Estamos en los compases finales del Mundial de Brasil 2014 y la emoción está a flor de piel. La finalísima en el estadio de Maracaná está a la vuelta de la esquina y dos países estarán durante 90 minutos con el corazón en un puño (bueno, en este mundial de prórrogas y tandas de penaltis es probable que algunos minutos más). Y qué mejor que un poco de música para potenciar esos sentimientos de ansia de victoria, de remontadas épicas y de comerse las uñas hasta la raíz, carcomidos por los nervios. Pero en esta ocasión vamos a tirar de creatividad y vamos a huir de los temas que ya hemos oído hasta la saciedad a estas alturas de la competición. Así que nada de Pitbull, nada de JLo y nada de Shakira en este artículo. Vamos con otros temas compuestos para este evento menos conocidos por el gran público y algún que otro clásico que siempre va como anillo al dedo en ocasiones como esta.
Nuestra primera propuesta la firma la cantante y productora estadounidense Janelle Monáe. La cantante del prominente tupé, nominada en varias ocasiones a los premios Grammy, es la autora de esta particular versión de “Heroes” de su admirado David Bowie. A nadie se le escapa que el fútbol tiene un gran componente de épica y que en cualquier partido siempre es fácil distinguir a un héroe y a un villano (depende del equipo del que se sea hincha, claro está). Este delicioso videoclip es eso, una historia de héroes pero en clave infantil. La realización corre a cargo de Alyssa Pankiw.
Viajamos a Brasil, la capital del mundo fútbol durante estos días, para conocer el tema dedicado al armadillo Fuleco, la mascota oficial de la Copa del Mundo de Brasil. Su autor el popular músico, cantante y compositor carioca, Arlindo Cruz, considerado en su país como la figura más importante de la samba y el pagode. El tema se titula “Tatu Bom de Bola” y pertenece al disco oficial editado por la FIFA.
Nuestra siguiente protagonista es, Kelly Rowland, una antigua componente de las Destiny´s Child. El videoclip se titula “The Game” y narra el viaje de un niño desde las favelas hasta el corazón de Maracaná para tirar el penalti de su vida. Ojito que está dirigido, nada más y nada menos, que por el genio afroamericano del cine, Spike Lee. Esta canción pertenece a un disco editado por una conocida marca de refrescos con motivo de la celebración del mundial.
Ahora vamos con un poquito de electrónica de buena factura. No todo va a ser samba y pop comercial si hablamos de música relacionada con esta Copa del Mundo. La canción se titula “Unstoppable” y es obra del conocido DJ holandés, de origen marroquí, R3hab. Este mago del dutch y electro house es el responsable de la mezcla mientras que la voz la pone su compatriota Eva Simons, conocida por su victoria en un talent show de la televisión holandesa. El videoclip está dirigido por el popular actor británico Idris Elba (The Wire, Thor, Pacific Rim).
El siguiente tema es un golpe bajo para el aficionado español. Sí, todos lo sabemos, el actual campeón no ha hecho su mejor papel en esta edición mundialista. La canción se titula “Buena energía” y está promovida por uno de los patrocinadores de la Federación Española de Fútbol. Compuesta e interpretada por el grupo pop español Maldita Nerea, cuenta con la participación de jugadores como Iker Casillas, Xavi Hernández, Jordi Alba, Diego Costa y César Azpilicueta. Ver su videoclip en estos momentos es casi una broma de mal gusto…
Seguimos fustigando al hincha español con otra canción dedicada a animar a la “eliminadísima” de este torneo. Su título es “Salta” y está interpretada por los chicos de la banda Varry Brava. Energia y buen rollo en estado puro que se fue por el desagüe con la temprana eliminación de la selección en la fase de grupos. La canción fue una iniciativa de la redacción de Marca, el diario deportivo con más difusión en España.
Comenzamos con los clásicos. Además, como en esta recopilación de temas futbolísticos queremos darle vidilla a otros estilos musicales, vamos allá con un poquito de “britpop”. Inglaterra es el país donde se inventó este deporte que ha conquistado todo el planeta y tampoco están para tirar cohetes con su papel en Brasil 2014. Al igual que España se han ido para casa a las primeras de cambio. En su homenaje vamos a recordar este “Three Lions”, himno oficial de la Eurocopa 1996 de Inglaterra. Sus autores son la banda de rock alternativo de Liverpool, The Lightning Seeds.
Esto sí que es un clásico en mayúsculas, la mítica “Tina Turner” interpretando su hit “The Best”. Si eres aficionado al deporte estarás pensando que este tema se utiliza muy a menudo en las ceremonias finales de importantes torneos en el mundo del tenis. Sí, es cierto, pero también se ha pinchado bastante en las celebraciones de títulos de clubes de fútbol. La verdad es que es toda una inyección de moral para cualquier deportista que se precie… Por si no lo sabían esta canción es una versión de la original publicada por Bonnie Tyler en su disco “Hide your Heart” (1998). Aquí os dejamos ambos videos.
Para cerrar este recorrido vamos con el himno por antonomasia para celebraciones y finales en el mundo del fútbol. Esta canción se la sabe cualquier hincha del mundo: “We Are The Champions” de Queen. Freddie Mercury la compuso para su álbum “News of the World” (1977), pero fue a partir de la década de los noventa cuando se transformó en el himno oficioso de cualquier competición de fútbol internacional. Estamos seguros de que sonará en algún momento cuando acabe la final de este mundial. Recuerden, la cita es el 13 de julio a las 16.00h (hora de Brasil) en el estadio de Maracaná, en la ciudad de Rio de Janeiro. Qué gane el mejor…
El debut de Metallica en el pasado macrofestival de Glastonbury (Inglaterra) no tenía los ingredientes para ser precisamente tranquilo. Se trataba de la primera vez en que una banda de metal encabezaba este famoso festival británico. Eran los abanderados de su género musical en tierra desconocida tras 35 años de espera. Pero la cosa estaba bastante revuelta debido a la afición por la caza mayor de su frontman, James Hetfield, y su papel como narrador de una serie documental sobre la caza del oso pardo para History Channel llamado “The Hunt”. Miles de personas a través de las redes sociales pedían la retirada de la banda como cabeza de cartel de Glastonbury. Su principal argumento es que este tipo de actividad está en contra de los ideales del evento musical, con fuertes raíces en la cultura hippie inglesa. Según la prensa británica, 4 de cada 5 asistentes al festival había dejado claro su rechazo frontal hacia Metallica. Pero viendo cómo se desarrolló el concierto y echándole un vistazo a las fotos y videos del mismo, todo indicaba que estos indignados olvidaron rápidamente sus convicciones morales cuando las guitarras comenzaron a sonar. Por supuesto la banda californiana respondió a la polémica y lo hizo nada más comenzar su espectáculo…
Si escarbas un poco en la figura de James Heftield, guitarrista y cantante de Metallica, no es difícil encontrar referencias a su afición a la caza, su pertenencia a la Asociación del Rifle en Estados Unidos y que es más que probable que no haya votado a Obama en las últimas elecciones a la Casa Blanca. Nunca lo ha escondido. De ahí el asombro y estupor con el que Metallica y su entorno han reaccionado a la polémica desatada por su inclusión como cabeza de cartel en la recién concluido festival de Glastonbury.
Miles de asistentes al festival y asociaciones en defensa de los animales ponían el grito en el cielo tras el anuncio de la participación de Hetfield como narrador en una serie documental de History Channel, que ya se está emitiendo, donde relata la caza del oso pardo en la región de Kodiak (Alaska), como una tradición más de los indígenas de la zona que se remonta miles de años atrás. Pronto surgieron en las redes sociales propuestas y llamamientos al boicot de la banda. Entre ellas ha destacado el sitio en Facebook llamado “Remove Metallica from Glastonbury Festival for their support of Bear Hunting” (Saquen a Metallica del festival de Glastonbury por su apoyo a la caza de osos). Esta página llegó a sumar 14.000 “me gustas” y directamente apelaba a los organizadores del festival para que expulsaran a Metallica de su programación.
En el capítulo de las críticas a Metallica de personajes ilustres de la música hay que destacar las palabras de Bruce Dickinson, vocalista de Iron Maiden, que ha declarado que se lo tienen bien merecido por acceder a tocar en un “evento tan burgués”. Dickinson fue un poco más allá en declaraciones al Daily Star: “En aquellos días en que Glastonbury era un festival alternativo era bastante interesante. Ahora es la cosa más burguesa del planeta. Un sitio al que va Gwyneth Paltrow y tiene tiendas de campaña con aire acondicionado no es para mí”.
Por otra parte tenemos a Barry Burns, teclista de banda escocesa Mogwai, que directamente tachó a Metallica como “terribles” y particularmente a Lars Ulrich, como “músico horrible”. La guinda de Mogwai la puso su batería, Martin Bulloch, que directamente los calificó como “mierda”. También hay que decir que estos chicos tocaron al mismo tiempo que la banda de San Francisco en otro escenario del festival y sabían lo que se les venía encima: Una afluencia mínima de público a su show.
La respuesta de Lars Ulrich no se hizo esperar en declaraciones a la revista Metal Hammer: “Glastonbury es como el Santo Grial en Inglaterra y respetamos eso. Pero si hay alguien que va y habla de recogida de firmas o lo que algún que otro ha dicho, llega a un punto en el que la cosa deriva a algo ridículo. La verdad es que tenemos la piel gruesa y nos hemos vuelto insensibles a este tipo de críticas. Obviamente, si Mick Jagger tiene algo que decir, o Alex Turner de Arctic Monkeys o los tipos de Kasabian, que nos gustan mucho… Pero algún tipo de alguna otra banda… ¿cómo se llaman? Nos trae sin cuidado, sinceramente».
El último en sumarse a la fiesta fue Slash, ex guitarrista de Guns and Roses, que señaló que aprecia los festivales con programación ecléctica pero “lo que no se puede es poner a Metallica después de la jodida Katy Perry”.
La banda no perdió el humor ante todo este lío y, previo al concierto, puso a la venta en su página web diversas camisetas que contenían los titulares más críticos y negativos recibidos por su presencia en este festival. Creo que aún siguen disponibles en su tienda oficial virtual….
