El tercer disco de estudio de la joven cantante británica ya es toda una realidad. Gran parte de la expectación que ha levantado este lanzamiento discográfico tiene que ver con el terremoto producido por Bang, Bang, su primer single de promoción. En él Jessie J se rodeó de Ariana Grande y Nicki Minaj, arrasando en las principales listas de ventas del planeta durante el pasado verano. Sweet Talker es la ambiciosa apuesta de Jessie J para terminar de conquistar su hueco en el olimpo de las divas de la canción en el panorama musical actual. Hoy mismo sale a la venta en dos formatos, uno estándar con 12 temas y otra versión, en edición de lujo, con un tracklist de 15 canciones. Así que vístete y corre a tu tienda más cercana a por él. Pero si la prisa tampoco te carcome, nosotros te pinchamos algunas de sus canciones y te damos toda la información que tienes que saber sobre lo nuevo de Jessie J. Qué no cunda el pánico…
Sweet Talker , tercer álbum de Jessie J, es el sucesor de Alive (2013), un disco que no tuvo ni la repercusión mediática y ni la aceptación comercial esperada. Y es que su primer LP, titulado Who You Are (2011), puso el listón bastante alto ya que fue un gran éxito de ventas en países como Australia, Canadá, Irlanda y Nueva Zelanda. Todo esto gracias a temas como Do It Like a Dude, Price Tag, Nodoby´s Perfect o Laser Light, que alcanzó un meritorio número 5 en la lista UK Singles Chart.
Jessie J ha apretado los dientes y ha puesto toda la carne en el asador en este disco que, según las primeras impresiones publicadas en la red por la crítica especializada, lo tiene todo para convertirse en un éxito. Dentro de su tracklist podemos encontrar temas muy bailables, medios tiempos, baladas para soltar la lagrimilla… todo bajo el tamiz de géneros como el R&B, el hip hop y el pop, donde Jessie J se maneja con gran fluidez. «He puesto todo mi alma y mi corazón en este disco», dice Jessie. «Estoy encantada de por fin poder compartirlo con mis seguidores en todo el mundo».
El disco cuenta con la producción de nombres como Diplo, Tricky Stewart, Savan Kotecha, Ilya, The Dream y Max Martin. En el capítulo de las colaboraciones tenemos a los chicos de Long Island de la banda de hip hop De La Soul, la reconocida violinista americana Lindsay Sterling, el influyente rapero 2 Chainz (con el que firma el tema Burning Up) y las ya mencionadas Ariana Grande y Nicki Minaj con Bang, Bang. Una canción que ha arrasado durante el pasado verano y que debutó en el número 6 de Billboard Hot 100 y en el número 1 en los principales charts del Reino Unido. La canción también está incluida en el tracklist de la versión de lujo del álbum de Ariana Grande, My Everything.
El siguiente videoclip que Jessie J ha querido estrenar como segundo single de su nuevo disco es Burnin´Up. Lleva menos de una semana colgado en la red y cuenta con la colaboración del rapero estadounidense 2 Chainz. Un metraje en el que la cantante británica luce espectacular y sensual embutida en un body de látex negro, dejando pocos centímetros de su piel fuera del alcance de la mirada de sus fans. Se trata una canción bastante pegadiza en un uptempo producido por Max Martin. El videoclip ha sido editado en formato ultrapanorámico y en él vemos a la artista rodeada de fornidos hombres en bañador, una buena dosis de postureo piscinero y un elenco de bailarinas interpretando espectaculares coreografías. Por fin Jessie J muestra sin tapujos sus dotes para el baile en un videoclip que seguro subirá la temperatura de este otoño.
Para contrarrestar un poco la sensación de calor que deja el video que acabamos de ver, vamos a pincharos una versión acústica de la misma Burnin´Up que Jessie J interpreta en directo desde el popular mercado de Camdem, en la capital londinense. Aquí el tema adquiere un puntito algo más místico y tranquilo aunque a medida que va avanzando, la cosa se vuelve a poner algo hot. Era inevitable…
Dentro de este mismo evento en directo que Jessie J ha protagonizado en uno de los puntos más turísticos de Londres, también ha interpretado otro de los temas de su nuevo disco en el mercado, en concreto aquel que le da nombre. La verdad es que la calidad vocal de esta chica en directo es bastante notable. No estamos ante la típica estrella pop que se desinfla y pierde todo el encanto en un acústico…
Vamos con más temas de lo último de Jessie J. Ain’t Been Done es un tema que recuerda bastante los tempos de su primer trabajo. La canción tiene un aire bastante entusiasta capaz de recargarle las pilas a cualquiera…
La promoción directa del nuevo LP ha sido coronada por un show muy íntimo que Jessie J celebró el pasado 9 de octubre en el Gramercy Theatre de Nueva York. La siguiente oportunidad para verla en directo será hoy mismo en El Rey Theatre, en la ciudad norteamericana de Los Ángeles. Así que si estás cerquita, no dudes en pasarte por allí y disfrutar de una de las divas emergentes del panorama internacional. Seguimos desgranando el contenido de Sweet Talker escuchando Masterpiece, un corte lleno de fuerza e inspiración con un puntito épico que consigue enganchar…
Muy pronto averiguaremos como está funcionando este Sweet Talker en el mercado y daremos fiel cuenta de ello. Antes de irnos os pinchamos otro tema de este LP llamado a ser todo un éxito. Esta vez se trata de un baladón en toda regla que la cantante de Thunder ha escrito en colaboración con Elle Varner y Jenna Andrews. Su título es Personal…
Sweet Talker – Tracklist 1. Ain’t Been Done 2. Burning Up – con 2 Chainz 3. Sweet Talker 4. Bang Bang – con Ariana Grande y Nicki Minaj 5. Fire 6. Personal 7. Masterpiece 8. Seal Me with a Kiss – con De La Soul 9. Said Too Much 10. Loud – con Lindsey Stirling 11. Keep Us Together 12. Get Away [Deluxe edition] 13. Your Loss I’m Found 14. Strip 15. You Don’t Really Know Me
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Ya queda muy poquito para que conozcamos el contenido del nuevo disco de estudio de Taylor Swift, una de las mayores sensaciones del country y el pop internacional del momento. El LP saldrá a la venta en todo el planeta el próximo 27 de octubre y su título será 1989, año de nacimiento de la artista estadounidense afincada en Nashville. La portada del LP es una foto polaroid con la imagen de la cantante, compositora y actriz. Vamos a contar todos los detalles que rodean a este importante lanzamiento pero antes una noticia de lo más fresca: Taylor Swift participará cada semana en el programa televisivo La Voz junto a los ya conocidos Adam Levine, Blake Shelton, Pharrell Williams y Gwen Stefani. Su debut en televisión se producirá el mismo día del estreno de su nuevo disco, es decir el día 27 de este mes… ¡Doble impacto!
1989 saldrá a la venta en dos formatos diferentes. Uno básico, compuesto por 13 canciones y una edición de lujo que incluirá 13 fotografías exclusivas de la cantante, un libreto diseñado por ella y tres canciones extras. También se ha confirmado que esta edición especial contendrá tres pistas más con notas de voz grabadas por la propia Taylor desde su teléfono móvil. A saber lo que cuenta… La productora señala que también habrá alguna que otra sorpresa más y un formato “merchandising” que no contendrá las canciones extras pero sí una camiseta.
El disco tiene un aire mucho más pop que sus anteriores trabajos. Para la producción ha contado con Max Martin y Johan Shellback, como ya hiciera en su anterior disco de estudio Red (2012). La nueva joya del country ha reconocido que la inspiración de este disco está detrás del montón de música pop de los años 80 de la que se ha estado empapando últimamente. También ha señalado que es su mejor álbum hasta la fecha, lo ha calificado como su “renacimiento” y el “álbum más coherente” que ha hecho hasta el momento. Swift también ha querido destacar que este disco uno de los procesos creativos más largos de su carrera, asegurando que ha estado más de dos años trabajando en él.
El primer single de 1989 ha que adelantado es Shake it off, todo un pelotazo comercial en el que Taylor se atreve prácticamente a bailarlo todo. Debutó en el número 1 de la lista estadounidense Billboard Hot 100 y vendió más de 544.000 copias, además de conseguir también el número 1 en el chart Digital Songs. Su videoclip ha sido todo un boom en internet. Ya va camino de los 155 millones de reproducciones desde su estreno hace algo más de un mes. En él vemos a una Taylor más divertida que nunca, luciendo varios looks distintos en un metraje dirigido por el realizador Mark Romanek. El mensaje de la canción, según Taylor, es claro y conciso: “No se puede controlar lo que la gente diga sobre nosotros”.
Tras el éxito del videoclip, Taylor Swift ha publicado en su perfil oficial en Youtube una serie de videos en donde vemos la otra cara de Shake it off, el video en el que la cantante se muestra más desvergonzada y espontánea que nunca, abandonado su estética country más bien ñoña y modosita. Se trata de una serie de clips en la que vemos los entresijos del rodaje, más algunas tomas falsas y las impresiones de la artista sobre los continuos cambios de registro que va experimentando durante el video. Primero la vemos caracterizada como una típica animadora deportiva, un look netamente americano…
En segundo lugar Taylor se mete en la piel de una bailarina clásica de ballet. Tras algunos estiramientos con más o menos éxito, se enfunda en un tutú y deja fluir su lado más Lago de los Cisnes, o seamos algo más actuales, su lado Cisne Negro, cual Natalie Portman en la producción de 2010 del director Darren Aronofsky.
El siguiente cambio de look es un giro de tuerca al tema del ballet, situando a Taylor en una compañía de danza contemporánea moderna. El resultado no es precisamente mucho mejor que su anterior alter ego en el videoclip…
Continuamos hablando de un outfit algo más difícil de definir. Es algo que está entre un megalómano de dupstep, una gogo de una discoteca de los noventa, o un homenaje al techno, el EDM y todo aquello que huela a música cibernética. Menos mal que la propia Taylor lo explica en el siguiente clip…
El siguiente look de Swift en el videoclip ha sido el más comentado en las redes sociales. Está claro que el twerking siempre tiene un plus de atención más que el resto de bailes de moda actualmente, ¿por qué será? Es el clip más divertido de todos donde vemos a una Taylor Swift desatada, moviendo el culo al más puro estilo Nicky Minaj…
Volviendo a los detalles del disco, Taylor ha abierto la caja de los truenos señalando que las canciones de 1989 son “cartas abiertas”, en las que dice cosas que en su día no se atrevió a decir en el momento indicado. Señala que “cada una de los temas está escrito pensando en una persona específica, diciéndoles lo que quise decirles en persona pero no pude”. Así que parece que el nuevo LP de Swift tendrá un cierto aire a vendetta dialéctica. ¿Quiénes serán los destinatarios de cada canción? ¿Será su no tan amiga Katy Perry? ¿Harry Styles? ¿Selena Gómez?…
Aprovechando la cercanía del lanzamiento del nuevo disco de Taylor Swift, vamos a hacer un rápido repaso de su discografía con algunos videoclips. 1989, será su quinto disco original y viene a suceder a RED, editado en 2012. Un disco del que queremos destacar el single We are never ever getting back together, con el que consigue el número 1 en la lista Billboard Hot 100.
