Estamos seguros de que no has oído nada parecido antes. Tres adolescentes japonesas con una banda de metal en toda regla a sus espaldas. El resultado no deja indiferente a nadie. Pero antes de seguir vamos a responder a las preguntas que nos hacemos en el titular. Kawaii metal es la fusión del J-Pop (música pop japonesa moderna) y el heavy metal de toda la vida, y las Babymetal son sus precursoras. Su estilo ha sido una bomba en el país del sol naciente y este verano van a protagonizar su primera gira mundial. Pero ojo, no van a debutar en un sitio cualquiera, compartirán cartel con bandas legendarias como Iron Maiden y Metallica en el próximo Sonisphere, el festival de metal más importante del planeta con sede en el Reino Unido.
La banda se forma en Japón, en el año 2010. Se trata de un producto de laboratorio puro y duro donde sus cantantes y músicos van rotando. Más que una banda es una marca aunque su actual formación es la que está dando más que hablar y prepara el salto para conquistar el mundo a golpe de Kawaii metal. Sus integrantes se denominan Sumetal, Yuimetal y Moametal, y ninguna sobrepasa los 16 años. Han lanzado varios singles con gran éxito pero solo tienen un LP en el mercado titulado “Babymetal”(2014). Pero antes de seguir hablando es hora de que veáis a qué nos estamos refiriendo, y qué mejor que en directo con uno de los singles que las catapultó a la fama en su país natal.
La carrera de estas chicas está siendo meteórica. Las reproducciones de sus videos en la red se cuentan por millones. Su primer éxito en Youtube fue el single “Doki, Doki Morning”, un video donde su sonido y particular estética ya estaban totalmente consolidados.
En Japón son unas auténticas ídolos de masas entre los más jóvenes y han conseguido hacerse un hueco incluso en los festivales de heavy metal más importantes y puristas del país nipón, como es el prestigioso Live at Budokan celebrado el pasado mes de marzo. En julio comenzarán su primera gira mundial que las traerá a Europa donde visitarán Francia, Alemania e Inglaterra, destacando su paso por el Sonisphere Festival Knebworth (5 de julio), donde compartirán cartel con lo más granado de la escena del metal internacional.
El sonido de las Babymetal orbita alrededor de varios estilos musicales, looks muy predefinidos y clichés de varias tribus urbanas. Está claro que sus cimientos se asientan sobre una potente base metalera con claras influencias de grupos clásicos del metal como Slayer y Pantera, pasando por toques Nu metal cercanos al sonido de bandas como System of a Down, Slipknot o Ministry. Tampoco dejan de lado temas más cercanos e identificables con el speed metal más melódico. Este “Megitsune”, sería un buen ejemplo de ello.
Dejando a un lado su punto más metalero, lo que hace curiosa e impactante la propuesta musical de Babymetal es, además de su puesta en escena y coreografías a cargo de sus tres vocalistas adolescentes, su acercamiento a sonidos cercanos al pop/dance al más puro estilo Britney Spears. Tampoco renuncian a samples claramente techno, con alguna concesión al hip-hop y al dupstep. Toda una mezcla explosiva bien cohesionada y muy creíble que, por supuesto, también tira de imaginario manga, otaku y de la iconografía de la poderosa industria del videojuego japonés.
En los orígenes de Babymetal no falta ni un cliché de la cultura teenager nipona. No hay que olvidar que el germen de esta banda tiene parte de su origen en algunas conocidas modelos japonesas con el clásico look de estudiante de secundaria, llevando el gakurán o el sailor fuk tradicionales, que tanto hemos visto en las películas y series de animación japonesas. Uno de sus temas más famosos tiene que ver con las aventuras y desventuras de los jóvenes nipones en el colegio. Se trata de “Ijime, Dame, Zettai”, todo un alegato contra el bullying desde el particular punto de vista de las Babymetal.