Ya hemos contado los antecedentes, ahora vayamos a la crónica de lo que pasó realmente en Glastonbury la noche del pasado 28 de junio sobre el escenario. Las luces se apagan y como es habitual en un show de Metallica, en las pantallas se ve una de las secuencias del western “El bueno, el feo y el malo” junto a los acordes del tema de Ennio Morricone, “The ecstasy of gold”. Pero en esta ocasión el video sufre una pequeña modificación y da paso a un cortometraje dirigido por Julien Temple. Es la respuesta de Metallica a toda la polémica suscitada. Los asistentes enmudecen al ver imágenes de una típica cacería de zorros británica en la que cuatro osos armados con fusiles tirotean sin piedad a los cazadores para poner a salvo al zorro perseguido por una decena de jinetes. Los osos no son otros que los chicos de Metallica. Zas, en toda la boca. Una crítica bastante explícita a la cacería más institucionalizada y típica en el Reino Unido. En fin, juzguen por ustedes mismos…
El público enloqueció y sin dejar mucho tiempo para pensar el show arrancó con la atronadora “Creeping Death” y Hetfield gritando “Glasto, necesito que cantéis conmigo”. Tema tras tema, y clásico tras clásico la banda californiana se metió fácilmente en el bolsillo al personal, demostrando su característico poderío en directo. Entre canción y canción Metallica aprovechó para mandar mensajes del tipo: “Nos enorgullece estar aquí representando el lado más duro de la música” o “esto no es sólo por nosotros sino por todas las bandas de heavy metal que quieren estar en este escenario”.
A medida que el concierto iba avanzando, temas como “One”, “For Whom The Bell Tolls”, “The Unforgiven” o “Fade To Black” volvían a poner todas las cosas en su sitio. Metallica había vuelto a dar el campanazo en directo… Ulrich cerraba la actuación dirigiéndose al público: “Me he paseado por este festival de arriba a abajo, gracias a los que nos han traído, este es el mejor festival del mundo. Espero veros pronto”.
Haciendo un poco de memoria esta no es la primera vez que Metallica desafía a la opinión pública y toca en un lugar poco propicio o extraño para una banda de su estilo. En el ya lejano 1997 decidieron presentar su disco “Reload”, segunda parte del polémico “Load” con el que se cortaron las melenas y cambiaron de look, nada más y nada menos que en el Ministry of Sound de Londres, uno de los mayores templos de la música electrónica del mundo. Las críticas fueron furibundas…
Volviendo al presente, hace un par de semanas Metallica ha presentado un nuevo tema que podría anticipar por donde irán los tiros de su próximo disco, sucesor del exitoso “Death Magnetic” (2008). La canción se llama “Lords of Summer” y con ella los californianos dan la bienvenida al verano con su particular estilo. No es de lo mejorcito que puede dar la banda que, en su página web, señala que esta canción puede cambiar en un futuro muy cercano, o quizás no se incluya en el próximo disco de estudio que están componiendo. No es la primera vez que lanzan temas al público para testarlos, modificarlos o incluso eliminarlos. El corte fue estrenado en su actual gira “By Request” y hace poco han colgado una demo de estudio en tu canal oficial de Youtube para el disfrute de sus millones de fans en todo el mundo.
Si vamos un poco más atrás en la historia reciente de los cuatro jinetes del apocalipsis, exactamente al mes de abril, encontramos más material novedoso de Metallica como el medley grabado para el disco homenaje al fallecido James Ronnie Dio, titulado “Ronnie Rising”. Nueve minutos de homenaje a uno de los grandes de la historia del metal en el que mezclan con gran acierto los clásicos “A Light In The Black”, “Tarot Woman”, “Stargazer” y “Kill The King”.
Y si viajamos un poco más atrás en el tiempo, a diciembre de 2013, encontramos otro hito importante en la historia de una banda que lo ha conseguido prácticamente todo. Se trata de “Freeze´Em All”, un concierto especial celebrado en el Polo Sur, en el helipuerto de la base científica de Carlini, para un aforo de lo más reducido y abrigado. Con este evento Metallica hizo historia al convertirse en la única banda que consigue tocar en todos y cada uno de los continentes del planeta en un mismo año. Un recital celebrado por debajo de los cero grados en el que los músicos tuvieron que calentar, afinar y calibrar los instrumentos varias veces durante el transcurso de un concierto sin amplificadores para no interferir en la paz de la Antártida. ¿Veis como no son tan malos con el medio ambiente?
Todos los asistentes oyeron el show a través de audífonos y auriculares especiales. Diez canciones para la historia que pudieron ser seguidas por miles de seguidores en directo a través de internet. Aquí os dejamos un enlace con el concierto íntegro…
En anteriores ediciones de este blog hemos visto como algunos futbolistas se atrevían a cantar con un resultado bastante desastroso. En esta ocasión vamos a explorar otra de sus facetas artísticas: la interpretación. La verdad es que viendo los dramas y auténticas tragedias griegas que algunos protagonizan sobre los terrenos de juego nada más ser rozados, creo que esta ocasión nos quedaremos con mejor sabor de boca. La verdad es que la ocasión lo merece ya que estamos inmersos en la parte más emocionante de la Copa del Mundo de Brasil y aún no hay ningún favorito claro para el triunfo final. Es cierto que los hemos visto aparecer en videoclips oficiales y extraoficiales para eventos deportivos pero en esta ocasión vamos recordar cameos y actuaciones fuera del ámbito de influencia del fútbol. Así que no esperen ver una vez más el “La,la,la” de Shakira entre estos ejemplos. Algunos lo hacen por campañas solidarias, otros son unos enamorados de la música y los que más, amigos de conocidos artistas internacionales.
Nuestro primer protagonista es la indiscutible estrella de la selección brasileña en este campeonato del mundo, Neymar. Durante su carrera ya ha demostrado en más de una ocasión algún que otro pasito de baile al marcar un gol y la verdad es que no se le da del todo mal. Para los que lo siguen en su actual club, El FC Barcelona, no se puede negar que tiene un cierto toque “teatrero” cuando es objeto de alguna falta durante el juego. Ya lo hemos visto con Michel Teló en el archiconocido “Ai se eu te pego” y ahora os lo enseñamos como actor en el video de otro artista brasileño, Alexandre Pires. El videoclip se las trae. Probablemente no pase a la historia por su profundidad intelectual. Además, estuvo envuelto en alguna polémica racista cuando fue estrenado en Brasil. En fin, echadle un vistazo a “Dança do Kong”.
Los siguientes protagonistas son también jugadores latinoamericanos, el internacional argentino Maxi Rodríguez, y el uruguayo Diego Forlán, que hemos podido ver en acción una vez más en esta copa del mundo tras la baja de la estrella de la selección Luis Suárez por su episodio casi vampírico en el partido contra Italia. Un incidente que le ha costado una de las mayores sanciones de la historia de los mundiales por parte de la FIFA. Aun así poco pudo hacer Forlán por evitar la eliminación uruguaya en la fase de grupos. El video en el que aparecen está firmado por el argentino Coti, amante del balompié declarado. Ambos jugadores militaban en el Atlético de Madrid cuando este video fue grabado e introducen y cierran la acción que se desarrolla en el videoclip. La canción se titula “Nunca Tendré” y pertenece a su álbum “Malditas Canciones” (2009).
Saltamos al continente europeo para buscar a nuestro siguiente futbolista/actor de videoclips. En esta ocasión viajamos unos cuantos años atrás en el tiempo pero seguimos hablando del Atlético de Madrid y sus ex estrellas. Todo el mundo sabe que el cantante Dani Martín, líder de la banda de pop española El Canto del Loco, es un atlético de pura cepa y tiene buenos amigos en esa plantilla. Para su sencillo “Ya nada volverá a ser como antes”, perteneciente a su disco “Estados de ánimo” (2003), contó con la estrella del momento y jugador franquicia, Fernando Torres, como uno de los personajes principales de una historia de amor truncada junto a la conocida actriz española Natalia Verbeke. A día de hoy Fernando sigue siendo internacional, aunque España haya caído antes de la cuenta en Brasil 2014, y milita en el poderoso Chelsea de Londres bajo las órdenes de José Mourinho. La verdad sea dicha, Torres está un pelín rígido en su interpretación. Emocionar, emocionar, no emociona…
En el siguiente video que hemos elegido hay deportistas, sobretodo futbolistas, para dar y regalar. El tema se llama “Dame vida” y formó parte de un proyecto solidario del cantante español Huecco para llevar energía eléctrica y luz a los lugares más desfavorecidos del planeta a través de balones de fútbol con un diseño de lo más peculiar. En el videoclip aparecen bastantes internacionales que se la están jugando en estos momentos en Brasil y algunos otros que ya fueron eliminados. Tenemos a los españoles David Villa, Sergio Ramos y Pepe Reina por una parte. El delantero argentino Kun Agüero, el defensa brasileño Daniel Alves, y los internacionales alemanes, Thomas Müller y Philipp Lahm. También los acompañan otros deportistas de élite como el ganador de 2 anillos de la NBA, Pau Gasol, el reciente jugador de los New York Knicks, y también español, José Manuel Calderón, el tenista ATP Fernando Verdasco y el campeón mundial de Moto GP, Jorge Lorenzo. Un elenco de lujo para una buena causa…
En nuestro siguiente ejemplo el cameo futbolístico es mínimo, eso es cierto, pero también cuenta. El cantante Mika fue uno de los protagonistas de una campaña publicitaria de cervezas durante el pasado verano con una vocación de lo más internacional. En ella se contó con la presencia del ahora jugador del Real Madrid, Isco, el andaluz Joaquín y Willy Caballero, durante la militancia de los tres en las filas del Málaga en la primera división española. Por otra parte también se contó con las perlas del Athletic de Bilbao, Toquero, De Marcos, y el reciente flamante fichaje del Manchester United inglés, Ander Herrera. Hay que andarse avispado porque si no te los pierdes…
El protagonista de nuestro siguiente video ya ha declarado en más de una ocasión que su segunda gran pasión, tras el fútbol, es la música. Su nombre es Jesé Rodríguez y es uno de los nuevos valores del Real Madrid. En estos momentos se encuentra recuperándose de una grave lesión pero su vuelta a los campos de juego tras este verano será toda una realidad. El jugador canario forma parte de un grupo llamado Big Flow que se mueve por ritmos cercanos al reggaetón. Uno de sus temas más sonados es “La mano arriba”, en el que han contado con la colaboración del conocido artista dominicano Henry Méndez.