En 2010 la joven estadounidense lanza al mercado Speak Now, su tercer disco de estudio original, con el que vende más de un millón de copias durante su primera semana a la venta. El tercer single de este álbum fue Mean, una canción con la que consigue ganar dos premios Grammy. Este trabajo desemboca en una gira llamada Speak Now World Tour, el mayor éxito de público en directo de la cantante hasta la fecha.
Viajamos un poquito más atrás en el tiempo para detenernos en 2008 y Fearless, su segundo disco en el mercado. Este LP fue el disco más vendido del año y obtiene 4 premios Grammy, incluyendo el “Álbum del año”, convirtiendo a Taylor Swift en la cantante más joven en conseguirlo. De este trabajo destacamos el single Love Story, su primer sencillo de carácter internacional, con el que consigue el primer número 1 de su carrera en el Billboard Hot 100. Además, este tema se convierte en la octava canción más descargada de la historia de este, relativamente reciente, método de consumo musical.
Acabamos este repaso con el LP homónimo con el que Taylor Swift debuta en la industria discográfica en el año 2006. Un trabajo que contiene hits como Teardrops on my guitar, Our song y Tim McGaw, un tema dedicado a un amor de verano de la joven cantante country con el que rápidamente se sitúo en un puesto de privilegio en el difícil mundo de la música. Lo demás ya es historia…
El cantante boricua más popular de todos los tiempos publicó hace un par de semanas un avance del que será su décimo álbum de estudio original. Aún no se sabe ni cuál será el título del nuevo LP de Ricky Martin, ni su contenido exacto, ni su fecha de lanzamiento, a pesar de que fuentes cercanas al cantante señalan que se producirá a comienzos de 2015. Adiós es el primer sencillo en el mercado de su misterioso nuevo LP y lo ha presentado por todo alto, con versiones en español, inglés y francés, para poder llegar al máximo de público posible. Actualmente Ricky Martin se encuentra de gira en México y continúa con su papel como coach en la edición mexicana de The Voice, uno de los mayores éxitos televisivos de la temporada.
El cantante puertorriqueño ha explicado que ha escogido el single Adiós en estos precisos momentos de su carrera “porque es una canción que representa quién soy al día de hoy. El título es una referencia a la apertura de otro ciclo”. En este tema Ricky Martin vuelve a abrazar los ritmos latinos, con los que más cómodo se siente sobre los escenarios y más éxitos le han brindado durante su carrera, para enseñarle al mundo por donde irán los tiros de su próximo trabajo discográfico. Vamos a oír la versión en español de Adiós antes de seguir dando más datos sobre este single.
La canción, en sus tres versiones e idiomas, ha sido producida por Jesse Shatkin (también productor del magnífico Chandelier de Sia). La melodía, con un claro aire merenguero, es bastante facilona y recuerda por momentos al Rabiosa de la cantante colombiana Shakira. Según Shatkin, Adiós es un single con “un sonido original e influencias rítmicas de diferentes partes del mundo”. Así que con esta idea fresca en nuestra mente, vamos con una segunda audición del tema en cuestión, pero esta vez en el lenguaje de Shakespeare.
Son muchas las lecturas que se están haciendo sobre el título del single y lo que quiere decir con ello el cantante de Puerto Rico. Mientras que la crítica musical se decanta por señalar que Ricky Martin le dice “Adiós” a su aventura con sonidos más electrónicos y dance para volver al redil latino, la prensa rosa se relame pensando en que esta canción hace referencia a su reciente y agitada ruptura sentimental con su pareja durante varios años. Además flotan en el ambiente varios rumores que situarían a Ricky Martin en Andalucía, donde establecería su residencia habitual, y al cantante malagueño Pablo Alborán, como su nuevo idilio amoroso.
Respecto al videoclip de Adiós podemos contar que se encuentra en fase de grabación/producción como el mismo cantante nos ha enseñado a través de su cuenta oficial en Instagram hace pocos días. En ella vemos a Ricky ataviado con un traje de época y un sensual bigotillo sobre sus labios con un aire a años 20 que tira para atrás. El metraje está casi listo y será estrenado el próximo día 20 de este mes. Ahora vamos con una tercera ración de Adiós, pero esta vez oiremos al cantante puertorriqueño desenvolviéndose en un correcto francés…
Pocos días después del lanzamiento del single, también se ha filtrado un remix de Adiós que incluye la participación del cantante, también puertorriqueño, Nicky Jam. Esta es la última vez que ponemos la canción en este post, palabra de honor. Puede que hayamos redundado un pelín en él pero tenemos que daros todos los matices del single, y de sus diferentes versiones, para que elijáis cuál os gusta más…
Adiós fue estrenada oficialmente el pasado 23 de septiembre y debutó en el número 22 de la lista Hot Latin Songs. Durante su primer fin de semana en el mercado digital registró unas discretas 6.000 descargas pero se aupó al puesto número 2 de la lista Latin Digital Songs. Si nos referimos a su entrada en el Latin Airplay Chart, tenemos que señalar que la canción debuta en el número 23, siendo su mejor entrada en esta plataforma en los últimos 11 años de su carrera desde el tema Jaleo (2003). De hecho si seguimos escudriñando en las listas de ventas y demás datos, tenemos que señalar Adrenalina como uno de sus últimos éxitos. Una canción que ocupó el puesto número 8 en su debut, en marzo de 2014, en la que podemos ver al puertorriqueño junto a Wisin y la superestrella Jennifer López. Vamos a recordar este tema en su versión más spanglish…
Si queremos remontarnos al último lanzamiento comercial en solitario de Ricky Martin tenemos que referirnos a su canción Vida. Un tema que grabo para el disco oficial del Mundial de Futbol de Brasil 2014 titulado One Love, One Rhythm. El tema fue escrito por Salaam Remi y Elijah King y fue editada el pasado 22 de abril situándose en el puesto número 10 de la US Hot Latin Songs. El videoclip, todo un éxito internacional, fue grabado en Rio de Janeiro y dirigido por la realizadora carioca Kátia Lund.
El nuevo LP de Ricky Martin que llegará en 2015 viene a suceder a Musica+Alma+Sexo, también conocido como MAS, editado en 2011. Un disco con una buena aceptación comercial en el que Martin contó con la colaboración de artistas como Joss Stone, Claudia Leitte, Natalia Jiménez y los reggaetoneros Wisin & Yandel. MAS fue el noveno disco de estudio del puertorriqueño y estaba compuesto por 13 cortes con temas en inglés y en español. Su primer single fue The Best Thing About Me is You/ Lo mejor de mi vida eres tú, que debutó en el Billboard Hot 100 en el puesto número 71 en su versión anglosajona. La versión en español fue otra historia bien distinta ya que alcanzó el número 1 en el Latin Pop Songs y en el Hot Latin Songs.
Su nombre es Tahliah Debrett Barnett, tiene tan solo 26 años y se ha convertido en una de las sensaciones de la nueva ola de R&B que está sacudiendo la escena musical internacional. Poco se sabía de ella antes de 2012 cuando su primer EP fue señalado por muchos medios especializados como una de las mayores promesas artísticas del momento. Su sonido se nutre de la electrónica más bizarra, sus temas rompen con cualquier estructura establecida, su voz inquieta el alma a la vez que la narcotiza y su imagen es rompedora, poderosa y magnética. Esta artista británica es una especie de enviada del futuro que te permitirá descifrar cómo será el R&B de las próximas décadas. El pasado 26 de agosto lanza al mercado su primer larga duración bajo el título “LP1”. FKA Twigs es una propuesta artística que merece la pena descubrir…
Tras su salto a la fama la cantante modifica su nombre y se convierte en FKA Twigs, que significa “formerly known as” (antes conocida como), ya que “Twigs” estaba registrado. Siguiendo con el desmenuzamiento de su nombre artístico, hay que señalar que este concepto anglosajón hace referencia al sonido que emiten los huesos de una bailarina cuando practica sus estiramientos. Y es que esta joven británica, natural de Gloucestershire y de ascendencia jamaicana y española, recibió formación profesional en una compañía de ballet londinense antes de comenzar a coquetear con la música. “Ahora la música es mi prioridad. Sigo bailando porque me gusta y porque en el mundo del baile tengo a mis amigos. Son mi otra familia”, ha declarado la joven cantante.
Esta experiencia en el mundo de la danza ha influido en su particular estilo musical e imagen ya que, según ha contado en varios medios, era una compañía que se movía con facilidad entre lo clásico y lo moderno. Dentro de su rutina de trabajo podían oscilar entre una representación de “El lago de los cisnes” y la participación en un video musical de hip hop. Respecto a la danza FKA Twigs ha declarado que “lo que más me interesa ahora mismo es el “krumping”, que es un tipo de baile relacionado con el hip hop muy agitado y violento”.
“LP1” es el primer disco de estudio de FKA Twigs. En la producción ha contado con la colaboración de personalidades como Arca (Kanye West), Clams Casino o Paul Epworth (Adele). Su primer videoclip oficial es del tema “Two Weeks”, toda una peripecia visual compuesta por una sola secuencia, sin ningún tipo de cortes, en zoom out. El tema es una declaración de intenciones de lo que te vas a encontrar en este disco si te atreves a explorarlo.
Definir el estilo de FKA Twigs es una labor bastante subjetiva, y si no sigan escuchando sus temas e inténtenlo… Su música transita entre giros típicos del trip-hop, conjuntados con una especie de R&B futurista, bases rítmicas irregulares y un soul casi salido de un experiencia de escritura automática e hipnótica. Podríamos decir que se llega a rozar la abstracción musical. Aquí os dejamos un ejemplo que más o menos podría ilustrar lo dicho. Es otro tema de “LP1”que se titula “Pendulum”, donde la voz aterciopelada de la cantante británica sobresale por encima de toda la complejidad sonora que se esconde detrás.