Ya son ídolos de masas en Japón y gran parte de Asia y su conquista de occidente no ha hecho más que comenzar. Los jóvenes estadounidenses están empezando a sucumbir a su sonido e imagen, por lo que lo demás, llegará solo. El fenómeno Babymetal ya está aquí. Metal y coreografías imposibles con un toque genuinamente j-pop japonés. Vaya mezcla…
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El cantante puertorriqueño, una de las voces más reconocidas y queridas de América Latina, vuelve en su mejor momento personal y profesional con el que asegura ser su disco más sobresaliente hasta la fecha. El ocho es su número de la suerte y además “8” es su octavo disco de estudio, todo un ejercicio cabalístico para dar a conocer un álbum en el que el artista ha salido de su zona de confort para explorar nuevas experiencias y sonidos. Eso sí, Luis Fonsi no abandona sus clásicos temas donde el amor y el romanticismo siempre están a flor de piel. “8” es una propuesta novedosa, con un sonido renovado y letras llenas de positividad surgidas desde el corazón. Una frase que podría definirlo bien sería: “evolución sin ruptura”.
Tras 17 años de carrera al máximo nivel de exigencia y popularidad, Luis Fonsi vuelve a estar de rabiosa actualidad con el lanzamiento del disco más maduro y la vez innovador de su carrera. “8” está compuesto por once canciones trabajadas bajo la atenta mirada del productor sueco, y ganador de varios premios Grammy por su trabajo con artistas como James Blunt o Craig David, Martín Terefe. Fonsi ha declarado que su intención era salir un poco de la rutina e innovar y para ello viajó a Londres, donde nunca había trabajo antes, para grabar este álbum. El lugar elegido fue Kensal Town, estudios por donde han pasado artistas como Adele o Arcade Fire. Fonsi afirma que las sensaciones fueron intensas y emocionantes ya que ninguno de los músicos con los que ha grabado su nuevo material conocía su música y su trayectoria.
El primer single de “8”, que ya está sonando en las principales emisoras de radio de todo el mundo, se titula “Corazón en la maleta”. Según palabras del propio Luis Fonsi: «Musicalmente es la mejor descripción del nuevo sonido de este disco. Tiene influencias vintage con un sonido moderno. Por primera vez incorporo metales, algo que no se usa mucho en el género». A pesar de que la canción trata de una ruptura sentimental, tema estrella en la discografía del artista, en esta ocasión se aborda desde un prisma divertido y claramente festivo. Fonsi explica que hay que “seguir adelante” en busca de la ansiada felicidad porque “la vida es demasiado corta para estar lamentándonos”.
Volviendo al título del disco, Luis Fonsi ha declarado que el 8 es un número que le ha dado suerte durante toda su vida. Para él significa fuerza, movimiento, equilibrio e infinito. En el apartado de las colaboraciones destacamos el tema que interpreta junto al cantante dominicano Juan Luis Guerra, titulado “Llegaste tú”. Una especie de bachata acústica dedicada al nacimiento de la hija de Luis Fonsi, Mikaela, fruto de su relación con la modelo española Águeda López.
Si de colaboraciones hablamos, no podemos dejar pasar la que protagonizó junto a David Bisbal, Aleks Syntek y Noel Schajris en el tema “Aquí estoy yo”. Se trataba del segundo sencillo de su álbum “Palabras de silencio” (2008), quizás su mayor éxito comercial hasta la fecha. La canción estuvo más de 30 semanas en los puestos de honor en el Latin Pop Songs de la lista Billboard. Vamos a recordarla…
Aunque si de éxitos comerciales hablamos, hay que hacer otro paréntesis más en la narración de las novedades de “8” para escuchar “No me doy por vencido”, sin duda alguna la canción más importante de la carrera de Luis Fonsi. Fue el primer single del ya mencionado LP “Palabras de Silencio” (2011) y pocos días después de su lanzamiento se convertía en número 1 en 16 países. Esta canción la conocemos todos, ¿verdad?