Nuestro siguiente protagonista es el famoso español DJ Wally López, buen amigo de Creation 5, con el que tuvimos la suerte de charlar hace unos meses en nuestra sección #SundaySessions. Como ya contamos en su entrevista este artista electrónico es íntimo amigo de José María Gutiérrez “Guti”, uno de los jugadores más emblemáticos y carismáticos, ya retirado, del Real Madrid. Guti es todo un gurú de la noche española, todo un icono de la marcha y un gran amante de la música. Aficionado a pinchar, tiene un sello discográfico con el que apuesta por la carrera de nuevos artistas. En este tema de su colega Wally López, titulado “You can´t stop the beat”, vemos a Guti en un pequeño cameo al inicio del videoclip. Esto es un temazo en toda regla…
Para acabar con este repaso futbolístico/artístico vamos con un jugador mágico con bastante talento para la música. Ronaldinho está en el ocaso de su carrera futbolística en el Atlético de Mineiro y en el inicio de una prometedora carrera musical. Su último éxito ha sido la composición de “Minha Nega” para su amigo Jhana. Aquí os dejamos una de sus últimas colaboraciones con el rapero Edcity. Este futbolista tiene flow, sí señor…
¡Esperad, no os vayáis aún de este artículo! Queda una última sorpresa que acabo de encontrar publicada hace tan solo un mes en Youtube. Este futbolista no podía faltar en un asunto relacionado con la música. Hablamos de Diego Armando Maradona y esta vez viene acompañado por su hija Dalma. El tema se llama “Gritándole al viento” y es obra de la banda argentina Apolo. Fue un gran futbolista, de los mejores, pero nunca será un buen cantante ni actor… Ahora sí. Hasta otra.
Luis Márquez es una de las figuras imprescindibles en la televisión del sur de España. Este periodista sevillano es una de las caras más conocidas por todos los funcionarios de aduanas e inmigración de los aeropuertos más variopintos del planeta. El motivo es que su carrera profesional lo ha llevado a convertirse en uno de los reporteros de viajes más experimentados de la televisión española. Su trayectoria vital así lo avala. Ha sido presentador durante cuatro años del programa decano del formato de programas de viajes en España, “Andaluces por el mundo”, con el que ha narrado apasionantes y exóticas historias en 30 países diferentes. En la actualidad sigue siendo carne de aeropuerto en el programa “A por Europa”, un nuevo giro de tuerca al periodismo de viajes en Canal Sur Televisión. En medio de estos proyectos le ha dado tiempo a ganar un premio Ondas, por su labor como reportero en el programa documental “75 minutos”, y a plasmar sus experiencias y reflexiones como periodista internacional en un libro titulado “Los años viajeros”.
A las hojas de su pasaporte no que quedan ni un centímetro libre para estampar más sellos. Es más que probable que conozca el nombre de pila de algún que otro funcionario de inmigración y extranjería en varios aeropuertos internacionales. Esperemos por su salud que en el futuro ningún estudio determine que los arcos de seguridad son nocivos para la integridad física porque este periodista, que hoy nos acompaña en Sunday Sessions, habrá perdido la cuenta de las veces que ha pasado a través de ellos en las decenas y decenas de aeropuertos que ha visitado. Exageraciones aparte, Luis Márquez es un periodista de raza y experiencia contrastada que ha desarrollado la mayor parte de su carrera profesional contando historias en televisión.
Tras comenzar su carrera profesional en prensa, pronto da el salto a la pequeña pantalla aterrizando en “Andaluces por el mundo”, uno de los programas más queridos y seguidos en el sur de España. Durante 4 años se dedica a contar las historias de andaluces, que han abandonado su tierra para comenzar una nueva vida en el extranjero, en varias temporadas televisivas con gran éxito y reconocimiento. Tras esta experiencia recala en el programa documental, también para Canal Sur Televisión, “75 minutos”, donde cambia los aeropuertos y destinos lejanos por los rincones más auténticos de Andalucía. Un espacio televisivo distinguido en 2013 con un premio Ondas, uno de los galardones más codiciados y prestigiosos de la televisión en España, con el que Luis Márquez se convierte en uno de los reporteros más queridos de la televisión andaluza.
Durante esta etapa de su carrera no olvida al viajero que anida dentro de su alma y saca tiempo para plasmar en un libro, titulado “Los años viajeros”, sus experiencias más notables vividas durante su etapa como reportero de “Andaluces por el mundo”. Se trata de un texto que va más allá de las meras anécdotas de trabajo y se zambulle en la realidad social y política de países como República Dominicana, Senegal, Palestina, Irlanda del Norte o Egipto.
La última aventura televisiva de Luis Márquez se llama “A por Europa”, un programa con el que vuelve a hacer las maletas para viajar por el viejo continente contando, a través de la historia personal de varios andaluces, la realidad social y económica de los países de la Unión Europea. Un programa del que se puede disfrutar actualmente durante las noches de los lunes, en horario de prime time, en la televisión autonómica andaluza.
Así que recapitulemos. Esta tarde de domingo vamos a charlar un poco sobre periodismo, televisión, viajes y, como no, música, de la mano de Luis Márquez, un periodista de vocación internacional con un gusto musical nada convencional y bastante exquisito…
¿Cómo nace en ti la vocación periodística? ¿Crees que en una sociedad de consumo tan mercantilizada como en la que vivimos sigue existiendo un hueco para las profesiones vocacionales? Pues desde pequeño mi padre me metió el veneno de la radio y con ocho años ya dormía con ella bajo la almohada. Siempre quise narrar partidos de fútbol pero cuando maduré entendí que las mejores historias estaban en otros ámbitos y por suerte he podido trabajar en prensa y programas de TV, y documentar muchas vidas por todo el mundo. Lo vocacional nunca muere, aunque cada vez dé peor de comer.
Tu carrera siempre ha estado ligada al mundo de la televisión, pero es el programa documental de viajes, “Andaluces por el mundo”, el que te lleva a convertirte en uno de los reporteros más reconocidos en el sur de España. ¿Qué ha supuesto esta experiencia en tu vida tanto en lo profesional como en lo personal? Siempre digo que entré en el programa siendo un niño que vivía con sus padres y no tenía ni pasaporte, y salí siendo un hombre con canas, maduro y repleto de sellos. Me cambió totalmente. Cada persona diferente que conoces en una cultura distinta aporta muchísimo, en lo profesional y en lo personal. Cada viaje, con todo el trabajo que tiene detrás, es un máster.
¿Tienes una idea aproximada de cuantos kilómetros has recorrido durante tu vida profesional? ¿Cuántas veces le habrás dado la vuelta al mundo? En Andaluces por el Mundo fueron 30 países diferentes y ahora en AxEuropa llevamos ya tres… y que dure mucho. No he hecho la cuenta pero en cinco años recorriendo el mundo imagino que varias vueltas le habremos dado. Algún viaje gratis de vacaciones gracias a los puntos Iberia ha caído… 😉
Supongo que habrás pasado horas y horas de espera en aeropuertos de todo el planeta. ¿Qué tipo de música te pide el cuerpo para conectar el modo “paciencia on”? Me gusta mucho el universo indie, aunque la etiqueta ya esté muriendo. Un poco de electro-pop en el viaje de ida y algo más relajado en el de vuelta…
¿Qué género musical es el que más suena en tu reproductor? ¿En qué formato y tipo de soporte sueles escuchar música? Desde que existe el Iphone casi todo lo escucho ahí. Los grupos británicos en general siempre me han atraído. El brit-pop de la adolescencia dio paso al mundo mod, al punk, al rock y ahora cualquier mezcla que no se deje llevar demasiado por lo comercial suele gustarme. Islandia aporta mucha buena música.
Fruto de tu paso por “Andaluces por el mundo” en Canal Sur Televisión ha sido la publicación de tu primera aventura como escritor titulada “Los años viajeros”. ¿Qué se va a encontrar el lector dentro de sus páginas? Se va a encontrar diez reportajes largos sobre diez destinos diversos, todos sitios donde han pasado y siguen pasando muchas cosas. Historias humanas para entender la cultura y la historia de República Dominicana, Senegal, India, Qatar, Sudáfrica, Palestina, Estados Unidos, Irlanda del Norte, Noruega y Egipto.
Promo – Los Años Viajeros
¿Cuáles son las historias que más te han marcado a la hora de escribir “Los años viajeros”? Por ejemplo, trato de explicar el conflicto entre israelíes y palestinos con la historia de Dunia, palestina de Jerusalén que se va a casar con su novio, palestino de Belén, que no puede cruzar el muro e ir a verla a su casa. En cambio, yo, que no la conozco de nada, sí puedo hacerlo. Y reflexiono sobre lo injusto de la situación. Más allá del conflicto armado, día a día hay cientos de pequeñas injusticias en esa parte del mundo.
Seguro que las siguientes preguntas no te las ha hecho nadie en tu carrera… ¿Qué ciudades del mundo recomiendas para perderse? ¿En qué ciudad fantaseaste con haberte quedado para siempre? ¡La primera vez! 😉 A veces parecemos guías de viajes o contadores de batallitas profesionales, pero la verdad es que es un placer hacerlo. Ciudades para vivir: Ciudad del Cabo, San Francisco y Berlín. Me encantan las tres. ¿Para quedarme para siempre? Muchos sitios, desde una islita en el archipiélago de San Blas en Panamá, hasta Copenhague (si fuera verano eterno) o la inevitable Nueva York.