Puede que antes me haya metido en un lio intentando etiquetar la música de FKA Twigs, así que será mejor que sea ella la que lo explique con sus propias palabras: “Es una música que llega por caminos distintos a los habituales. Hay que sentirla antes que oírla. No es una música para bailar, pero si para moverse con ella. Los ritmos están cambiando en todo momento, su estructura es libre. Me interesa el equilibrio entre una capa de belleza y otra de dureza”. Una vez arrojada más luz sobre el asunto de la definición de estilo, vamos a ver como se desenvuelve esta chica en directo con otro de los temas de su disco debut, titulado “Video Girl”.
La publicación de su primer EP en diciembre de 2012, bajo producción propia, sirvió para confirmar que algunas colaboraciones con otros artistas en las que había dejado muestras de su talento, no eran fruto de la casualidad y la inspiración momentánea. Cuatro temas, que no llegaban a sumar el cuarto de hora, con los que Twigs consigue llamar la atención de los grandes sellos de la industria musical. Destacamos dos de ellos. Por un lado “Hide”, donde juega con los tempos de forma magistral en un video bastante explicito, y “Ache”, otro ejercicio de poesía visual, muy en la línea de la danza contemporánea de la que FKA Twigs se declara admiradora.
Estos temas que acabamos de ver llamaron poderosamente la atención del conocido sello Young Turks, con el que FKA Twings edita su segundo EP en septiembre de 2013. El estilo se mantiene intacto a pesar de haber firmado con una disquera potente y su imagen va mutando poco a poco hacia una mezcla deliciosa entre lo cibernético y lo punk, cincelada con peinados extravagantes y complementos imposibles. No copia a nadie, no habría paralelismo con una Lady Gaga o quizás con una artista que se acerca más a su estilo musical, como es Bjork. Es algo distinto e inclasificable.
Este segundo EP consta también de 4 temas de los que destacamos “Water Me y su desconcertante videoclip, con más de 4 millones de reproducciones en YouTube, y “Papi Pacify”, con un tempo y lirismo visual de lo más sensual.
Ramiro López es un soplo de aire fresco necesario en el mundo de la música electrónica. Se trata de uno de los nuevos talentos más activos y prolíficos del panorama electrónico y del EDM en España. Su frenética actividad, tanto en labores de producción como al frente de los platos durante el pasado verano, así lo atestigua. Se le ha podido ver como residente en la sala ibicenca Booom!, en clubes de calidad en países como Croacia o Montenegro, y por supuesto en España en escenarios como el showcase de Sci+Tec Digital Audio durante la semana de Sónar, la Terrrazza o Catwalk en Barcelona y en Reverse o Goa Electronics en Madrid. Este joven artista está absolutamente de moda y la actualidad se empeña en demostrarlo. Hace pocas semanas saltó una de las noticias de la temporada con Ramiro López como protagonista por un lado, y a la leyenda de la música norteamericana, Moby, por otro… Ahora os lo contamos todo.
La juventud de Ramiro López no está reñida con la experiencia y con una larga carrera que se remonta a mediados de la década de los noventa, cuando comienza a trabajar como DJ en varios clubes de la escena madrileña. Pero su interés y pasión por innovar en la música lo llevan en 2006 a dar el salto a la producción de forma profesional.
El contacto con multitud de artistas y creadores, y el intercambio de inquietudes y experiencias van puliendo poco a poco su sonido hacia estilos cercanos al techny, el funk o el groovy. Quizás sea difícil definir su estilo con etiquetas, pero lo que sí está claro es que su propósito es disfrutar y hacer sentir la música al gran público para poder quemar las pistas de baile ofreciendo algo fresco con un toque distinto al resto. Suena complicado pero lo está consiguiendo a base trabajo y valentía…
Ramiro López es un artista en constante evolución embarcado en una multitud de proyectos e iniciativas. Durante su carrera ha pinchado en cabinas de clubes en varios continentes y ha publicado trabajos con sellos destacados como SCI + TEC, Bedrock, Cecille, Noir, Defected o Tronic. Actualmente forma parte activa de plataformas como Sincopat o Suara, junto a su buen amigo y figura emergente, Coyu.
Junto a este ha creado un track titulado “Y.E.A.H.” bajo el sello de Suara. Una remezcla de Moby que ha llamado poderosamente la atención del visionario artista norteamericano, que ha declarado en más de una ocasión que esta versión de Coyú y Ramiro López se encuentra entre sus favoritas. Pues bien, esta unión no ha sido casual ya que hace pocas semanas se ha estrenado “The Last Day”, otra remezcla realizada por este dúo de un tema de Moby junto a Skylar Grey. Ojo, pero esta vez bajo expresa petición del artista estadounidense. Casi nada… Parece que el talento y el mágico sonido groove y tech-house de estos dos jóvenes creadores españoles no han pasado desapercibidos al otro lado del charco, en la ciudad de la Gran Manzana.
Moby & Skylar Grey – The Last Day (Coyu & Ramiro Lopez Remix)
El EP “Tuna Ice Cream” es uno de los últimos lanzamientos de López. El próximo otoño nos sorprenderá con “Sleaze EP”, junto a Arjun Vagale, más alguna que otra sorpresa que aún no ha querido desvelar.
Esta tarde, en Sunday Sessions, contamos con uno de los valores en alza más firmes de la New Wave de artistas españoles. Cada vez más solicitado por la prensa nacional e internacional, Ramiro López es una apuesta ganadora avalada por el talento, la profesionalidad y la positividad.
¿Dónde y cómo nace tu pasión por la música electrónica? Mis primeros contactos con la música fueron a través de la radio. Recuerdo escuchar un programa llamado “It´s Your Time” de Toni Peret. También pasar madrugadas del fin de semana con la oreja pegada a Sonia Briz y su Zona 3. Pero fue después de ver las primeras actuaciones en directo cuando sentí que la electrónica sería algo importante en mi vida. Un amigo me dejó 2 platos y compré mis primeros vinilos.
¿Cuáles son los primeros discos que caen en tus manos y se convierten en esas joyas que todos hemos tenido en las que basas tus fantasías de futuro como artista? “Minus Orange” de Richie Hawtin, “Sweet Dreams” de Eurythmics y “Pornographics” de Christian Varela fueron los primeros que tuve en mis manos.
¿Qué tiene que ver en todo esto “Family Club”? Cuéntanos un poco qué es este lugar y como ha influido en tu carrera… Family Club es ese sitio donde viví esas primeras actuaciones en directo, donde empecé a sentir verdaderamente la electrónica. Recuerdo quedarme pegado a la cabina, viendo como actuaban los diferentes artistas, la reacción del público y bailando como loco. Tuve grandes experiencias allí. Por aquel entonces, Luismi & Luismi eran los residentes del club, unos auténticos ídolos a los que después tuve la suerte de conocer más en profundidad. Y unos años después, pasé a formar parte del equipo de DJ residentes de Family! Un sueño hecho realidad. Fueron más de 3 años donde aprendí y disfruté cada sábado. Guardo grandes recuerdos y buenos amigos de esa etapa.
El año 2006 se convierte en tu pistoletazo de salida a una labor de producción más profesionalizada. ¿Qué peso específico tiene el concepto “producción” en la escena actual y en los productos musicales que tú elaboras? Desde mi punto de vista, actualmente la producción es una parte de vital importancia en el mundo de la electrónica. Es mediante la producción como los artistas se dan a conocer a nivel global. Una vez conocen tu música, tienes la oportunidad de actuar en diferentes clubs y países y mostrarte como DJ.
¿Te encuentras más cómodo en labores de producción o dándolo todo en la cabina? ¿Dónde se puede ver al Ramiro López más auténtico y con los sentidos más afinados? Me encuentro cómodo en ambas facetas. De hecho, no concibo una sin la otra. Paso bastantes horas en el estudio y disfruto mucho con el proceso creativo pero también me vuelve loco tocar para la gente y hacerlos disfrutar.
Se dice, se murmura, se comenta… que uno de tus track ha dejado a Moby más que sorprendido (positivamente, claro está). Cuéntame un poco de qué va esta historia que he leído por ahí en algún recoveco de la red por favor… ¡Pues sí! Alucinante, ¿verdad? ☺ El tema en cuestión es “Y.E.A.H.”, que hicimos Coyu y yo en colaboración y salió por Suara. Ha sido un gran éxito. Recibimos muchos apoyos de grandes artistas pero la sorpresa fue mayúscula cuando Moby publicó en redes sociales que era uno de sus temas favoritos y no podía parar de pincharlo. ¡Y aún hay más! Nos pidió un remix para uno de sus tracks: “The Last Day”. Acaba de salir a la venta y estamos muy emocionados por ello.
Coyu & Ramiro Lopez – Y.E.A.H.
¿Cómo definirías el sonido que eres capaz de destilar, tanto en labores de producción como en un set? Techny, Funk, groovy, contundente, con alma, que llegue a la gente y les haga divertirse. Conectar con la gente, hacerles sentir y disfrutar, ese es el objetivo principal.
Ramiro Lopez – Spirit
¿Tus principales referentes dentro de la música electrónica? Respeto y admiro a muchos artistas pero algunos en los que más me fijo son Adam Beyer, Carl Cox, Richie Hawtin, Dubfire y Coyu.
Fuera de la electrónica y todas sus ramificaciones. ¿Qué otros estilos y artistas sueles escuchar y revisar frecuentemente? Disfruto de muchos y diferentes estilos musicales. No soy tanto de seguir artistas determinados como de escuchar de forma aleatoria. Me encanta la Bossa Nova y el Jazz en todas sus vertientes. Siempre está en el ambiente mientras cocino, leo o tengo una reunión con amigos. R&B, Hip hop, Funky… están presentes indirectamente en muchas de mis producciones. También el rock en su concepto más amplio. Hace tiempo que no voy a un concierto pero tengo previsto hacerlo próximamente.
¿Qué radiografía haces del estado actual de tu carrera y de la industria (si es que existe realmente) dentro de nuestro país? Creo que estamos en un momento dulce. Son bastantes los artistas españoles que están muy fuertes dentro de la escena electrónica internacional. Además, no paran de surgir nuevos talentos. En cuanto a la escena de clubs, es cierto que muchos han tenido que echar el cierre por la situación económica, pero seguimos teniendo un buen circuito de clubs donde se programa bien, algunos de los mejores festivales e Ibiza en verano. Quizás no llegamos al nivel de otros países pero no es como para quejarse.