“8” acaba de salir al mercado y Luis Fonsi ha declarado que realizará una gira mundial para presentarlo en directo que comenzará entre los meses de julio y agosto. Si lo analizamos con detenimiento, a pesar de algunas innovaciones y propuestas, se trata de un disco netamente centrado en la balada pop. En los once temas de “8” se alternan baladas dramáticas como “Qué quiere de mí” o “No te pertenece”, con propuestas con más ritmo como “Anónimo”, canción que abre el disco, o el single ya mencionado “Corazón en la maleta”. El LP se cierra con “Corazón multicolor”, un tema acústico e intimista cercano al concepto “canción de cuna”.
La trayectoria de Luis Fonsi es la de una carrera plagada de éxitos. El puertorriqueño tiene en su haber un prestigioso Grammy y 5 Billboard. “Comenzaré” (1998), su disco de debut, fue ya fue señalado por la crítica positivamente y con su siguiente LP, titulado “Eterno” (2000), consigue su primer disco de oro y el reconocimiento definitivo por parte del gran público. Su primer single, “Imagíname sin ti”, llegó al primer puesto del Hot Latin Tracks de Billboard nada mas ver la luz.
“Tierra Firme” (2011) es el trabajo que precede al nuevo lanzamiento de Luis Fonsi del que os estamos dando cuenta. Un disco, no exento de calidad, pero que volvía a caer de forma evidente en la fórmula y sonido de los anteriores trabajos de Fonsi. La canción “Respira” uno de sus principales exponentes.
Aclamado por varias publicaciones como uno de los hombres más atractivos del mundo y siendo una de las figuras más internacionales de la música en español, Luis Fonsi vuelve a la carga con un trabajo que, estamos seguros, lo afianzará aún más en su papel de estrella del pop latino.
“8” – Tracklist 01. Anónimos 02. No Te Pertenece 03. Corazón en la Maleta 04. Qué Quieres de Mí 05. Somos Uno 06. Regálame un Minuto Más 07. Cansada 08. Llegaste Tú (Feat. Juan Luis Guerra) 09. Aprendí 10. Cuando Me Dejes de Amar 11. Corazón Multicolor
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José Antonio Flores es un creador y diseñador de interiores malagueño al frente del exitoso estudio de proyectos integrales JA Flores. Con Marbella como centro de operaciones, este joven artista en el arte de concebir y estructurar los espacios lleva adelante interesantes proyectos en ciudades como Londres, París, Miami, Punta Cana, Teherán y Dubái.
Con una filosofía de acción basada en el trabajo en equipo interdisciplinar y más de 15 años de experiencia, Flores es capaz de transformar por completo hoteles, clubes, impresionantes villas o viviendas, así como diseñar sus interiores con un concepto moderno e innovador en los que no puede faltar un lugar especial dedicado a la imagen y el sonido.
Esta semana, en Sunday Sessions, hemos querido contar con la presencia de un diseñador de interiores de la categoría y saber hacer de José Antonio Flores para poder charlar sobre la importancia del diseño de los espacios a la hora de disfrutar del acto de escuchar música. Nuestro protagonista nos descubrirá algunas de sus claves e ideas maestras a la hora de concebir el espacio para el disfrute audiovisual, así como sus gustos musicales y los artistas y discos que no pueden faltar en su discoteca. Música, espacios gobernados por el diseño, estética, relax… Todos los ingredientes ideales para poder disfrutar de una plácida sesión de música en una soleada tarde de domingo.
¿Qué es el diseño para ti? El diseño para mí parte desde el momento que empezamos a esbozar unas líneas, ya sea en nuestra mente o plasmándolas en un papel, y que todo este desarrollo termine en un objeto con una función determinada e infinitos usos. Ya sea para hacer la vida de las personas más fácil, o simplemente que nos sirva para su mera contemplación.
¿Cuáles son los principales proyectos que estáis llevando a cabo en estos momentos? ¿Estás presente en los cinco continentes? En este momento tenemos unos proyectos bastante interesantes, por el nivel de libertad en creación y de presupuesto que nos han brindado. Dos de ellos están en Dubái, otro en París, y por ultimo otro en Londres. Aun nos falta hacer algo en Oceanía para tocar los cinco continentes, nunca se sabe…..