Esta pregunta sí es algo más original… ¿Dónde has oído la mejor música autóctona? Islandia. Apenas trescientos mil habitantes y muchísimos artistas diferentes y buenos. Un invierno tan duro debe favorecer la creatividad musical. Sigur Ros, Of Monsters and Men, FM Belfast, Bjork…
Seguro que has conocido testimonios durante tus viajes llenos de alegría y positividad pero también otros muy duros y tocados por la crudeza y la miseria. ¿Qué historias te han marcado más hasta el día de hoy en tu experiencia como reportero internacional? La historia de Andy, un chico de doce años de un arrabal de Santo Domingo, que vive entre prostitutas y asesinos y acababa de perder a sus padres. Se encargaba de sus dos hermanos pequeños y pese a su corta de edad se notaba en su rostro el peso de la madurez obligada, de la maldad congénita, de la supervivencia innata. Crecer así te hace adulto prematuro, te mete en un laberinto vital del que es casi imposible salir. Un ejemplo cualquiera de los millones de niños que viven así en todo el mundo.
Tu siguiente trabajo en televisión te llevó al programa documental “75 minutos”, otro de los fenómenos televisivos con más éxito en el sur de España. No en vano en 2013 fue señalado con un premio Ondas, uno de los galardones más importantes que se otorgan en la televisión española. En este espacio cambias los destinos internacionales más exóticos por los rincones más auténticos de Andalucía. Cuéntanos un poco cuál era el espíritu de este programa y qué supuso en tu carrera… En un contexto de crisis, el programa se iba a la calle a hablar con toda Andalucía, sin máscaras. Todo a pelo, desde las entrevistas hasta la realización del programa. Se trababa de vivir las historias, más que de contarlas. El reportero sentía y padecía con el protagonista. Un periodismo extremadamente cercano que conectó perfectamente con la audiencia. Hoy el formato ha evolucionado un poco, porque en cinco años de emisión siempre hay que hacer cambios, pero respeta la esencia del 75 minutos original y aporta cosas muy buenas también.
Hemos tocado un poco en el tema de la música en otras preguntas pero me gustaría saber cuáles son tus grupos o artistas de cabecera tanto en el ámbito internacional como en el panorama musical español… Extranjeros: Oasis, Sigur Ros, Phoenix, Kaiser Chiefs, Blur, Interpol, Wilco… Españoles: Los Planetas, Lori Meyers, Niños Mutantes, Maga…
¿Cuál es tu video musical preferido y por qué? Hoppipolla, de Sigur Ros. Emoción pura. Ancianos que vuelven a la niñez. Mágico.
¿Qué grupos estás descubriendo últimamente y te gustaría recomendarnos? Fanfarlo, jóvenes aunque llevan años rodando, como la gente de Two Door Cinema Club.
Nos gustaría saber cinco discos imprescindibles en tu discoteca particular y cinco artistas a los que te gustaría entrevistar algún día… What the story (Morning Glory)?, de Oasis. Babel, Mumford and sons. Antics, de Interpol. Space Oddity, de David Bowie. Sky blue sky, de Wilco.
¿Eres de los que disfrutas más viendo un concierto en streaming en la comodidad de tu sofá o te gusta rozarte con el sudor ajeno en conciertos y festivales? Al barro, siempre al barro. Un directo potente lo mejora todo.
Estamos en CREATION 5 y para terminar nos gustaría que nos aconsejaras cinco ciudades del mundo donde la música sea su mayor seña de identidad… Reikiavik, San Francisco, Berlín, Liverpool y Dakar.
Luis Márquez ha elegido nuestras #SundaySessions esta semana, hace click aqui para el playlist.
Aunque estamos seguros de que muchos lo sabéis, antes de nada, vamos a delimitar conceptos. Primero, ¿qué es una certificación VEVO? Y segundo, ¿qué es exactamente VEVO? La primera pregunta tiene una respuesta rápida y concisa: Un certificado VEVO reconoce a un video musical que alcanza la cifra de 100 millones de reproducciones en el canal de un artista determinado en Youtube. La segunda pregunta tiene una respuesta algo más extensa que daremos un pelín más adelante. Pero sigamos con la noticia sobre Britney. Hoy en día no es difícil que un video consiga superar los 100 millones de reproducciones en Youtube, de hecho hay decenas y decenas de artistas a lo largo y ancho del planeta que lo han conseguido. Pero solo Britney Spears lo ha logrado con videos estrenados durante tres décadas diferentes. Es la reina indiscutible de VEVO.
El video que ha conseguido que la cantante estadounidense sea la primera artista en batir este record ha sido su clásico “…Baby one more time”. Esto demuestra que sus fans tienen un puntito más de megalomanía y fidelidad que el resto ya que no solo se quedan con sus estrenos más recientes sino que escudriñan en la red en busca de los orígenes de su diva.
Hay que tener en cuenta que el single ha sido más de una vez borrado de la plataforma de videos pero lo que realmente VEVO tiene en cuenta es su lanzamiento comercial al mercado. “…Baby one more time” fue estrenado en 1999 y está dentro de la década de los 90. Su certificación a día de hoy ha sido más que superada ya que el contador de visitas no para de subir y ya supera los 104 millones de reproducciones. Esta canción fue el primer single del álbum debut de Britney con el que alcanzó el estrellato internacional en el mundo del pop.
El segundo hit con el que consigue una certificación VEVO, está vez ya en la década del 2000, es “Womanizer”. El video fue estrenado en 2008 y pertenece a su sexto disco de estudio titulado “Circus”. El término hace mención al concepto en castellano de “mujeriego”. Se trata de un tema orientado a ritmos cercanos al electropop donde Britney se abandona a melodías algo oscuras y abusa un pelín de los sintetizadores. Pero desde luego si algo ha contribuido a su certificación es que se trata del primer video en el que Britney aparece completamente desnuda ante las cámaras y, créanme, eso ayuda. Actualmente su contador de visitas en Youtube va camino de una segunda certificación ya que supera los 114 millones de reproducciones.
Y por último detallamos su certificación VEVO en la década del 10. Aquí tiene más de un video dentro de esta categoría. También es cierto que el uso de Youtube es mucho más masivo que hace diez años, pero no queremos quitarle mérito artístico a la cantante estadounidense. Tenemos “I Wanna Go” (2011), “Till the Worlds Ends (2011) y “Work Bitch” (2013). Nos quedamos con este último video, incluido en su octavo álbum de estudio titulado “Britney Jean”. Sensualidad, lujo y hedonismo a partes iguales que ya superan los 113 millones de reproducciones.
Y ahora volvamos a la segunda pregunta que nos planteábamos al comienzo del artículo: ¿Qué es exactamente VEVO? Se trata de la plataforma líder en contenido de videos musicales y de entretenimiento con más de 5 billones de visitas al mes en todo el mundo. Es propiedad de Google, Sony Music Entertainment, Universal Music Group, Abu Dhabi Media Company y Arthur Music Company, más la licencia de EMI para poder reproducir sus contenidos. En pocas palabras, toda la leña en lo que a compañías discográficas se refiere. Es por esto por lo que solo encontramos cuentas VEVO para artistas de gran renombre internacional ya que sus videos están bajo licencia de alguna de las compañías ya nombradas.
La plataforma utiliza la infraestructura de Youtube y en sus fondos cuenta con más de 75.000 videoclips en formato HD, más incontables clips de materiales exclusivos de artistas, conciertos y actuaciones varias. Comenzó su andadura en 2009 en Estados Unidos, Canadá y Japón. Su razón de ser no es otra que controlar el número de reproducciones y visitas que tenían en Youtube los videos de sus artistas para de esta manera poder obtener beneficios de las firmas publicitarias justificando de forma precisa la penetración de estos contenidos.
Y después de esta clase de marketing improvisada vamos con algunos datos curiosos sobre los videos de esta plataforma.
El video más reproducido dentro de VEVO es “Baby” de Justin Bieber. Aquí os dejo el número de reproducciones porque es incluso hasta difícil de leer: 1.052.240.205. Este videoclip tiene también el dudoso honor de tener la mayor cantidad de “no me gusta” (4.001.845) de toda la plataforma.
Miley Cyrus no podía faltar en este pequeño libro de los records VEVO. Por un lado su archiconocido “Wrecking ball” tiene el record de ser el video más visto en 24 horas y su hit “We can´t stop” fue el video que menos tiempo tardó en obtener un certificado. En tan solo 37 días llegó a los 100 millones de reproducciones.
Rihanna es la artista más certificada de VEVO con 15 videoclips señalados. A pesar de esta cifra de videos tan alta no consigue quitarle el record de las tres décadas distintas que ostenta Britney. Pero me juego el cuello que es cuestión de que pasen los años para que lo consiga con una relativa facilidad.
Linkin Park acaba de publicar “The Hunting Party”, un nuevo disco con el que vuelven a su sonido más clásico. Un retorno a sus raíces más metaleras pero sin dejar de lado ese gusto por los elementos electrónicos, el punk y el hip hop, que los catapultaron al éxito en la primea década del siglo XXI. Se trata de 12 canciones nuevas con las que la banda californiana celebra su madurez artística pero rebuscando en su lado más adolescente, agresivo y transgresor. Un retorno deliberado a los orígenes con el que pretenden huir de cualquier tufo a soft-rock, indie o pop en sus nuevos temas. El disco ha salido al mercado en una versión CD sencilla y en una edición especial CD+DVD con un concierto íntegro de su gira 2012.
Han pasado tan solo dos años desde “Living Things” (2012), su último disco de estudio, y tan solo algunos meses del lanzamiento de “Recharged” (2014), su segundo disco de remezclas, y parece que Linkin Park no tiene intención de levantar el pie del acelerador. El pasado 17 de junio “The Hunting Party” veía la luz y el resultado, sobre todo para los seguidores más heavys de la formación, ha sido una grata sorpresa. Es un disco eminentemente rock y con gran cantidad de pasajes que lo acercan al thrash metal. Pero a la hora de las definiciones dejemos que sean ellos mismos los que se pongan la etiqueta. Según Mike Shinoda, una de las dos cabezas más visibles de Linkin Park, estamos ante un disco fruto de un grupo de “punk progresivo”.
Una de las canciones que mejor demuestran esa vuelta a su mágica combinación entre metal y hip hop, al más puro estilo “Hybrid Theory” (2000) y “Meteora” (2003), es el primer sencillo de “The Hunting Party”. Su título es “Guilty all the same” y cuenta con la colaboración de la leyenda del hip hop, Rakim, que presta su voz a varios versos durante el tema.