Coyu es indiscutiblemente una de las figuras emergentes del panorama electrónico actual. ¿Cómo comienza tu relación con él y por favor explícame un poco todo el rollo felino y de gatos que hay a su alrededor con Suara? Coyu es un crack. Nos conocemos desde hace bastante tiempo y nuestra relación se ha ido consolidando con los años. Además de uno de mis artistas preferidos, es un buen amigo al que admiro, respeto y tengo mucho aprecio. En cuanto al “royo felino”, surgue de la pasión que tiene Coyu por los gatos. No es simplemente una imagen. “Suara” es como se llama uno de sus gatitos. Existe Suara Fundation, que ha surgido a partir de la marca. Se nutre de fondos del sello y se dedica a ayudar a gatos que no tienen un hogar y están en malas condiciones.
Coyu & Ramiro Lopez – That’s Not Happening
He visto en tu página de Facebook que hace poco fue la fiesta de cumpleaños de Coyu y que hubo movimiento en el Suara boat party… ¿Nos podrías dar un par de detalles de cómo fue la velada en lo musical y en el capítulo fiestero? La fiesta de cumpleaños estuvo genial. Lo pasamos super bien. Nos congregamos allí muchos amigos para celebrarlo. Lo de la Boat party fue un poco “Locura”. A mitad del viaje el mar se puso revuelto. El barco se movía mucho y era difícil pinchar y bailar. Nos mareamos un poco pero al final quedó todo en una anécdota divertida. Después en Booom! la noche fue redonda. Mucha gente vino a bailar, hubo tarta, bengalas, sorpresas y en lo musical, todos mis compañeros de line up estuvieron sensacionales. Un día para recordar.
¿Te mueves como pez en el agua en Ibiza? ¿Qué tiene esa isla de especial para la gente de la música electrónica que hace que se queden allí atrapados cual tela de araña? Principalmente la programación. Durante la temporada veraniega, los mejores artistas de la electrónica pasan por la isla. De lunes a domingo tienes multitud de opciones a elegir y para todos los gustos. Si a esto le sumas algunos de los mejores clubs del mundo, las playas, el sol, la buena comida, etc., tienes una combinación muy atractiva. Además, desde un punto de vista más profesional, es un punto de encuentro para artistas y gente del sector.
Tu último trabajo en el mercado es el EP “Tuna Ice Cream”. ¿Qué va a encontrarse el público en los 4 temas que lo componen? ¿Helado de atún a cuento de qué…? Estoy contento con el resultado del EP. Cada uno de los tracks están hechos y testeados a conciencia para que funcionen bien en pista. Son temas techny, contundentes, frescos, dinámicos, buscando la reacción del público. Creo que han salido a la luz en el momento adecuado: verano. Los feedbacks están siendo muy positivos. En cuanto al título del EP: Los gatitos son unos enamorados de atún y nada más apetecible en verano q un helado así que, helado de atún para todos! 😀
¿Sueles cuidas mucho tu look, crees que es algo importante a la hora de vender tus productos musicales? Tampoco te creas que lo cuido tanto, eh? :-D. La imagen puede ser un plus pero, dentro de la electrónica undergound, creo que queda en un segundo plano.
Tu perfil de Facebook está a punto de llegar a los 33.434 seguidores que no pierden detalle de ninguno de tus pasos… ¿Eres una persona activa en las redes sociales? Soy bastante activo, sí. Es para mí increíble tener a tanta gente repartida por todo el mundo que se interesa por mi trabajo y me sigue. Gracias a las redes sociales puedes estar de alguna manera en contacto con todos ellos. Publico todo lo que considero interesante e intento hacerlo de una forma cercana, que llegue de verdad. Me gusta interactuar con la gente que comenta y valoro muchísimo que se tomen ,aunque sea unos segundos de su tiempo en mirar lo que publico, escribir un comentario o hacer un “like”. Estoy muy agradecido por ello y espero que cada vez seamos más y más!
Queremos saber algo más de tus gustos y preferencias culturales. Dinos tu película preferida, tu disco preferido, tu libro preferido y algún comic que te motive más que el resto… No se me da muy bien eso de elegir un favorito pero te diré algunos que me gustan: Pelicula: He visto varias veces Scarface. Me gusta bastante Al Pacino. Otras pelis que repetí hace poco son Avatar y Gladiator. Últimamente soy más de series que de pelis. Terminé “Dexter” y ahora estoy con “Parks & Recreations” y “The Office”. Libros, dos que me dejaron buenas vibraciones: La ley del Espejo – Yoshinori Noguchi y Pollyanna – Eleanor H. Porter. Disco preferido voy a decir cualquiera de los primeros que compré, por el valor sentimental, más que nada. No soy un gran fan de los comics. Algo destacar es que soy un amante la cocina y la comida.
¿Cuáles son tus principales planes de futuro, con qué nos vas a sorprender próximamente en lo que queda de 2014 y el próximo 2015? Estoy trabajando en varios proyectos musicales de cara a los próximos meses. Ya hay alguna buena noticia al respecto. Aún no puedo desvelar nada pero creo que gustarán. La agenda de actuaciones tiene buena pinta y lo mejor es que el interés no para de crecer. Espero visitar muchos clubs/países y hacer bailar de lo lindo. Y lo más importante: disfrutar de todo esto.
Estamos en Creation 5, recomiéndanos 5 discos imprescindibles para educar bien el oído en la música electrónica más actual para alguien profano en el tema… John Talabot – When the past was present. Ten Walls – Walking with Elephants. Coyu & Ramiro López – Y.E.A.H. Alan Fitzpatrick – Truant. Ramiro López – Spirit.
Depende en qué década te hayas acercado a su discografía habrás oído hablar de él con un nombre artístico diferente. Prince, El Símbolo, El artista antes conocido como Prince o simplemente El Artista, han sido algunos de sus apodos a lo largo de su dilatada carrera. Lo que nadie duda a estas alturas es que el creador del “sonido Minneapolis” es una de los iconos del pop mundial y uno de los artistas más importantes e innovadores de la historia de la música. Prince vuelve a la carga lanzando dos nuevos trabajos al mercado el mismo día. La fecha elegida ha sido el 30 septiembre. Por una parte tenemos Art Official Age, su primer LP en solitario en cuatro años, y Plectrumelectrum, un trabajo en colaboración con la banda femenina 3rdeyegirl. Si creías que había pasado demasiado tiempo sin que el genio de Minneapolis obsequiara a sus fans con nuevo material, aquí llevas dos tazas… Prince por partida doble…
Primero vamos a destacar algunos datos del nuevo trabajo en solitario del artista estadounidense. Art Official Age llega al mercado 4 años después de 20Ten (2010), un disco algo discreto en lo que a su repercusión comercial se refiere, pero con muy buenas críticas por parte de la prensa especializada. El disco tuvo una curiosa forma de distribución adquiriéndose gratuitamente junto a publicaciones como Daily Mirror o la revista Rolling Stone. Muchas voces lo situaron a la altura de discos como Prince (1979), el mítico Purple Rain (1984) o 1999 (1982). En fin, yo creo que no fue para tanto, pero para opiniones…
Vamos con más detalles de lo nuevo de Prince. Art Official Age está compuesto por 13 canciones producidas, arregladas, compuestas e interpretadas por Prince y con una mínima ayuda del productor Joshua Welton. El artista siempre ha sido muy defensor del “yo me lo guiso, yo me lo como” en sus trabajos discográficos. Este disco es una declaración de intenciones sobre cómo se debe interpretar el soul, el funk y el R&B en nuestros días. Melodías y voces como ejes de la composición son sus señas de identidad. Uno de los primeros cortes que ha trascendido de este disco es Breakfast Can Wait, cuyo videoclip fue colgado en la red a finales del pasado año.
Ya conocemos el tracklist de lo último de Prince en el que destaca la balada This Could Be Us, el tema electro funk The Gold Standard o Clouds, junto a la cantante británica de folk y soul, Lianne La Havas. Aquí os dejamos un pequeño avance de otro de los temas del disco, titulado The Breakdown.
El sello elegido por Prince para el lanzamiento de Art Official Age ha sido Warner Bros. Este dato no tendría que ser muy llamativo si no fuera por el culebrón a lo largo de varias décadas que el artista ha protagonizado con el gigante discográfico. Un enfrentamiento en el que ha ocurrido prácticamente de todo. Warner fue el sello con el que Prince estuvo trabajando desde 1978 hasta mediados de la década de los 90, momento en el que el cantante comienza una encarnizada guerra con ellos por la propiedad y derechos de sus canciones editadas.
Prince emprende toda una batalla legal que iría acompañada de estruendosas declaraciones y desplantes. En más de una ocasión señala en público que ha sido tratado como un esclavo y cambia su nombre comercial a un símbolo imposible de denominar. El cantante aparece en varias actuaciones públicas con la palabra “esclavo” pintada en la cara. En otro de sus exabruptos promete editar los 17 discos que lanzó con Warner y comercializarlos por su cuenta. Esta amenaza nunca llegó a llevarse a cabo.
Después de romper con Warner, Prince desaparece durante una temporada de la primera línea. Lanza con cuenta gotas nuevo material a través de sellos más independientes, además de algunos experimentos a través de la red, llegando a posteriores acuerdos con otros grandes del sector, entre ellos Columbia Records, con el que graba en 2004 su álbum, galardonado con un premio Grammy, Musicology.
Pero es en abril de este año cuando las aguas vuelven a su cauce y Prince llega a un entendimiento con Warner obteniendo los derechos de la música que grabó con ellos durante su carrera. Para sorpresa de propios y extraños el cantante declara a principios de este año la grabación de Art Official Age junto a Warner y su satisfacción tras sus reuniones con los altos directivos de la empresa. Así que podríamos decir que Art Official Age es una especia de pipa de la paz o bálsamo curativo entre el gigante del entretenimiento y el excéntrico artista de Minneapolis. Funkroll es otro de los temas de lo último del autor de “Purple Rain”. Una canción que también está en el tracklist del proyecto en paralelo de Prince que comentaremos algo más adelante.
El siguiente lanzamiento que Prince protagoniza el 30 de septiembre se llama Plectrumelectrum. Esta vez lo hace junto al trio de féminas llamado 3rdeyegirl con un LP compuesto por 12 temas con un sonido deliciosamente rockero.
3rdeyegirl alcanza la popularidad tras aparecer en el Late Night con Jimmy Fallon a comienzos de 2013. A partir de ahí una serie de conciertos por Europa y Estados Unidos hacen que su popularidad suba como la espuma. Prince entra en contacto con ellas a partir de su gira Hit & Run y posteriormente se encierran en el histórico Park Studio para grabar Plectrumelectrum. El trio de chicas está compuesto por la excepcional guitarrista Donna Grantis, Ida Nielsen al bajo y la potente Hannah Ford Welton a la batería. Este tema, titulado Fixurlifeup, lleno de garra y mensaje, es su carta de presentación junto a Prince.
