe Roca (Alameda), El Manglis (Guadalquivir) o Antonio Smash (Smash), con los que tengo una gran amistad. Como anécdota contarte que Manuel Martínez (Medina Azahara) que es un colega, iba a colaborar en el disco pero por la negativa de su discográfica (Senador) no pudo ser a pesar del gran interés que tenían tanto él como Paco Ventura (guitarrista de Medina) en colaborar tras escuchar el tema que elegí para ellos. Creo que es cuestión de tiempo que Delola y Medina Azahara hagan algo juntos.
“La Búsqueda” es tu tercer trabajo de estudio. Está precedido por “Anhelo”(2008) y “Tan solo por esta noche” (2011). ¿Cómo definirías en pocas palabras tus anteriores trabajos? ¿Hacia dónde está evolucionando Delola en lo personal y en lo musical? Pues el primero “Anhelo” que es el más flamenco e instrumental de todos, cercano al concepto de guitarra solista flamenca. El segundo, “Tan sólo por esta noche” es más de fusión flamenco-rock pero desde la guitarra flamenca y con un concepto de canciones con colaboraciones vocales. El último, “La Búsqueda” es el más rockero de todos, donde la guitarra flamenca pasa a un segundo plano, predominando la guitarra eléctrica. La evolución en mi vida y música es constante. Me gusta estar siempre avanzando, tener nuevos retos y poder sacar siempre lo que llevo dentro. Actualmente el cuerpo me pide caña, de ahí que este disco sea el más rockero y cañero de todos.
En alguna ocasión te has definido como “rockero de nacimiento y flamenco de adopción”. ¿Cómo crees que los más ortodoxos en el mundo del flamenco ven la fusión que hace DELOLA? Tengo muchísimos amigos dentro del círculo flamenco purista, ya que he pertenecido a él durante muchos años siendo un gran aficionado, de ahí que siempre me han respetado y apoyado aún sabiendo que mi música se aleja cada vez mas del flamenco. A mis conciertos han venido críticos, cantaores y aficionados y siempre he recibido mucho cariño. Sé que muchos de ellos no entienden lo que hago, pero saben que lo hago de corazón y siempre respetando al flamenco, por lo que tengo su aprobación.
¿Cómo entiende Delola el término “fusión”? Que difícil es esto… No puedo renegar la fusión porque yo vengo de ella y pertenezco a ella pero si pienso que está muy desvirtuada y en muchos casos desprestigiada y maltratada. Como me dijo un buen día el guitarrista y amigo mío Juan Campos (Jarapo, Cañadú, La Carmen…) Para fusionar correctamente hay que conocer bien las músicas que fusionas. Yo defiendo con orgullo lo que hago porque conozco bien desde dentro tanto el rock duro como el flamenco tradicional. Defiendo la fusión cuando se tiene conciencia y conocimiento de lo que se está haciendo.
¿De dónde procede el nombre “Delola”? Es por mi madre que se llama Lola. Ella me ha apoyado siempre, desde niño. Cuando por fin di el paso de componer y llevar a cabo mi proyecto personal, decidí llevar su nombre por bandera y pasearlo por todo el mundo.
¿Quiénes formáis actualmente la banda? ¿Cómo es la relación entre sus miembros y quién es el que levanta más la voz de vez en cuando? Pues actualmente somos un sexteto. El Yuyu (percusión y guitarra flamenca) y Juanjo Alcántara (voz) llevan conmigo desde los inicios allá por el año 2006. El resto como Javi Herraiz (bajo), Marcos Hostos (batería) y Kiko Vega (teclas) se incorporaron hace unos 4 años y estoy encantado con ellos. En principio yo soy el productor y el que tiene la última palabra, pero siempre me gusta consultarlo todo y decidir las cosas con ellos y entre todos. Hay muy buen rollo en la banda y eso alimenta mis ganas de seguir “pa lante”.
Supongo que la actividad de la banda en estos momentos de lanzamiento tiene que ser frenética. ¿Qué planes tienes para este disco? ¿Alguna gira ya cerrada? Después de su lanzamiento lo que toca es mucha promoción. Tenemos un plan de promo nacional fuerte y en marzo hemos estado una semana en Madrid en los principales medios. Posteriormente iniciamos la gira. Estaremos por Madrid y Valladolid y por Andalucía en ciudades como Sevilla, Granada, Málaga o Marbella entre otras muchas. Hay muy buenas expectativas puestas en esta gira.
A pesar de tener un disco recién nacido en la calle. ¿Tienes ya en mente nuevos proyectos y aventuras musicales? ¡Por supuesto, eso siempre! jeje. Ya estoy componiendo lo que podría ser el 4 disco. Además soy guitarrista del cantante malagueño Chande, que acaba de fichar por la multinacional Sony Music Spain y hay prevista una gira de conciertos muy interesante.
Esto es Creation 5… Define “La Búsqueda” en tan solo 5 palabras… Sincero, dinámico, variado, rockero y flamenco por supuesto.
Delola eligieron nuestras #SundaySessions esta semana, hace click aqui para el playlist.