Según cuenta Mike Shinoda, las primeras propuestas para este disco estaban más en la línea de “Living Things” (2012) donde no se sabía exactamente donde comenzaba el rock y acaba la electrónica. Pero tras zambullirse en internet y leer varios artículos donde se despotricaba de la salud del rock actual y comprobar la abundancia de propuestas pop, indie y soft- rock en emisoras de “Rock”, Shinoda dio un giro a la propuesta creativa que ya tenía en marcha: “La música en la que había estado trabajando realmente no era la propuesta con la que me sentía satisfecho o siquiera se acercaba a lo que realmente me hubiese gustado estar componiendo”.
La decisión estaba tomada según Shinoda: “A mí siempre me ha gustado la música que sónicamente y líricamente era ofensiva y que no gustaba a mis padres. Tuvimos que regresar a esos momentos para poder componer este disco”. Según palabras de Brad Delson, guitarrista de la banda, “tuvimos que idear el modo de como re-imaginar todos estos elementos del pasado de la banda y traerlos al día de hoy”. Otro de los ejemplos del renacimiento del Linkin Park más clásico es, “Until It´s gone”, el segundo sencillo de su nuevo trabajo.
“The Hunting Party”, su sexto disco de estudio, es el primer álbum que está producido al cien por cien por la propia banda, además de ser su primera experiencia en grabación analógica y con mínimos cambios en posteriores jornadas de post-producción. El grupo, sin interferencias ni opiniones externas, tocando todos juntos en el estudio al mismo tiempo. «El proceso de grabación en cinta preservó lo mejor de dicha sesión y es definitivamente uno de los detalles más importantes que le dan personalidad al álbum. Hay una intimidad y una energía maravillosa cuando tocamos juntos que creo que ha sido capturada perfectamente”, ha declarado Mike Shinoda.
En el capítulo de las colaboraciones, a parte del ya mencionado Rakim en “Guilty all the same”, encontramos a varias figuras de lo más granado del rock alternativo. Por una parte tenemos al mágico guitarrista de Rage Against the Machine, Tom Morello, en el tema “Drawbar”, la contundencia metalera de Page Hamilton de Helmet en los coros de “All for nothing”, y la inconfundible voz de Daron Malakian, líder de System of a Down, en la canción “Rebellion”.
Un segundo. En este artículo faltaba algo… Faltaban las palabras del otro cantante de Linkin Park, el carismático y mediático Chester Bennington, que ahonda en la idea de cambio de planes de última hora en el momento de diseñar este nuevo LP: “ Nunca estamos asustados a la hora de enfrentarnos al nuevo material. No nos importa pensar en algo concreto o con un estilo más definido. Esta vez el foco se centraba en hacer algo con melodía, más pop e incluso más bailable, pero esa idea cambió el verano pasado. Nos dimos cuenta de que las canciones que estábamos escribiendo requerían un sonido más rock, más agresivo. Las demos originales ya iban por esa onda”. Y para que comprobéis que estos chicos han apretado los dientes de verdad con “The Haunting Party”, oíd “War”, probablemente la canción más cañera que haya grabado Linkin Park en todos sus años de carrera.
La espera para los fans de Linkin Park ha terminado, aunque en este caso ha sido más llevadera ya que la banda ha ido soltando algunas píldoras del nuevo disco en las redes sociales durante los últimos meses. Redes en las que sus seguidores se cuentan por legión, y es que hay que destacar que son el grupo musical con mayor número de seguidores en Facebook (63.623.244). Y para terminar, un tema más de “The Hunting Party” titulado “Final Masquerade”. Que disfruten…
The Hunting Party – Tracklist 1. Keys to the Kingdom 2. All for Nothing – con Page Hamilton 3. Guilty All The Same – con Rakim 4. The Summoning 5. War 6. Wastelands 7. Until it’s Gone 8. Rebellion – con Daron Malakian 9. Mark the Graves 10. Drawbar – con Tom Morello 11. Final Masquerade 12. A Line in the Sand
Todavía no tiene Creation 5? Descargarla en el App Store!
Tienen la garra y el acento del mejor rock andaluz y en su ADN trazas de un incuestionable espíritu flamenco. Con Marbella como centro de operaciones, en pleno corazón de la Costa del Sol, la banda Delola vuelve a los escenarios y a la carretera con su tercer álbum de estudio titulado “La Búsqueda”. El grupo, encabezado por el carismático guitarrista Juan Delola, firma un trabajo discográfico con una sólida base en el rock con raíces flamencas y abierto también a sonidos cercanos al pop, el funk y el reggae. “La Búsqueda” ya está en las principales plataformas digitales, y disponible para su descarga de forma gratuita en la página web oficial del grupo.
El disco, presentado de forma oficial en el Hard Rock Café de Puerto Banús (Marbella), es una clara apuesta por el directo y la fusión entre el rock y el flamenco. Delola no puede entenderse sin conocer la personalidad y la trayectoria de su fundador y guitarrista, el compositor marbellí Juan Antonio Vázquez, más conocido en el mundo artístico como Juan Delola. Gran amigo del inigualable Raimundo Amador, Juan lleva a sus espaldas más de 20 años de experiencia en el mundo de la música. Su carrera comienza en solitario vinculado al rock y a sonidos más duros, pero pronto gira sus pasos hacia el mundo del flamenco donde se forma y curte como un excepcional guitarrista en tablaos, peñas y festivales de toda España, además de viajando por diferentes países de Europa, Asia y África.
Su carrera en solitario comienza con “Anhelo”(2008), un disco de guitarra flamenca con guiños al pop/rock con el que consigue el respeto de la crítica y se da a conocer al gran público, compartiendo escenario con grupos consagrados como El Bicho, Ojos de Brujo, Macaco o Tabletom. “Anhelo” forma parte de la etapa de Delola más clásica y más técnica si cabe.
Pero es con su segundo trabajo, “Tan solo por esta noche” (2011), cuando Delola abraza sonidos más próximos al rock y los entrelaza al flamenco con una naturalidad y sencillez mayúsculas, mostrando al público su verdadera cara en lo musical y su particular interpretación del concepto “fusión flamenca” que lo diferencian del resto. Como ejemplo el primer single, que le dio nombre al disco, y otro de sus temas, el corte “Pensando en ti”.
Delola transita entre lo instrumental y los temas con colaboraciones de vocalistas. Es en “La Búsqueda” donde ha contado, en todos sus temas, con la voz de un cantante fijo. Tras actuar por diversos puntos de la geografía española y en países como Francia, Grecia, Alemania, Bélgica o Corea del Sur, y grabar al lado de grandes referentes del rock andaluz como Pepe Roca (Alameda) y Antonio Smash (Smash), charlamos con Delola sobre su nueva criatura musical. Flamenco y rock andaluz de muchos quilates.
Has lanzado recientemente al mercado “La Búsqueda”… ¿Qué busca exactamente Delola con este nuevo trabajo? Pues ante todo el poder seguir mostrando una vez más al mundo mi forma de hacer y sentir la música. Sensaciones y sentimientos transformados en canciones que espero de corazón le guste al público seguidor de Delola.
¿Cómo ha sido el proceso creativo de este nuevo álbum? Pues empecé a componerlo mientras presentaba mi anterior disco. Durante un par de años fui reuniendo ideas y dando forma a las canciones que me iban surgiendo y durante todo el 2013 fui grabando maquetas y finalmente al estudio. Suelo ser muy indeciso y no paro de cambiar cosas casi hasta el último momento. Incluso llego a grabar varias opciones de letras, solos, arreglos, etc.
¿Es un trabajo autofinanciado y de producción propia? ¿Es fácil hoy en día sacar un proyecto musical adelante? ¿Se puede vivir de la música en Andalucía hoy por hoy? Puff, la cosa esta malilla… Vivir de la música si te dedicas, te mueves y te vendes bien se puede, pero claro haciendo versiones. Vivir de tu música es bastante más complicado y casi imposible. Hay miles de grupos buscándose la vida y está muy caro el hacerse un hueco. Es muy difícil sacar adelante un proyecto musical propio ya que si después de todo el esfuerzo que requiere no le ves algo de color pues terminas aburriéndote y aflojando. Yo por ahora aguanto. Este es un disco autoproducido pero cuento con la colaboración de Hard Rock Café Marbella como patrocinador oficial y el trabajo del sello discográfico Lanzadera Music que lo han hecho muy bien.
¿De dónde bebes, dónde has buscado la inspiración a la hora de elaborar las letras de este álbum? Es algo que surge sin más, sin programarlo. Cuando viene la inspiración aprovecho corriendo para darle forma y ver si finalmente puede llegar a ser una canción. Normalmente están basadas en vivencias y sentimientos y sensaciones que tengo ante la vida y todo lo que ésta me da. Cada tema habla de algo diferente.
¿Con qué colaboraciones has contado durante la elaboración de “La Búsqueda”? ¿Satisfecho con la voz de Juanjo Alcántara? No hay artistas invitados y básicamente lo he grabado con los músicos que vienen conmigo en directo. Juanjo genial, estoy muy contento. Él lleva siendo mi cantante en directo desde hace años y siempre ha participado en mis discos. En el primero (Anhelo) como corista, en el segundo (Tan sólo por esta noche) como artista invitado en el tema «Pensando en ti”, y en este último cantando todos los temas. Tenía ganas de hacer un disco con él y aquí está por fin.
Son nueve canciones excelentes donde juegas mezclando flamenco, rock, pop e incluso funky. ¿Cuáles son las principales influencias de Delola? Soy un músico muy abierto que aprecia la buena música por encima de todo. Pero sí que es verdad que la década de los setenta me influye mucho. Led Zeppelin, The Police, Santana, Triana, Raimundo Amador, Camarón… Me encanta y me identifico mucho con todo lo que se hacía en esa década maravillosa. De más reciente me gusta mucho El Bicho, Maná, Vicente Amigo… Básicamente escucho rock y flamenco.
¿Contento con el resultado final? ¿Qué sensaciones te está transmitiendo tu público tras oír el disco? Sí, muy contento aunque cuando ya lo terminas y no puedes retocar más, siempre empiezo a ponerle pegas y cambiaría muchas cosas (risas), pero bien, estoy muy feliz. El público genial, lo está entiendo todo muy bien y ya hay muy buenas críticas. Tengo un público muy fiel. Han entendido la evolución de mi música muy bien a pesar de que muchos son de ámbito puramente flamenco.