Una vez contadas todas las novedades que rodean la actualidad del artista, no me resisto a linkear algunos de sus temas más conocidos y hacer así un pequeño recorrido por su vida y obra. Además de cantante y compositor, Prince es un auténtico virtuoso de la guitarra y toca multitud de instrumentos de oído con gran maestría. Durante la década de los ochenta se convierte en un auténtico ídolo de masas gracias a su capacidad para innovar y revitalizar géneros como el rock, el soul y el funk en Estados Unidos. Purple Rain (1984) es su sexto álbum de estudio y uno de sus trabajos más celebrados. Una canción que todo el mundo reconoce con la que Prince ganó un Oscar a la mejor banda sonora de la película homónima dirigida por Albert Magnoli. Aquí la vamos a reproducir en la ceremonia de los Grammy 2004 en un curioso medley junto a Beyonce.
Un par de años después del éxito de Purple Rain llega Kiss, otro de sus hits más importantes, extraído de su álbum Parade (1986). La canción debutó como número 1 en las principales listas de ventas de todo el mundo. Vaya temazo…
Corre el año 1989 y la popularidad de Prince está en sus cotas más altas. Tim Burton refunda el mito de Batman y lleva al hombre murciélago a la gran pantalla junto a Michael Keaton, Jack Nicholson y la belleza del momento, Kim Basinger. El director de la película encarga el tema principal a Prince y éste responde con el “Batdance”. La canción sirve para que el cantante vuelva a alcanzar el número 1 de las listas norteamericanas. La película se convierte en todo un taquillazo planetario…
Sexy M.F es otro de los grandes éxitos de Prince. Un tema perteneciente a su álbum Love Symbol (1992) de lo más irreverente, con un título algo malsonante que el cantante de Minneapolis interpreta junto a los chicos de The New Power Generation.
Durante su carrera ha vendido casi 100 millones de copias en todo el planeta y podríamos seguir recordando grandes hits de su discografía y no acabaríamos nunca… Así que hacemos un punto y final con The Most Beautiful Girl in the World, una canción incluida en su LP The Gold Experience (1994), primer disco de Prince bajo el pseudónimo del Símbolo. Esta canción solo consigue alcanzar el número 1 en las listas de ventas del Reino Unido a pesar de que es absolutamente deliciosa…
Art Official Age – Tracklist 1. Art Official Age 2. Clouds 3. Breakdown 4. The Gold Standard 5. U Know 6. Breakfast Can Wait 7. This Could Be Us 8. What It Feels Like 9. Affirmation I & II 10. Way Back Home 11. FUNKNROLL 12. Time 13. Affirmation III
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Si la música electrónica es tu vida, deberías ir haciendo las maletas con ropa cómoda para bailar y darlo todo en las pistas de estos locales, auténticos templos de la música techno alrededor del planeta. Este es el top 10 de los mejores clubes en 2014 donde podrás asistir a las fiestas más brutales y disfrutar de los mejores artistas electrónicos del momento.
1. Space Ibiza
Localización: Ibiza (España) Capacidad: 7.000 personas Web oficial: www.spaceibiza.com
Space es, a día de hoy, la auténtica meca de la música electrónica. Este club ibicenco se ha consolidado como el referente mundial en cultura de baile con una programación que abarca con garantías todas las vertientes de la electrónica actual. No hay sitio más divertido en el mundo para salir de fiesta. La fama de sus cinco salas, con una calidad de sonido destacada como la mejor del mundo en los IDMA, hace que su oferta sea difícil de igualar. La franquicia “Space” no para de expandirse internacionalmente con locales en Brasil y Moscú, así como proyectos muy avanzados en Nueva York y Dubái. Space lleva 25 años a la vanguardia y sigue siendo el club más laureado del planeta. Muchos creen que es un mito, pero algunos de los grandes DJs del momento han pedido pinchar en este emblemático local sin cobrar. Ibiza rules…
Localización: Camboriu (Brazil) Capacidad: 6.000 personas Web oficial: greenvalley.art.br
Enclavada en el manto de la selva de Camboriu, en las colinas tropicales de Santa Caterina, esta sala con capacidad para hacer vibrar a 6.000 almas es el club número uno en toda Sudamérica. Su historia se remonta tan solo cinco años atrás en el tiempo. El lugar es todo un espectáculo en sí mismo gracias al exuberante lago rodeado de boutiques y jardines que alberga en sus instalaciones. Todo un recreo para las personalidades más variopintas y eclécticas de la sociedad carioca más chic. Sus fastuosos espectáculos pirotécnicos y su mágica e imaginativa iluminación han forjado gran parte de su joven leyenda. Cada semana la élite de la música electrónica visita su cabina. Personalidades como Armin o Axwell lo han señalado sin ningún tipo de pudor como “el mejor club del mundo”.
Localización: Ibiza (España) Capacidad: 3.000 personas Web oficial: www.pacha.com
Es una de las marcas más icónicas de Ibiza en el mundo. ¿Quién no conoce la franquicia de las cerezas y todos los sueños y fantasías que consigue generar? Tienen sello propio para editar música y locales de máxima categoría en países como Estados Unidos, Brasil, Egipto, Argentina, Australia, Polonia… La historia de Pacha es la historia de un pequeño negocio familiar que comenzó su andadura a comienzos de la década de los 70. Representa como ninguna el espíritu de Ibiza, su ambiente, su forma de entender la noche, en pocas palabras, hedonismo en cantidades industriales. Un lugar imprescindible para los clubbers que se precien con un equipamiento en su zona VIP difícil de superar.
Localización: Londres (Reino Unido) Capacidad: 1.600 personas Web oficial: fabriclondon.com
Esta sala se encuentra muy cerca del corazón de Londres, en la zona de Farringdon. Su forma de interpretar la música electrónica podría definirse como oscura y algo subterránea, siendo durante parte de su existencia, un referente de sonidos más underground. La sala abre sus puertas a finales del siglo XX y desde entonces su fama ha ido escalando puestos y acaparando artículos en las principales publicaciones especializadas del planeta. Fabric es un lugar fiel a sus tradiciones ya que todos los viernes sigue celebrando su mítica noche “FabricLive”, donde su parroquia puede disfrutar de sonidos drum & bass y dupstep de muchos quilates. Los sábados siguen siendo propiedad del techno, minimal, progressive y house, de la mano de los DJs más ilustres de la escena internacional.
Localización: Mallorca (España) Capacidad: 3.000 personas Web oficial: bcmplanetdance.com
BCM Planet Dance es una macrodiscoteca clásica situada en el término municipal de Calviá (Mallorca). Está situada en el corazón de la localidad turística de Magaluf, tan célebre últimamente en los medios de comunicación de medio mundo por sus excesos en el turismo de borrachera y por prácticas, llamémoslas pintorescas, como el “mamading”. En fin, investiguen este concepto en Youtube por vuestra cuenta y riesgo… Este club, construido a finales de los 80, es un enorme edificio de dos plantas con dos salas bien diferenciadas donde el clubber puede gozar de los equipos tecnológicos de imagen y sonido más punteros del momento. La sala está rodeada de hoteles y bares, en el conocido como Bulevar de BCM. Aunque los relaciones públicas de la zona dicen que las siglas BCM se corresponden con las palabras “British Clubbers Magaluf”, la realidad es que responden al nombre completo de su propietario, el conocido empresario y multimillonario Bartolomé Cursach Mas. BCM es exceso y mucha juerga…
Localización: Ibiza (España) Capacidad: 5.000 personas Web oficial: amnesia.es
Volvemos una vez más a España y a Ibiza. Amnesia es quizás el club con más aire cosmopolita de toda la isla. Se encuentra muy cerca de la localidad de San Rafael. La sala abrió sus puertas en el año 1996 y ha sido señalada como el mejor club del mundo durante los años 96, 97 y 98 del siglo pasado. Su pista es mágica ya que a pesar de que la terraza al aire libre está cerrada, la luz se va modificando a medida que se va acercando el amanecer. Bueno, todo hay que decirlo, aunque dudo que motive a los clubbers más exigentes, pero es el lugar donde Paris Hilton suele parar para realizar alguna de sus sesiones en España de “Foam and Diamonds”. La casa donde hoy se levanta Amnesia fue construida a finales del siglo XVIII. Sus fiestas Cocoon, La Troya o Cream, son mundialmente reconocidas. Amnesia, que celebra en 2014 su 24 aniversario como club con su actual configuración y características, es una parada imprescindible si vas a visitar la isla del pecado…
Localización: Singapur Capacidad: 3.000 personas Web oficial: zoukclub.com.my
Se trata de uno de los complejos más importantes de Asia y está enclavado en la prospera ciudad estado de Singapur. Sus puertas se abrieron por primera vez en el año 1991. Forma parte de un impresionante complejo junto a locales como Phuture y Velvet Underground. Tiene un hermano menor en Kuala Lumpur desde 2004, capital de la vecina Malasia, que goza de un éxito similar. Su ambiente es absolutamente cosmopolita, no en vano está a poca distancia del principal puerto de mercancías del mundo, en la marina de Singapur. Según palabras del DJ Paul Van Dyk, “Zouk es uno de los mejores clubes del mundo y si has estado ahí, sabrás de la intensidad y energía que se despliega cada noche”.
Localización: Maresias (Brasil) Capacidad: 5.000 personas Web oficial: sirena.com.br
Volvemos otra vez al gigante sudamericano brasileño para detenernos en el complejo playero de Maresias, lugar donde en 1998 abre sus puertas el club Sirena. Muchas voces decían que su ubicación no era la más adecuada y que el negocio estaba abocado al fracaso pero las miles de personas que cada fin de semana se desplazan de la cercana Sao Paulo, la han convertido en un referente internacional. Ha sido escenario de noches memorables de personalidades como Fatboy Slim, Dimitri Vegas and Like Mike, o Steve Aoki. Su pista central es absolutamente monstruosa y está flaqueada por árboles naturales que se integran con facilidad en la fiesta, la noche y la música de los grandes de la electrónica, que tienen en Sirena una de su paradas obligadas en el continente sudamericano.