Llevan diez años sacudiendo el panorama del rock británico con su sonido adictivo y pegajoso. El pasado 9 de junio lanzaron al mercado “48.13”, su último disco de estudio, y su intención es estrujarlo en directo en las decenas de festivales estivales que ya tienen cerrados en todos los rincones del mundo. Es el quinto LP de la banda y su acogida en las listas de ventas ha sido brutal. Han conseguido quitarle el número uno en Inglaterra al magnífico “Ghost Stories” de Coldplay, ahí es nada. Su título no contiene ningún mensaje cifrado, ni es la cuenta atrás para el fin del mundo, ni hace referencia a un pasaje bíblico o unas coordenadas secretas… No, es algo mucho más sencillo que eso. “48:13” es simplemente la suma de la duración de las 13 canciones que componen el nuevo disco de Kasabian.
En un mundo de la música acostumbrado a buscar referencias, paralelismos y referentes, Kasabian ha sido comparado desde sus inicios con bandas míticas como Primal Scream o The Stone Roses. Pero la discografía de estos chicos de Leicester (Inglaterra) y la evolución de sus trabajos en el tiempo, los hace despegarse de cualquier otra banda de ayer y hoy gracias a la tremenda personalidad que destilan las dos cabezas más visibles de la banda, el vocalista Tom Meighan y el guitarrista Sergio Pizzono.
Este último es el que ha tomado por completo las riendas de la formación para este nuevo disco ya que la producción íntegra de “48:13” ha estado bajo su batuta. Pizzono también firma casi todas las canciones del disco en las que conceptos como “evolución” y “cambio” se han impuesto en el aspecto creativo. “Sentí que teníamos la confianza suficiente en nosotros mismos para ser más directos, más honestos con este álbum. Comencé a quitar capas, en lugar de seguir añadiéndolas”, ha señalado el guitarrista y ahora también productor de Kasabian.
Según palabras de su cantante, Tom Meighan, la máxima en la producción ha sido “menos es más”. Esto quiere decir que la producción ha huido en todo momento de sonidos barrocos y temas recargados para ir a la esencia en cada una de las canciones. “No hay mucho en el disco: solo guitarra, bajo, batería y electrónica», ha dicho el cantante en declaraciones a agencias durante la presentación del disco.
El lanzamiento del álbum coincide con los diez años en activo de la banda y viene a suceder al extraordinario “Velociraptor” (2011), un disco aclamado por público y crítica, que los consagró definitivamente como uno de los grupos indies más importantes del momento. El primer sencillo de “48:13” es quizás la cara más electrónica y bailonga del todo el disco. Su título es “eez-eh” y esto confirma que estos chicos se sintieron juguetones a la hora de titular su nuevo material…
“48:13” comienza con “Shiva”, una intro de apenas un minuto que precede a “Bumblebee”, uno de los temas con los que pretenden pegar más en directo, no en vano fue compuesta en el backstage de un concierto. Según palabras de Sergio Pizzorno “es la pistola inaugural del disco”.
Nudismo y pureza encontramos en “Stevie” a la que sigue un estado de ensoñación mágico como es “Mortis”. El disco continúa con “Doomsday”, una buena paranoia, todo hay que decirlo. “Treat” es una ida de olla rock con camisa de fuerza electrónica. Posteriormente saltamos a la correcta “Glass” para hacer un pequeño descanso con la algo cargante “Explodes”. “Levitation” no pasará a la historia del grupo pero es el preludio a la parte más electrizante del disco con “Clouds”, la ya mencionada “Eez-eh” y “Bow”. El disco se despide con la correctísima “S.P.S” para dejar un sabor de boca a rock and roll en estado puro, pero tamizado y empaquetado en los ecos de la música electrónica.
Como antes he señalado, “48:13” se ha situado como número 1 en las listas de ventas en Reino Unido por delante de los chicos de Chris Martin. Pero esta no es la primera vez que Kasabian saborea las mieles del cajón más alto del pódium. Ya lo consiguieron en 2006 con la edición de su segundo LP, titulado “Empire”, con temas como este hipnótico “Shoot the runner”.
Su siguiente número uno en la UK Albums Chart vendría de la mano de las ventas de su tercer disco de estudio, “West ryder pauper lunatic asylum” (2009), que contiene este “Underdog”, una de las canciones más coreadas durante sus directos.
Su cuarto puesto de honor en las listas de ventas británicas lo consiguen con su cuarto disco, “Velociraptor” (2011), probablemente su mejor trabajo hasta la fecha. La crítica especializada se deshace en halagos con él. Demasiados para el gusto de una banda de rock and roll… “Man of simple preasures” es uno de sus temas más celebrados junto a “Re-wired” y “Goodbye Kiss”.
Recordando todos los números uno en ventas de Kasabian hemos dejado de lado a su disco homónimo con el que debutaron en 2004. Es cierto que no llegó a los primeros puestos de las listas pero fue la primera descarga con la que la banda británica se hace un hueco en el corazón de todos los fans del rock más indie… A este disco pertenece este “Club foot”, uno de sus temas más conocidos por el gran público.