“La Búsqueda” está disponible en todos los formatos y plataformas digitales habidas y por haber… Además se puede descargar de forma gratuita desde la web del grupo. ¿Por qué has tomado esta decisión? Era una decisión difícil pero que la tenía clara desde el principio. Hoy en día no venden discos ni los grandes con inversiones brutales en promoción. Yo no quería que nadie se quedara con la posibilidad de disfrutar de este álbum y el aspecto económico no iba a ser un impedimento. Para vender 4 discos y que lo pirateen mejor lo pirateo yo mismo. Por eso lo único que pido es que si les gusta, pues que lo compartan todo lo que puedan.
¿Habrá también CD físico para los más clásicos? Sí, por supuesto. El disco tiene un punto de venta en exclusiva que es Hard Rock Café Marbella, que es mi patrocinador oficial. Además se puede adquirir mediante pedido en la web oficial y en los conciertos.
Como músico y compositor, ¿Cuál es tu opinión sobre las continuas polémicas y discusiones sobre los derechos de autor en internet, descargas ilegales, compartir música, etc.? Pues no tengo una opinión clara al respecto. Prefiero no mojarme mucho porque no me aclaro ni yo. Pero bueno, supuestamente deberíamos ser libres para compartir algo que hemos comprado con quien queramos pero para uso privado. Lo que si me molesta profundamente es la venta de discos compactos piratas, donde se benefician terceras personas ajenas completamente a la música. Nunca compraría un disco pirata.
El primer video de este disco ya está moviéndose por la red, se titula “Pase lo que Pase”. Es todo un canto a la positividad y a las ganas de avanzar ante cualquier adversidad de la vida. ¿Cómo está funcionando este video? ¿Estás satisfecho con el resultado final? “Pase lo que Pase” es el tema elegido como primer single. Como tú mismo dices es un canto a la positividad y un reclamo de buen rollo. Pase lo que pase siempre hay que mirar al frente y tirar “pa lante”, no queda otra. El videoclip está realizado por Nono Palomino, un gran director amigo mío, y me gustó mucho su enfoque en imágenes. La gente está flipando con él y en apenas tres días ya llevamos más de mil visitas.
¿Juan Antonio Vázquez podría definirse más como rockero, como flamenco, como algo nuevo surgido de entre estas dos corrientes…? Uff, ¡me cuesta definirme hasta a mí! (risas) Llevo escuchando rock y flamenco desde mi adolescencia y me siento muy identificado con ambos estilos. Los rockeros me ven como el flamenco y los flamencos siempre me han visto como un rockero. Hay una frase que me identifica bastante que es rockero de nacimiento y flamenco de adopción. Eso lo dice todo. Tengo un espejo donde mirarme que es Raimundo Amador. Le sigo desde muy joven y me identifico mucho con él. Además tengo la suerte de que es amigo mío y hemos hablado muchas veces del tema.
Tu carrera musical no es flor de un día. Llevas muchos años trabajando y luchando en este mundo tan complicado y exigente. ¿Cómo surge Delola? ¿Cuándo decides dejar tu carrera en solitario para trabajar liderando un grupo humano? Llevo en esto de la música desde muy niño por influencia de mi padre que era batería. Mis comienzos fueron tocando este instrumento. En breve hago 20 años desde que debuté en un escenario y he dado muchas vueltas. Lo de Delola o Juan Delola surge cuando después de muchos años tocando para otros, decido por fin iniciar mi propio proyecto, basado en mis composiciones y en mi manera de entender la música. Esto sucede en 2006 al regresar de una larga estancia en Grecia trabajando en un tablao. De ahí hasta el día de hoy mi proyecto ha ido sufriendo cambios y han pasado por él mucha gente. En la actualidad dispongo de un grupo humano fantástico que creen en mí y mi música, de ahí que Delola sea actualmente una gran familia.
Eres natural de Marbella, una de las ciudades más conocidas de España en todo el mundo… ¿Qué te ha aportado esta ciudad en tu arte y en tu forma de entender la música? Es la ciudad donde he nacido, donde me he criado y donde resido desde siempre, así que siento que me lo ha dado todo. Ella me ha visto crecer en la música y moverme entre sus ambientes tanto flamencos como rockeros, pudiendo aprender, avanzar y llegar hasta donde estoy hoy. En mi primer disco hay una malagueña de guitarra dedicada a ella que se llama “Marbella, tierra malagueña”.
¿Qué significa para ti el rock andaluz y qué se mueve dentro de ti cuando oyes algún tema de grupos como Triana, Medina Azahara, Alameda…? Ufff… Me estremezco y emociono. Soy un gran aficionado y seguidor del género. He escuchado y leído muchísimo sobre él y todo lo que aconteció a aquel histórico movimiento. He tenido la oportunidad de grabar al lado de grandes como Pepe Roca (Alameda), El Manglis (Guadalquivir) o Antonio Smash (Smash), con los que tengo una gran amistad. Como anécdota contarte que Manuel Martínez (Medina Azahara) que es un colega, iba a colaborar en el disco pero por la negativa de su discográfica (Senador) no pudo ser a pesar del gran interés que tenían tanto él como Paco Ventura (guitarrista de Medina) en colaborar tras escuchar el tema que elegí para ellos. Creo que es cuestión de tiempo que Delola y Medina Azahara hagan algo juntos.
“La Búsqueda” es tu tercer trabajo de estudio. Está precedido por “Anhelo”(2008) y “Tan solo por esta noche” (2011). ¿Cómo definirías en pocas palabras tus anteriores trabajos? ¿Hacia dónde está evolucionando Delola en lo personal y en lo musical? Pues el primero “Anhelo” que es el más flamenco e instrumental de todos, cercano al concepto de guitarra solista flamenca. El segundo, “Tan sólo por esta noche” es más de fusión flamenco-rock pero desde la guitarra flamenca y con un concepto de canciones con colaboraciones vocales. El último, “La Búsqueda” es el más rockero de todos, donde la guitarra flamenca pasa a un segundo plano, predominando la guitarra eléctrica. La evolución en mi vida y música es constante. Me gusta estar siempre avanzando, tener nuevos retos y poder sacar siempre lo que llevo dentro. Actualmente el cuerpo me pide caña, de ahí que este disco sea el más rockero y cañero de todos.
En alguna ocasión te has definido como “rockero de nacimiento y flamenco de adopción”. ¿Cómo crees que los más ortodoxos en el mundo del flamenco ven la fusión que hace DELOLA? Tengo muchísimos amigos dentro del círculo flamenco purista, ya que he pertenecido a él durante muchos años siendo un gran aficionado, de ahí que siempre me han respetado y apoyado aún sabiendo que mi música se aleja cada vez mas del flamenco. A mis conciertos han venido críticos, cantaores y aficionados y siempre he recibido mucho cariño. Sé que muchos de ellos no entienden lo que hago, pero saben que lo hago de corazón y siempre respetando al flamenco, por lo que tengo su aprobación.
¿Cómo entiende Delola el término “fusión”? Que difícil es esto… No puedo renegar la fusión porque yo vengo de ella y pertenezco a ella pero si pienso que está muy desvirtuada y en muchos casos desprestigiada y maltratada. Como me dijo un buen día el guitarrista y amigo mío Juan Campos (Jarapo, Cañadú, La Carmen…) Para fusionar correctamente hay que conocer bien las músicas que fusionas. Yo defiendo con orgullo lo que hago porque conozco bien desde dentro tanto el rock duro como el flamenco tradicional. Defiendo la fusión cuando se tiene conciencia y conocimiento de lo que se está haciendo.
¿De dónde procede el nombre “Delola”? Es por mi madre que se llama Lola. Ella me ha apoyado siempre, desde niño. Cuando por fin di el paso de componer y llevar a cabo mi proyecto personal, decidí llevar su nombre por bandera y pasearlo por todo el mundo.
¿Quiénes formáis actualmente la banda? ¿Cómo es la relación entre sus miembros y quién es el que levanta más la voz de vez en cuando? Pues actualmente somos un sexteto. El Yuyu (percusión y guitarra flamenca) y Juanjo Alcántara (voz) llevan conmigo desde los inicios allá por el año 2006. El resto como Javi Herraiz (bajo), Marcos Hostos (batería) y Kiko Vega (teclas) se incorporaron hace unos 4 años y estoy encantado con ellos. En principio yo soy el productor y el que tiene la última palabra, pero siempre me gusta consultarlo todo y decidir las cosas con ellos y entre todos. Hay muy buen rollo en la banda y eso alimenta mis ganas de seguir “pa lante”.
Supongo que la actividad de la banda en estos momentos de lanzamiento tiene que ser frenética. ¿Qué planes tienes para este disco? ¿Alguna gira ya cerrada? Después de su lanzamiento lo que toca es mucha promoción. Tenemos un plan de promo nacional fuerte y en marzo hemos estado una semana en Madrid en los principales medios. Posteriormente iniciamos la gira. Estaremos por Madrid y Valladolid y por Andalucía en ciudades como Sevilla, Granada, Málaga o Marbella entre otras muchas. Hay muy buenas expectativas puestas en esta gira.
A pesar de tener un disco recién nacido en la calle. ¿Tienes ya en mente nuevos proyectos y aventuras musicales? ¡Por supuesto, eso siempre! jeje. Ya estoy componiendo lo que podría ser el 4 disco. Además soy guitarrista del cantante malagueño Chande, que acaba de fichar por la multinacional Sony Music Spain y hay prevista una gira de conciertos muy interesante.
Esto es Creation 5… Define “La Búsqueda” en tan solo 5 palabras… Sincero, dinámico, variado, rockero y flamenco por supuesto.
Delola eligieron nuestras #SundaySessions esta semana, hace click aqui para el playlist.