A punto de acabar nuestro recorrido por los mayores templos del techno en el mundo volvemos nuestra mirada hacia Asia una vez más. Esta vez a la capital y motor económico de Corea del Sur, Seúl. Octagon ha sido una de las entradas más fulgurantes en este top 10 según varias publicaciones especializadas que hemos consultado, entre ellas la prestigiosa DJ Mag. El EDM ha llegado para quedarse en esta nación ávida de nuevas experiencias y Octagon es su club más importante hasta la fecha. Un local con grandes similitudes arquitectónicas al Frabic londinense en el que nombres como Headhunterz, Deniz Koyu y Alex MORPH, Nic Fanciulli y Coyu ya han pasado por su cabina.
Localización: Las Vegas (Estados Unidos) Capacidad: 3.000 personas Web oficial: http://hakkasanlv.com
Hakkasan es uno de los clubes que más popularidad están ganando en los circuitos de la música electrónica internacional en las últimas fechas. La discoteca está dentro del lujoso hotel MGM de Las Vegas y consta de un magnífico restaurante a cargo del chef distinguido con varias estrellas Michelín, Ho Chee Boon. Como es habitual en la ciudad del pecado y en Estados Unidos, todo se hace a lo grande. Y decimos esto porque este club es de los pocos lugares en el mundo que puede presumir de tener a estrellas como Calvin Harris, Tiësto, Hardwell, Steve Aoki, Nervo o Afrojack, entre otros muchos, como DJs residentes. Ahí es nada… Así que si te ha ido bien jugando en el casino, deberías gastarte algunos dólares en este lugar antes de que la suerte te abandone a medida que te adentras en la noche…
Su estilo se mueve en varias órbitas coincidentes que transitan por los caminos del rock más intimista, pasando por el shoegaze, con algunas gotas de post-rock. A pesar de que esta definición es bastante subjetiva, lo que ya nadie pone en duda es que Neuman se ha convertido en uno de los grupos de culto más importantes de la escena indie rock en España en los últimos años. Sus credenciales son discos como “Plastic Heaven” (2010), el celebradísimo “The Family Plot” (2011), el EP “By Fear/Hi Love” (2013) y su último lanzamiento, una de las joyas de este 2014, titulado “If”.
Tras una gira de más de 200 concierto, en donde se ha colgado en más de una y dos ocasiones el cartel de “no hay entradas”, esta banda se ponía manos a la obra bajo la atenta mirada del prestigioso productor Paco Loco para crear “If”, su tercer trabajo de larga duración.
En el mercado desde el pasado mes de mayo, “If” es la auténtica metamorfosis artística a mito de esta banda de rock. En pocos días se alza con los puestos más altos en el Top Ventas de discos en España, encandilando de forma homogénea a crítica y público. Expresiones como “obra maestra”, o “trabajo inolvidable”, se hacen inseparables de Neuman cuando se habla de su último disco en los principales medios nacionales. Una producción rebosante de sensibilidad que también recoge toda la energía que este conjunto es capaz de brindar al público durante un directo. Otros hablan del trabajo más arriesgado y transgresor de Paco Román (guitarra, voz), auténtica alma máter de Neuman, compuesto por 10 temas diseñados con la única intención de emocionar.
“If” ha sido concebido a partir del empleo de una veintena de guitarras, sintetizadores y batería de décadas pasadas en la gaditana localidad del Puerto de Santa María. Ojo que la mesa de mezclas donde se ha cocinado lo último de Neuman es la misma donde han grabado leyendas como Supertramp o Queen. Megalomanías aparte, el sello que se ha encargado de su difusión ha sido Subterfuge Records, una de las compañías más serías y auténticas de España.
El romance con esta discográfica se remonta al lanzamiento de su EP “By Fear/Hi Love” con temas como “Hell”, y en él tiene mucho que ver la colaboración de Neuman con el mítico guitarrista Ken Stringfellow. Un mago de las seis cuerdas californiano que ha dejado su impronta en bandas como R.E.M, The Posies o Lagwagon, ahí es nada.
“If” es un disco nacido para llenar estadios y ser coreado debajo de una fina lluvia de verano. Un trabajo magnífico con el que poder engancharte a Neuman y viajar a través de sus cuidados paisajes sonoros. Esta tarde de domingo tenemos la oportunidad de charlar con Paco Román, líder de esta formación que te invitamos a descubrir…
Para aquellos que no tengan un concepto claro de qué es Nueman… ¿Cuándo y cómo surge la banda? Neuman surge cuando yo, Paco Román, tras haber sacado dos discos con mi anterior grupo La Fábrica de la Luz, y el ultimo con una multinacional, después de tener una mala experiencia con ese círculo en el que no se entendía mi concepto musical, decido dedicarme a grabar canciones solo con la aspiración de ir recopilando mis sentimientos e ideas. Desde el año 1998 hasta el 2004 me dedico a grabar estas canciones yo solo en un estudio que tenía, hasta que de nuevo tengo las ganas de volver a crear una banda y llevar estas canciones a el escenario, paso por varias formaciones durante estos años y finalmente consigo consolidar una banda con estas intenciones.
Básicamente se puede decir que Neuman comenzó en el año 1998 aunque es cierto que la mayor transcendencia la ha tenido en los últimos 6 años, cuando me curé del desencuentro con una multinacional, esto sinceramente no me gusta contarlo, pues es fácil sacar el titular de una entrevista, pero con estas palabras puedes hacerte una idea y síntesis de cómo es y en que formas ha trabajado Neuman desde el inicio.
¿Cuáles son vuestros principales referentes en la música y la principal fuente de inspiración de vuestro sonido tan característico y casi hipnótico? No escucho música casi nunca, desde hace muchos años, paso demasiado tiempo con mis melodías en la cabeza y es mi obsesión y vida, así que creo que buscar un referente en mi música es circunstancial. Cuando he escuchado algo me he limitado a escuchar los grupos que siempre me han acompañado, Sebadoh, Sonic Youth, American Football, Pinback…. Cuando he escuchado algo nuevo accidentalmente no me ha llegado, no me ha emocionado como lo hacen por ejemplo estas banda de las que te escribo.
¿Qué tal lleváis expresiones y etiquetas como “grupo de culto” que se están asociando a Neuman por buena parte de la prensa especializada? Con orgullo a pesar de que no es así al 100%, Neuman abarca muchos estilos dentro del suyo y esa etiqueta va quizás relacionada directamente con las canciones en las que hay desarrollos muy largos. Nuestro primer disco “Plastic Heaven” empieza con “Sil Fono” una canción de 8 minutos que en directo se va a los 12, pero también tenemos “Hell” del EP “Bye fear / Hi love”, son el mismo concepto contado de manera diferente. Culto es una etiqueta bonita y que afortunadamente no nos pesa si se habla de reconocimiento.
Neuman – Sil Fono
En mayo de 2014, “If”, vuestro último disco de estudio, sale al mercado y rápidamente se convierte en un éxito de ventas, crítica y público. ¿Cuál es vuestra valoración sobre la salida de “If”? ¿Ha cumplido todas las expectativas que teníais puesto en él? Quedamos impresionados por la respuesta en todos los sentidos y en los conciertos que estamos haciendo lo hemos comprobado. Nuestras expectativas no pasan de seguir haciendo discos y seguir componiendo, esto afortunadamente cada vez arrastra más gente y es muy bonito. Pensaba que con “Bye fear / Hi love” había cambiado todo pero “If” superó mis expectativas.
¿Cuáles son las principales señas de identidad de este disco, en qué temas de “If” podemos encontrar con más claridad aquello que os define como banda? “If” es un disco que hace años soñaba con hacer, pero esto debía ser de una forma muy natural. “If” pasa por muchos estados de ánimo y ambientes, es un disco fácil, muy fácil, por eso puede parecer complicado, es el disco más directo de Neuman, el más disco de todos. “Kids”, Too Pretty” hay muchas canciones que resumen en su duración lo que es el significado de Neuman.
Pasar del final de “Too Pretty” que termina de la manera más caótica y ruidosa en la que solemos terminar algunas canciones y de repente empezar “Baby in my Arms” tan solo con una voz, son conceptos musicales frutos de dejarte llevar, y que solo ves que encajan cuando tienes las canciones en la mesa terminadas. Esto no se puede pensar previamente.
En el tema “Kids” cuentas con la inclusión del Coro infantil del Convervatorio de Torrevieja y la Orquesta de Cox. Contadnos como surge esta iniciativa y qué ha supuesto para ustedes llevarla a cabo… “Kids” es la canción del disco que más tiempo tiene y en el momento que la compuse ya pensé que sería algo muy bonito contar con un coral de niños cantando conmigo. El disco lo estábamos grabando en el Puerto de Santa Maria y para mezclarlo volví unas semanas más tarde, aproveche ese intervalo de tiempo para ir a Alicante parta grabar a la Orquesta de Cox y al Coral.
En los discos siempre terminando complicándome la vida con estas ideas, pero es mi vida y lo hago con ilusión, a priori me dio un poco de miedo encontrarme con 50 niños y organizando como iban a ser esos coros, sin duda una gran experiencia, de las que no olvidas.
¿Hay un motivo en especial por el que elegisteis el inglés para expresaros artísticamente? Al principio cantaba en Castellano algunas canciones, de hecho el “Plastic Heaven” y “The Family Plot” hay una canción en castellano, solo lo hice por gusto, porque es mi idioma pero realmente en Neuman me he acostumbrado a cantar en Inglés, no me imagino a Neuman de otra forma.
Muchos medios y críticos dicen que es vuestro mejor disco con diferencia. ¿Ustedes también lo pensáis? “If” es sin duda nuestro disco más disco, por muchos motivos, trabajar con Paco Loco ha influido a esto, no creo que hayan mejores discos que otros en Neuman pero es cierto que evolucionas, haces más canciones y de esta manera terminas expresando de una manera más fiel y eficaz lo que quieres contar. En ese sentido si es el mejor disco.
¿Es fácil convivir con tanta adulación y cumplido? ¿No suma un plus de presión y responsabilidad a la hora de salir a tocar en directo? Esto es algo que valoro y valoramos todos mucho. Ese reconocimiento hace que todo fluya con más ilusión, la presión a la que nos podemos someter seria la misma que tendríamos sin tanto reconocimiento.
¿Lleva Paco Román todo el peso creativo en la banda, o la mayor parte de él? Todo nació hace muchos años, cuando yo estaba solo, en esos años y haciendo canciones di sentido a Neuman, a un proyecto en solitario que con el tiempo se transformó en una banda. Digamos que yo le he dado el camino y obviamente llevo el peso del grupo pero me apoyo y ayudan mis amigos de Neuman.
Vuestro último trabajo ha hecho que muchos medios de comunicación fijen su mirada y focos en vuestra banda. ¿Se agradece toda esta atención repentina o en el fondo habríais preferido un cariño más sosegado y continúo en el tiempo? La carrera de Neuman es y ha sido muy larga, todo ha sido muy poco a poco si pensamos que todo empezó en el año 1998… Aunque en los últimos 5 años ha crecido mucho, pienso que todo ha ido despacio, y que afortunadamente cada disco que se ha editado ha hecho crecer poco a poco más a Neuman. Sin duda Subterfuge ha hecho que en los dos últimos años Neuman se haya hecho más grande, todo cambio cuando firmamos con ellos.
Neuman – I Have The Will
Lleváis a Murcia por bandera allá por donde vais. ¿Qué aporta el carácter de vuestra tierra a vuestra música? ¿Qué tiene de murciano el sonido de Neuman? Neuman empezó en Murcia, pero yo ya no vivo allí, llevo tres años viviendo en Granada, sigo teniendo el grupo allí, el ensayo etc…. Pero Granada ha influido en los dos últimos discos de Neuman, me hace gracia cuando dicen “los murcianos Neuman” ninguno somos de Murcia en realidad, Neuman se hizo allí y siempre nos ha gustado enseñar Murcia en nuestros videoclips. Ahora, a veces digo, “murcianogranadinos”.
Ahora estáis con el sello Subterfuge, gente sería y amante de la música por encima de todo, además de respetada y reputada. ¿Cómo valoráis este cruce de caminos a esta altura de vuestra carrera? Hemos ganado un gran sello y unos grandes amigos, precisamente por mi mala experiencia con una multinacional ahora más que nunca valoro y siempre valoraré lo que significa esta en Subterfuge. Estar en Subterfuge es, si no la mejor, una de las mejores experiencias que he tenido en mi vida.
¿Ha tocado techo Neuman? ¿Qué queda por hacer en la música? En absoluto, tengo como 7 discos más en mi cabeza, en distintas formas y maneras.
En el tema de la producción, todo ha sido muy artesanal, bueno, mejor dicho muy a la antigua. Además habéis contado con Paco Loco, una de las figuras míticas e insustituibles en este campo en España. ¿Qué tal se desarrolló el trabajo? ¿Exigencia máxima que llega a saturar o fluidez y diálogo ante todo? Trabajar con Paco Loco es otra de las grande experiencias de mi vida, confiarle el 4º trabajo de Neuman fue de valientes, él es otro valiente, un genio, nos volveremos a encontrar, todo fue amor y música, fluido, como pocas veces pasa cuando grabas un disco. Almas gemelas con sintonía total.
He leído en varias entrevistas que si “mesa de mezclas utilizada por Queen”, “mismo equipopara mezclar que en discos de Supertramp”, etc. ¿De qué van estas historias exactamente? ¿Ya sois grupo presa de leyendas urbanas o hay realidades y anécdotas que contar al respecto? Todo esto anecdótico, es por decirlo de alguna manera romántico, grabar en esa misma mesa que grabó Supertramp… Lo bonito fue lo que paso en esa grabación con Paco Loco en el Puerto de Santa María.
En vuestro último LP volvéis a contar con la presencia de un grande del rock, el norteamericano Ken Stringfellow, guitarrista entre otros de bandas como Lagwagon, ThePosies o los archiconocidos R.E.M. ¿Cómo y cuándo comenzó vuestra colaboración y posterior amistad? Primero fue la amistad y luego vino todo lo demás. Tocar con Ken, es, bufff… otra gran experiencia, cantar juntos, grabar y hacer giras juntos es algo que nunca olvidaremos.
Neuman & Ken Stringfellow – Bye Fear / Hi Love
¿Qué os ha aportado principalmente la presencia y tacto de Ken en vuestra música? El vino a tocar y cantar con nosotros, es un grande de la música, todo lo que aporte es grande, con Neuman surgió magia, armonía entre nosotros, con el tiempo nos hicimos más amigos, es una relación muy especial en lo personal y en lo musical imagínate.
Neuman & Ken Stringfellow – Hell
Una radiografía rápida de Neuman. ¿Quién es tipo duro de la banda? ¿El sensiblón? ¿El pitufo gruñón? ¿El soñador empedernido? ¿El más flojete y remolón? (Y un porque, no solo señalar y acusar….jejeje) Menos tipo duro yo soy todo lo demás (risas). David es el músico y amigo que todo grupo debe tener, Alex es un 10 en Neuman, Fernando es mi gran amigo-hermano, le tengo tanto cariño, y Juan es otro gran músico del que debería disfrutar cualquier grupo. Juntos hay un gran respeto, cada uno tiene su rol en Neuman, estamos en un gran momento personal y musical, ojala no nos pase nada.
Hagamos un pequeño repaso por vuestra historia. “PlasticHeaven” (2010) es vuestro primer largo, y bien largo con casi dos horas de duración en 14 canciones. La crítica lo señala como un magnifico exponente de post rock, alejado del sonido indie, y muy de mirarse los pies mientras se canta, shoegaze… ¿Qué recuerdos tenéis de aquella época y qué destacáis de este disco para quien no lo haya oído aun? Es una radiografía de todos los años que pase componiendo y grabando mis canciones solo, es el inicio de todo realmente, hace tiempo que no lo escucho, pero cuando he oído alguna canción me ha traído muy buenos recuerdos. De aquel disco solo estamos Fernando y yo, todo ha ido cambiando.
Lo siguiente fue “TheFamilyPlot” (2012) y” ByeFear/Hi Love” (2013), ya junto a Ken Stringfellow y este celebradísimo “If” (2014). ¿Qué proyectos tiene en mente para el futuro Neuman? Seguir haciendo discos, canciones, para el vinilo de “If” que se publica en septiembre-octubre. Vamos a grabar dos canciones nuevas, además de una que habíamos reservado como Bonus track, algún proyecto paralelo, seguir tocando en definitiva…
GIRA “IF” 2014 3 de octubre – Murcia – Teatro Circo 17 de octubre – Granada – Planta Baja 15 de noviembre – Madrid – Sala BUT 28 de noviembre – Zaragoza – La Casa del Loco 29 de noviembre – Barcelona – Apolo [2] 5 de diciembre – Logroño – Sala Biribay 13 de diciembre – Granada – Festival Granapop
Es una de las mayores estrellas de la música mexicana actual. Muchos lo llaman “maestro” y otros sencillamente “el rey del pop mexicano”. La carrera de Aleks Syntek es una sucesión de éxitos que se remontan a comienzos de la década de los noventa cuando lideraba el grupo Aleks Syntek y Le Gente Normal, con el que grabó 5 álbumes, cosechando múltiples galardones y discos de oro. Tras 6 discos de estudio como solista, este artista y productor es toda una institución en la industria musical latinoamericana. En 2014 ha vuelto a ser actualidad estrenando un nuevo álbum titulado “Romántico desliz”, y siendo responsable del tema principal de la película “Cantinflas”, estrenada el pasado 29 de agosto en Estados Unidos. Un film que cuenta la vida y obra de Mario Moreno Cantinflas, el cómico más importante de la historia de México. Además de todas las novedades que rodean a Syntek vamos a hacer un pequeño recorrido por alguno de sus mayores éxitos. Si te gusta el pop de verdad, no te lo puedes perder…
La conjunción entre Cantinflas, el mayor comediante de la historia de México, y Aleks Syntek, una de las figuras más importantes de la música azteca de los últimos tiempos, es sinónimo de éxito. La película ha debutado en Estados Unidos con unas cifras bastante aceptables que se acercan a los 3,2 millones de dólares en su primer fin de semana, llegando a un total de 382 salas de exhibición según datos del portal especializado Box Office Mojo.
El film está dirigido por el realizador mexicano Sebastián del Amo y es el actor español Oscar Jaenada, con un tremendo parecido físico con el entrañable cómico, el que da vida a Mario Moreno Cantinflas. La cinta se centra en su vida y obra, haciendo hincapié en los sucesos que rodean la filmación de la película “La vuelta al mundo en ochenta días” (1956), con la que Cantinflas se introdujo en el mercado norteamericano y por la que llegó a ganar un prestigioso Globo de Oro.
El tema principal de la cinta se titula “Ríete de amor hasta que mueras”, y viene presentado por un delicioso video protagonizado por Aleks Syntek en el que se intercalan algunas imágenes de la película. El cantante y productor mexicano también ha editado una versión de esta canción en inglés para copar el mercado norteamericano interpretándola a dúo con Juliette Ashby y con la colaboración de Jenny Ball, de Jeny and The Mexicats.
En la banda sonora oficial de “Cantinflas”, compuesta por 12 cortes, también encontramos temas firmados por reconocidos artistas como Denise Gutiérrez, Paté de Fuá, Mauricio Sánchez, Los Claxons, o este “Vete de mí”, interpretado por la estrella española internacional Enrique Búnbury.
Dejamos a la leyenda de Cantinflas de lado y nos centramos en la figura del músico, cantante, compositor y productor, Aleks Syntek. Un artista en constante reinvención responsable de múltiples aportaciones a la escena del pop latino internacional, gracias a su valiente capacidad de experimentación y vanguardia.
Coma antes hemos señalado, su carrera comienza en los 90 junto a la banda La Gente Normal con los que consigue numerosos premios y reconocimientos. Temas como “Más fuerte de lo que pensaba”, “Bienvenidos a la vida”, “Lugar secreto”, o este “Hey tú”, comienzan a forjar su leyenda en el pop mexicano.
Justo antes de despedir el siglo XX, Syntek recibe el prestigioso premio Ariel de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas por escribir la banda sonora de la película “Sexo, pudor y lágrimas”, uno de los bombazos de taquilla más importantes en la historia del cine mexicano.
Antes de lanzar su primer disco oficial en solitario, Aleks publica un recopilatorio con los mayores éxitos de su carrera en el que incluye el tema inédito “Tú necesitas”. Esta canción pronto se convertiría en un éxito en todas las pistas de baile de Hispanoamérica, alcanzando un doble disco de platino.
“De noche en la ciudad” (2001) es su primer álbum en solitario. Tres años después llega al mercado “Mundo Lite”, con el que el artista mexicano alcanza el éxito internacional. El responsable de esta repercusión es el tema “Duele el amor”, que interpreta junto a la ex líder de Mecano, la cantante española Ana Torroja. Esta canción se convierte en un auténtico fenómeno en España y es traducida al alemán, italiano, portugués e inglés. El hit permite a Syntek conseguir dos Premios Billboard Latinos además del tercer doble platino de su carrera.