Llevan diez años sacudiendo el panorama del rock británico con su sonido adictivo y pegajoso. El pasado 9 de junio lanzaron al mercado “48.13”, su último disco de estudio, y su intención es estrujarlo en directo en las decenas de festivales estivales que ya tienen cerrados en todos los rincones del mundo. Es el quinto LP de la banda y su acogida en las listas de ventas ha sido brutal. Han conseguido quitarle el número uno en Inglaterra al magnífico “Ghost Stories” de Coldplay, ahí es nada. Su título no contiene ningún mensaje cifrado, ni es la cuenta atrás para el fin del mundo, ni hace referencia a un pasaje bíblico o unas coordenadas secretas… No, es algo mucho más sencillo que eso. “48:13” es simplemente la suma de la duración de las 13 canciones que componen el nuevo disco de Kasabian.
En un mundo de la música acostumbrado a buscar referencias, paralelismos y referentes, Kasabian ha sido comparado desde sus inicios con bandas míticas como Primal Scream o The Stone Roses. Pero la discografía de estos chicos de Leicester (Inglaterra) y la evolución de sus trabajos en el tiempo, los hace despegarse de cualquier otra banda de ayer y hoy gracias a la tremenda personalidad que destilan las dos cabezas más visibles de la banda, el vocalista Tom Meighan y el guitarrista Sergio Pizzono.
Este último es el que ha tomado por completo las riendas de la formación para este nuevo disco ya que la producción íntegra de “48:13” ha estado bajo su batuta. Pizzono también firma casi todas las canciones del disco en las que conceptos como “evolución” y “cambio” se han impuesto en el aspecto creativo. “Sentí que teníamos la confianza suficiente en nosotros mismos para ser más directos, más honestos con este álbum. Comencé a quitar capas, en lugar de seguir añadiéndolas”, ha señalado el guitarrista y ahora también productor de Kasabian.
Según palabras de su cantante, Tom Meighan, la máxima en la producción ha sido “menos es más”. Esto quiere decir que la producción ha huido en todo momento de sonidos barrocos y temas recargados para ir a la esencia en cada una de las canciones. “No hay mucho en el disco: solo guitarra, bajo, batería y electrónica», ha dicho el cantante en declaraciones a agencias durante la presentación del disco.
El lanzamiento del álbum coincide con los diez años en activo de la banda y viene a suceder al extraordinario “Velociraptor” (2011), un disco aclamado por público y crítica, que los consagró definitivamente como uno de los grupos indies más importantes del momento. El primer sencillo de “48:13” es quizás la cara más electrónica y bailonga del todo el disco. Su título es “eez-eh” y esto confirma que estos chicos se sintieron juguetones a la hora de titular su nuevo material…
“48:13” comienza con “Shiva”, una intro de apenas un minuto que precede a “Bumblebee”, uno de los temas con los que pretenden pegar más en directo, no en vano fue compuesta en el backstage de un concierto. Según palabras de Sergio Pizzorno “es la pistola inaugural del disco”.
Nudismo y pureza encontramos en “Stevie” a la que sigue un estado de ensoñación mágico como es “Mortis”. El disco continúa con “Doomsday”, una buena paranoia, todo hay que decirlo. “Treat” es una ida de olla rock con camisa de fuerza electrónica. Posteriormente saltamos a la correcta “Glass” para hacer un pequeño descanso con la algo cargante “Explodes”. “Levitation” no pasará a la historia del grupo pero es el preludio a la parte más electrizante del disco con “Clouds”, la ya mencionada “Eez-eh” y “Bow”. El disco se despide con la correctísima “S.P.S” para dejar un sabor de boca a rock and roll en estado puro, pero tamizado y empaquetado en los ecos de la música electrónica.
Como antes he señalado, “48:13” se ha situado como número 1 en las listas de ventas en Reino Unido por delante de los chicos de Chris Martin. Pero esta no es la primera vez que Kasabian saborea las mieles del cajón más alto del pódium. Ya lo consiguieron en 2006 con la edición de su segundo LP, titulado “Empire”, con temas como este hipnótico “Shoot the runner”.
Su siguiente número uno en la UK Albums Chart vendría de la mano de las ventas de su tercer disco de estudio, “West ryder pauper lunatic asylum” (2009), que contiene este “Underdog”, una de las canciones más coreadas durante sus directos.
Su cuarto puesto de honor en las listas de ventas británicas lo consiguen con su cuarto disco, “Velociraptor” (2011), probablemente su mejor trabajo hasta la fecha. La crítica especializada se deshace en halagos con él. Demasiados para el gusto de una banda de rock and roll… “Man of simple preasures” es uno de sus temas más celebrados junto a “Re-wired” y “Goodbye Kiss”.
Recordando todos los números uno en ventas de Kasabian hemos dejado de lado a su disco homónimo con el que debutaron en 2004. Es cierto que no llegó a los primeros puestos de las listas pero fue la primera descarga con la que la banda británica se hace un hueco en el corazón de todos los fans del rock más indie… A este disco pertenece este “Club foot”, uno de sus temas más conocidos por el gran público.
La controvertida artista está inmersa en su gira Bangerz Tour donde, naturalmente, la provocación, la extravagancia, el espectáculo y la polémica están prácticamente asegurados. Una gira, la cuarta de su carrera, que comenzó el pasado 14 de febrero en Vancouver (Canadá) y tendrá su punto y final el 28 de septiembre en Rio de Janeiro (Brasil). Como no podía ser de otra forma la cantante de Nashville sigue acaparando titulares ya sea por activa o por pasiva. Por activa ya que en uno de sus conciertos en Italia se ha mofado de la otra ex princesita Disney, Selena Gómez, cantando uno de sus temas más ofensivos, titulado “FU”, con una careta de cartón con la cara de Selena en la mano. Y por pasiva porque ha sido víctima de un robo en su casa de Los Ángeles mientras actuaba en Suecia. Los ladrones, ya detenidos, se llevaron algunas joyas y un flamante Maserati de color negro, poca cosa… Pero volvamos a hablar de lo estrictamente artístico y vamos a ver a Cyrus interpretando versiones de sus grupos y artistas preferidos. La verdad es que la chica no tiene mal gusto musical y tampoco lo hace nada mal.
Vamos a realizar este recorrido por las covers más populares de Myley en orden cronológico para que también podamos ir apreciando en su look como, poco a poco, va sepultando cualquier rastro que pudiera recordar a Hannah Montana. Viajamos al año 2008, Miley Cyrus conserva aún en su mirada la inocencia y la candidez de su popular personaje Disney. La serie está en pleno apogeo, aún quedan tres años para que la TV diga adiós a Hannah Montana. En esta época la cantante se declara fan de Cyndi Lauper y decide grabar una versión de su mítico tema “Girls Just Wanna Have Fun”.
Lo que nadie sospecha es que Cyndi Lauper, unos añitos después, fuera una de las personalidades que alzó su voz más alto para criticar la ya histórica actuación de Cyrus junto a Robin Thicke en la gana de los MTV Music Awards 2013. La cantante neoyorquina, con más de 80 millones de álbumes vendidos durante toda su carrera, llegó a decir cosas como: “Esta chica ha enloquecido”, “lo que hizo me pareció muy triste”, o “ni siquiera se podría llamar a eso arte”. Os dejamos también la canción original de Lauper, autora de otros hits históricos como “Time after time” o “True colors”, para que podáis comparar ambas versiones.
En la siguiente cover Miley se pone un pelín más profunda interpretando “You´re Gonna Make Me Lonesome When You Go” de la leyenda viva de la música, Bob Dylan. El tema estaba incluido en un lanzamiento de Amnistía Internacional titulado “Chimes of Freedom: Songs of Bob Dylan honoring 50 years of Amnesty Internacional”. Se trataba de cuatros discos con versiones de Dylan en las que podíamos encontrar a artistas como Adele, Maroon 5 o Dave Matthews Band. Allí se coló una Miley Cyrus aún muy Montana, interpretando una de las canciones más crudas y viscerales de Dylan. Nadie confiaba mucho en esta versión pero el resultado sorprendió gratamente a propios y extraños.
La joven, con tan solo 19 años en aquellos momentos, sale más que airosa de esta versión a la que da un punto country que fascina incluso a sus principales detractores. Esta canción pertenece al disco “Blood on the Tracks” que Bob Dylan grabó en el año 1975, cuando Miley Cyrus aún no era ni siquiera un proyecto en la mente de sus padres…
Seguimos en el año 2011 y Cyrus se va soltando poco a poco la melena. No es para menos porque en esta ocasión versiona “Smells like teen spirit”, el himno grunge por antonomasia. La joven artista actúa en Quito (Ecuador), y el espíritu de los noventa se apodera de ella cuando comienzan a sonar los míticos acordes de esta canción que lanzó al estrellato a Nirvana y a su carismático líder, Kurt Cobain.
Corría el año 1991 (Miley Cyrus nacería un año después) y el mundo es sacudido por el sonido de un trio de ruidosos e inconformistas melenudos procedentes de Seatle. “Nevermind” se convertiría en el himno de toda una generación y el pistoletazo de salida para el resurgimiento del rock alternativo. Al masivo éxito de Nirvana también contribuyó la cadena musical MTV que pinchó este video hasta la saciedad.
Ya estamos en el año 2012 y Hannah Montana va desapareciendo poco a poco para dar paso a una Miley Cyrus más madura, pero lejos aún de su histriónica imagen actual. La joven graba unas sesiones acústicas en las que interpreta versiones de canciones que habían marcado su vida. Este trabajo se titula “The Backyard Sessions” y una de estas canciones es “Jolene”, de Dolly Parton. Es una versión fabulosa, la joven explota con maestría su dominio de la música country, no en vano es hija de Billy Ray Cyrus, un reconocido músico dentro de este género.
La admiración de Dolly Parton por Miley no es un secreto. Es su madrina y siempre la ha defendido con fiereza ante cualquier crítica. En más de una ocasión Parton ha declarado que se ve algo reflejada en la carrera de su ahijada ya que también sufrió duras críticas en sus inicios en el mundo del country: “En su día, yo estuve haciendo las cosas en mi carrera a mi manera, vistiéndome más sexy de lo común, mostrando mi escote. Mucha gente pensaba que estaba cometiendo un error y que mi música era de mala calidad por ello”.