“Lección de vuelo” (2007) es el título de su tercer álbum de estudio en el que el artista da un giro a su estilo hacia sonidos más experimentales y orquestales. Por supuesto también hay un hueco para el folklore latino más clásico. Destacan temas como “Historia de danzón y de arraval” e “Intocable”, que logró situarse como número 1 durante varias semanas en las principales radiofórmulas de México.
Tras el lanzamiento de “Lección de vuelo”, Syntek protagoniza varios eventos junto a grandes estrellas de la música internacional. Por un lado junto a Bon Jovi y Fito Paez en sendos conciertos con carácter solidario en México y Colombia, y por otro junto a Kylie Minogue con la que protagoniza una versión del hit de la australiana “In my arms”.
Coincidiendo con la celebración de sus 20 años en la primera línea de la escena musical, Aleks Syntek edita en 2009 “Métodos de placer instantáneo”. Un álbum en el que realiza un dueto con la leyenda de la salsa, Rubén Blades, y que contiene temas imprescindibles de su discografía como “Sin motor” o “Loca”. Este último cuenta con un video con paralelismos más que evidentes con el clásico de Robert Palmer, “Addicted to love”.
A comienzos de la primera década de este siglo Aleks es toda una celebridad en el mundo del espectáculo. Personalidades como la actriz Eva Longoria o el futbolista azteca Rafa Márquez, declaran abiertamente su admiración por el músico nacido en Yucatán. Su presencia en los medios de comunicación es casi obligada. En 2011 aumenta aún más su popularidad al participar en el show televisivo “La Voz… México” junto a Lucero, Espinoza Paz y Alejandro Sanz. El programa bate todos los records de audiencia en México.
En 2012 Aleks (cuyo nombre original es Raúl Alejandro Escajadillo) actúa junto a Elton John en un concierto multitudinario en Guadalajara y presenta su álbum titulado “Syntek”. Se trata de un trabajo donde el artista vuelve a reinventarse proponiendo a sus fans temas en una línea electro pop y new wave, con claras reminiscencias ochenteras. “La Tormenta” es uno de los temas más celebrados de este trabajo…
El presente de Aleks Syntek se llama “Romántico desliz” (2014), el último disco del artista, en el mercado desde el pasado mes de junio. Trece canciones originales componen este LP en el que han colaborado músicos de España, Colombia, Argentina y México. En el capítulo de la composición, Aleks ha contado con la colaboración de gente como Alex Ubago, Mario Domm y Pablo Hurtado de Camila, y Xabi San Martín de La Oreja de Van Gogh, entre otros muchos. Según palabras del propio Syntek, este “es un material realizado bajo la presión de la perfección, con temas extraordinarios que dejarán huella no sólo en mi trayectoria como artista, sino también en el gusto de mis seguidores y de quien lo llegase a escuchar. Será un disco completo en toda la extensión de la palabra». Su aceptación comercial está siendo muy buena gracias al éxito de temas como este “Corazones invencibles”.
Romántico Desliz – Tracklist 1. Tan Cerquita 2. Corazones Invencibles 3. El Email 4. 3 Veces Locura 5. Este Amor Que Pudo Ser 6. Te Amaré 7. Multiplicando 8. No Te Vayas con Él 9. Enamorado de Ti Para Siempre 10. 1000 Suspiros en Mundos Raros 11. Tu Recuerdo Divino – Versión Bodas – con Los Ángeles Azules 12. Y La Vida Va 13. Tu Recuerdo Divino – Versión Acaramelada
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El mítico guitarrista, ex de los Guns and Roses, acaba de lanzar al mercado su tercer disco de estudio en solitario. Su título es “World on fire” y Slash se ha vuelto a rodear de Myles Kennedy & The Conspirators para darle forma a esta criatura discográfica. Estamos ante un álbum de auténtico hard rock, crudo y sin concesiones, compuesto por 17 temas con un estilo similar al de sus anteriores discos. Las guitarras son más primarias y directas si cabe, lo que hacen que el sonido de este LP sea muy homogéneo. Slash ha afirmado que con este trabajo ha vuelto a su juventud al experimentar la sensación de tocar y grabar junto a una auténtica banda de rock en una misma sala, sintiendo la música en un ambiente electrizante.
Pocos guitarristas en la historia del rock tienen una estampa tan reconocible y legendaria encima de un escenario. Melena rizada color negro azabache coronada por su famoso sombreo de copa, piercing nasal y guitarra Gibson colgada unos centímetros por debajo de la cintura (como los buenos rockeros)… ese es Slash.
Su magistral destreza con las seis cuerdas y su capacidad como compositor lo han transformado en uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos. Primero arrasó en todo el mundo como el solista de los mágicos Guns and Roses junto al también icónico Axl Rose. Poco después montó su propia banda, Slash´s Snakepit, luego vendría Velvet Revolver y ahora sigue al cien por cien junto a Myles Kennedy & The Conspirators con este nuevo lanzamiento,“World on Fire”. El primer avance de este trabajo, titulado igual que el LP, está en la red desde hace tres meses. Un lyric video subidísimo de tono, solo apto para mayores de 18 años.
“World On Fire” se ha grabado en Los Ángeles y en Florida bajo la supervisión de Michael Elvis Baskette por sugerencia de Myles Kennedy, con el que había trabajado con anterioridad en su banda Alter Bridge. Precisamente hace poco Slash ha hablado en varios medios especializaos de su relación con Myles, vocalista de su actual proyecto: “La conexión ha sido muy buena desde el primer día. Trabajar con él es un regalo. Es una persona sencilla con la que es muy fácil colaborar. Estoy acostumbrado a trabajar con personalidades muy distintas, pero en su caso todo ha sido extraordinario. Aquí no hay egos, todos somos un equipo”.
Algunos datos más… “World On Fire” ha sido publicado en CD, álbum digital, vinilo y en una edición limitada que incluye una camiseta del grupo. La portada del disco es obra del artista del surrealismo pop, Ron English, al que Slash descubrió a través de Instagram. Slash presentará el disco en directo en una gira conjunta con los chicos de Aerosmith.
Este disco llega 2 años después de la publicación de su primer álbum junto a Myles Kennedy and The Conspirators. Su título era “Apocalyptic Love” y debutó directamente en el número 4 de la lista de ventas de Billboard EE.UU. “You are a lie” fue su primer single.
En verano de 2011, Slash hacía las delicias de su público más clásico editando un directo grabado en su localidad natal (titulado “Made in Stoke”) en el que incluía temas de Velter Revolver y Guns and Roses como “Sweet Child O´Mine”, “Civil War” o este “Paradise City”.
El primer disco en solitario de esta última etapa de la carrera del guitarrista se tituló simplemente “Slash” (2010). Un álbum que contó con un montón de colaboraciones de conocidos artistas del mundo del rock y del pop. Entre ellos podemos destacar a Ozzy Osbourne, Chris Cornell, Lemmy de Motorhead, Iggy Pop, Kid Rock y gente más “soft” como Adam Levine de Maroon 5 y Fergie de Black Eyed Peas.
Slash ha sido recientemente reconocido por la revista Time como el segundo mejor guitarrista de la historia del rock tras Jimi Hendrix. Su carrera está plagada de éxitos y de alguna que otra sombra. Así que vamos a aprovechar el lanzamiento de “World On Fire” para hacer un pequeño repaso por los momentos más destacados de su andadura musical.
Corre el año 1985, las colinas de Hollywood asisten al nacimiento de Guns and Roses, una de las bandas más importantes de la historia del rock en la que Slash juega un papel fundamental junto al ego del siempre polémico Axl Rose. El grupo vende más de 140 millones de discos en todo el mundo. Las relaciones se vuelven cada vez más tensas en el seno de la banda debido al particular carácter de Axl. En 1994 Slash graba una versión de “Sympathy for the Devil” de los Rollings Stones para la banda sonora de la película protagonizada por Tom Cruise y Brad Pitt, “Entrevista con el Vampiro”. Este será su último trabajo junto a la banda de las pistolas y las rosas.
En la historia del rock permanecerá su música y decenas de éxitos como el videoclip de “November Rain”. Un metraje estrenado en la MTV en 1992, en el que podemos ver a un Slash en plenitud de facultades en un solo inolvidable en las puertas de la iglesia donde se desarrolla parte de la historia de este himno del rock.
Corren los primeros años de la década de los noventa y Slash está en el top de su popularidad gracias a las enormes ventas de su álbum “Use your Illusión” junto a Guns and Roses. Esto hace que Michael Jackson fije sus ojos en el guitarrista para que forme parte de su éxito “Give in to Me”, perteneciente a su álbum “Dangerous”. Se trata de la época más rockera del rey del pop que ya había contado con la colaboración de otros ilustres melenudos como Steve Stevens en “Dirty Diana” y Eddie Van Halen con “Beat It”. El videoclip de “Give it to Me” es toda una joya en la que vemos un magnífico mano a mano entre Slash y Jackson bajo la dirección de Andy Morahan, que ya había dirigido al guitarrista en videos de Guns and Roses como “Don’t Cry” y “November Rain”.
Su primer proyecto en solitario fue Slash´s Snakepit junto a Gilby Clarke y Matt Sorum, sus compañeros en Guns and Roses. También los acompañaba el bajista de Alice in Chains, Mike Inez, y el cantante Eric Dover. El grupo saca un par de discos al mercado pero la aceptación comercial no es la esperada. El mundo está siendo sacudido por el grunge y el hard rock ha quedado relegado a un segundo plano. Slash publicará bajo este nombre “It´s Five O´Clock Somewhere” y “Ain´t Life Grand”, al que pertenece este videoclip titulado “Mean Bone”.
El siguiente proyecto de Slash si tuvo una aceptación comercial más importante entre el gran público. Se trata de Velvet Revolver y precede a su formación actual con la que ha estrenado “World On Fire”. Velvet Revolver es un proyecto de laboratorio rock en el que Slash volvió a contar con ex de Guns and Roses como Matt Sorum y Duff McKaagan, junto al guitarrista Dave Kushner y el carismático cantante de Stone Temple Pilots, Scott Weiland. Fruto de esta formación son los discos “Contraband” (2004), con un magnífico debut en Billboard, y Libertad (2007). Quizás este “Slither” sea el tema más pinchado y conocido de esta etapa de Slash.
World on Fire / Tracklist 1. World on Fire 2. Shadow Life 3. Automatic Overdrive 4. Wicked Stone 5. 30 Years to Life 6. Bent to Fly 7. Stone Blind 8. Too Far Gone 9. Beneath the Savage Sun 10. Withered Delilah 11. Battleground 12. Dirty Girl 13. Iris of the Storm 14. Avalon 15. The Dissident 16. Safari Inn 17. The Unholy
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