Estamos en el año 2013, la explosión Cyrus ya es un hecho. El mundo entero ya ha visto su lengua al aire en decenas de ocasiones y la provocación la acompaña en todos sus espectáculos. “Wrecking ball” es un fenómeno de masas mundial y su popularidad se dispara con cada una de sus apariciones en público. Pero aún hay un resquicio de seriedad y delicadeza en ella y lo demuestra en el espacio Live Lounge de Radio 1 para la BBC, donde sorprende a todos con esta excelente versión acústica de “Summertime Sadness” de Lana del Rey.
Enero de 2014, Miley Cyrus protagoniza una entrega de los conocidos MTV Unplugged donde desata toda su parafernalia una vez más. Uno de los momentos más recordados es la aparición de Madonna con la que comparte escenario. La joven cantante declara que haber podido cantar con la Reina del Pop, además vestidas de vaqueras en un rollo muy country, es uno de los momentos más felices de su vida. Pero lo que nadie se espera es Cyrus sorprenda con una versión de Artic Monkeys titulada “Why´d You Only Call Me When You´re High?”. Hay que señalar que este tema finalmente no aparece en la edición final del programa aunque si está colgado en internet.
La respuesta de Artic Monkeys a esta interpretación no se hizo esperar y sorprendentemente fue muy positiva. Su batería, Matt Helders, declaró que es una de las versiones que han hecho de su grupo que más le ha gustado. Aseguró que no estaba siendo sarcástico y añadió que ya les gustaría a ellos haber hecho algunos agudos como los cantó la ex estrella Disney. En fin… Aquí os dejamos la versión original de los británicos para que le echéis un vistazo.
Parece que el gusto por la música británica de Miley Cyrus no es casual. Si antes la hemos visto cantar por Arctic Monkeys, el pasado mes de marzo, ya durante su actual gira Bangerz Tour, se ha atrevido con “The Scientist” de Coldplay. Aquí la vemos en un video colgado por uno de sus fans en Houston (Texas). Al parecer no es la primera vez que la canta en sus directos. ¿Qué opinará Chris Martin al respecto?
Para cerrar este recorrido por el perfil más “cover” de Miley Cyrus seguimos en 2014 y nos transportamos a la última entrega de los premios Billboard celebrados en Las Vegas. Miley Cyrus estaba de gira en Europa pero eso no la frenó para aparecer en la gala con una actuación vía satélite en la que interpretó “Lucy in the Sky with Diamonds” junto a Wayne Coyne y Steven Drozd de The Flaming Lips. Y es que este clásico de los Beatles formará parte de un disco homenaje a los cuatro de Liverpool que está preparando The Flaming Lips en el que Cyrus ha prestado su voz.
Que la chica terrible del pop elija uno de los temas más psicodélicos de los Beatles no es de extrañar. Muchos dicen que esta canción es el particular homenaje al LSD (Lucy in the Sky wih Diamonds) del cuarteto británico aunque hayan repetido hasta la saciedad que el título de la canción fue tomado de un dibujo del pequeño Julian Lennon, hijo de John. ¿Será este un mensaje subliminar de Cyrus explicando el porqué de su travesía de chica angelical a desmedido icono sexual? No seamos malos, la chica está totalmente limpia… Para terminar qué mejor que esta joya de canción grabada en 1967, incluida en el “Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band”, uno de los discos más grandes de la historia de la música.
Está claro que el título de lo nuevo de una de las divas con mayúsculas, Mariah Carey, no pasa desapercibido. Se traduciría en algo parecido a “Yo. Soy Mariah… La cantante esquiva” y entra de lleno en el salón de la fama de otros títulos de discos, cuanto menos llamativos, de la artista neoyorquina como “Charmbracelet” (2002), “The Emancipation o Mimi” (2005) o “E=MC²” (2008). Dejando a un lado el particular gusto para nominar discos de Mariah, nos encontramos ante un álbum con una producción algo barroca donde la artista repite con su fórmula habitual mezcla de baladas, temas R&B, hip-hop y algo de soul. Han pasado cuatro años desde su último lanzamiento discográfico y esos son muchos años de espera para su legión de abnegados fans que han acogido con gran entusiasmo este álbum, cosa que no podemos decir sobre la opinión de la crítica especializada.
“Me. I am Mariah…” ha salido a la calle en dos versiones distintas, una estándar que contienen 14 canciones, y otra deluxe con 17. El camino de su publicación ha sido algo tortuoso ya que ha sufrido mil y un retrasos en su estrategia de lanzamiento que finalmente se produjo el pasado 27 de mayo. Y es que todo estaba montado para que 2013 fuera el año de la vuelta de Mariah Carey. Por ejemplo, la canción “#Beautiful”, con la colaboración de Miguel, iba a ser el primer single del álbum que tendría por título “The Art of Letting Go”. Esta canción es por ahora la que mejor acogida está teniendo en las listas de ventas. En ella Mariah Carey derrocha sensualidad y aprovecha descaradamente su voluptuosidad y lo pronunciado de sus curvas… También ha editado una versión, titulada“#Beautiful (#Hermosa)”, donde se atreve con el castellano. Aquí os dejamos las dos versiones…
Volviendo al tema del baile de fechas para el lanzamiento de este LP, la maquinaria de Mariah siguió lanzando avances del ya bautizado como “Me. I am Mariah… The Elusive Chanteuse” durante el año pasado como “You´re Mine (Eternal)”, una canción que pasó por las listas sin pena ni gloria, y “The Art of Letting Go”, una balada de corte clásico que iba a dar nombre al LP y que finalmente ha quedado relegada a un extra en la versión deluxe del disco.
Pero el remate de los despropósitos de marketing relacionados con este LP se lo lleva el tema “Triumphant (get´em)”, una canción compuesta y coproducida por la propia Mariah junto a Jermanie Dupri y Bryan Michael Cox, y que interpreta junto a Rick Ross y Meek Mill. El tema vio la luz en el ya lejano verano de 2012 como primer anticipo del futuro disco pero su gélida acogida y críticas lo condenaron al olvido y ni siquiera ha sido incluido en el tracklist final.
Estos últimos años, exceptuando el nacimiento de sus gemelos fruto de su enlace con Nick Cannon, no han sido precisamente uno de los mejores para la diva neoyorquina. Sus últimos proyectos musicales, y aquí hacemos otra excepción con “Merry Christmas II You” (2010), no han sido precisamente superventas. Su aparición como jurado en “American Idol” tampoco mejoró su imagen pública y su último lanzamiento musical, para la banda sonora del film “Oz, un mundo de Fantasía” con “Almost Home”, tampoco fue lo que se esperaba de ella. Pero todo esto puede cambiar con “Me. I am Mariah…”, un disco totalmente impregnado del karma de la cantante, tanto en su comentado título como en un autorretrato que la artista se hizo de niña que ha publicado en la parte trasera del CD. En fin, dejemos que ella misma explique el porqué de este momento introspectivo un pelín narcisista…
Antes de hacer un pequeño recorrido por los temas del disco en el que, aparte de Miguel, también encontramos las colaboraciones de artistas como Nas, Fabolous, Wale, Mary J.Blidge y R.Kelly, vamos a ver el último single que Mariah ha extraído de él. Lo ha publicado hace un par de semanas y se titula “Thristy”, una canción de medio tiempo R&B con un sonido más urbano de lo habitual para Mariah producida por Hit-Boy.
El álbum abre con “Cry”, una balada firmada por Jim Wright muy en la onda de lo que Carey hacía en los 90. Continúa con “Faded” donde la cantante ya saca a pasear sus famosos gorgoritos. En “Dedicated” encontramos la primera participación de la mano de Nas, uno de sus raperos favoritos. También destacamos “Money”, bajo la producción de Hit-Boy, el tema con el sonido más urbano y actual de todo el disco. “You Don´t Know What To Do”, donde canta junto a Wale, es sin duda la canción más pegadiza y con más marcha de todo el álbum.
Seguimos navegando por las canciones de “Me. I´am Mariah…” y nos detenemos en “Make It Look Good”, el primer tema que se grabó para este disco, donde podemos oír la armónica de Steve Wonder en una ración más de R&B marca de la casa. También destacamos “Supernatural”, una oda a la maternidad en toda regla donde podemos oír la voz de sus hijos Roc y Roe. Una balada con un puntito ñoño donde Carey vuelve a tirar de su capacidad vocal mezclándola con las voces y risas de sus hijos.
Otro de los platos fuertes del disco es “One More Try”, donde Mariah se atreve con una de las grandes baladas de los 80 de George Michael. “Meteorite” es la canción más experimental del disco, un tema dance-house producido por el rapero Q-Tip con el que abrió la gala de los últimos World Music Awards. El disco se cierra en su versión estándar con “Heavenly”, un tema con toques góspel que, estoy seguro, no pasará a la historia de la música.
En resumidas cuentas, y bajo mi humilde opinión, nos encontramos con un disco algo disperso, sin una personalidad clara y bien definida donde se abusa un pelín del gritito marca de la casa y se ha caído en una producción bastante barroca y recargada. Las ventas señalan a “Me. I am Mariah…” como el peor debut de la artista con tan solo 56.000 copias durante la primera semana, mientras que el grueso de los medios de comunicación insisten en destacar su título como uno de los menos acertados de la historia de la música.
Pero ella es una diva en toda regla, y como diva que se precie siempre está divina como bien ha demostrado en un reciente especial televisivo para la NBC grabado en su mansión de Bel Air, en Los Ángeles. Ella es puro espectáculo y lo hizo patente presentando varias de sus nuevas canciones en directo entre pregunta y pregunta del conocido periodista norteamericano Matt Lauer.
“ME. I AM MARIAH… THE ELUSIVE CHANTEUSE” – Tracklist 1. Cry. 2. Faded 3. Dedicated – con Nas 4. Beautiful – con Miguel 5. Thirsty 6. Make It Look Good 7. You’re Mine (Eternal) 8. You Don’t Know What To Do – con Wale 9. Supernatural 10. Meteorite 11. Camouflage 12. Money ($ * / …) – con Fabolous 13. One More Try 14. Heavenly (No Ways Tired / Can’t Give Up Now) [Edición Deluxe] 15. It’s a Wrap – con Mary J. Blige 16. Betcha Gon’ Know – con R. Kelly 17. The Art of Letting Go 18. Me. I am Mariah… The Elusive Chanteuse
Todavía no tiene Creation 5? Descargarla en el App Store!