¿Cuál es el principal secreto a la hora de abordar con éxito un proyecto de diseño de interiores? Por mi experiencia, una de las premisas más importantes para que un proyecto tenga éxito, obviamente, es estar en conexión férrea con todo el equipo que intervendrá en él. Lo más importante es tener una excelente armonía y feeling entre el cliente y el estudio, esto es esencial para ambas partes, con ello, nada debería fallar.
¿Cuál ha sido la innovación tecnológica, relacionada con lo audiovisual, más revolucionaria y moderna que has utilizado en un diseño? Nos apetece mucho siempre innovar en todo lo q podemos y nos dejan, siempre intentamos estar a la última en casi todos los campos que actuamos, el mundo audiovisual es bastante extenso y cambiante, obviamente siempre para mejor, lo q hoy es innovación, mañana es una reliquia en este mundo. Siempre hemos intentado trabajar con primeras firmas del sector por lo cual en su debido momento hemos innovado de alguna manera.
¿Por dónde se mueven tus gustos musicales? ¿Sueles oír música durante los momentos de trabajo y durante el proceso creativo de una intervención? Mis gustos musicales son numerosos y variados, puedo pasar de escuchar un Fado Portugués, a un tema de Coldplay y terminar con Linkin Park. La música me acompaña en mi rutina diaria, desde que me levanto y la pongo en el baño mientras me aseo, me acompaña en el coche, en el trabajo viajes, etc. Creo que para el proceso creativo es importante acompañarlo con música, es un pequeño ritual, ya que todos estos elementos sensoriales deben de participar en él.
JA Flores es un estudio integral de proyectos interdisciplinar. ¿Qué gustos musicales predominan entre los miembros de tu equipo? ¿Hay alguno que se imponga sobre el resto o un artista que suene más que otro en vuestras horas de trabajo? Mi equipo de trabajo lo componen personas de diferentes edades y obviamente conlleva a que tengamos diferentes gustos musicales, aunque para una serie de grupos hay ese denominador común. Como curiosidad, uno de mis infografistas escucha bandas musicales de películas mientras trabaja, mientras que las diseñadoras son más locas en este aspecto. Pero por norma general mientras se trabaja, apostamos todos por un estilo más tranquilo. Solemos pinchar recopilatorios como Hotel Costes, Café del Mar, Hed Kandi, y muchísimos más que incorporan grandes temas de groove, chill, y también alguno de Trip Hop como Portishead. Hay una artista que interpreta grandes temas con base de Jazz que se llama Karen Souza, ella es buenísima y nos encanta. Al igual que un descubrimiento de un chaval que toca al piano piezas de artistas de ahora, lo descubrí un día investigando por Youtube y es genial, se llama David Sides.
¿Cuál es tu artista o banda preferida? ¿Y el disco que crees que nunca debería faltar en una casa? Es una pregunta bastante difícil de responder, ya que no podría quedarme con uno en concreto, hay muchos artistas que han demostrado tener una carrera musical excelente con muchísimos e importantes temas a sus espaldas. Por nombrar a algunos diría, Phil Collins, Michael Jackson, Bob Marley y Madonna.
Y en el caso del cine, por dónde se mueven tus preferencias… ¿Cuáles son tus películas de cabecera? Bueno puedo decirte casi lo mismo que en la pregunta anterior, siempre hay películas que te marcan, ya no por la trama ni el tema en sí, sino por el momento en que la vistes, por la persona o personas que estaban a tu lado en ese instante, etc. Pero hay una película que me gusta bastante: El secreto de Thomas Crown, con Pierce Brosnan.
Recomiéndenos un material, un color, una forma… Recomendaría siempre materiales nobles como la madera y la piedra en todas sus vertientes y acabados. Hoy en día con la maquinaria y técnicas que hay, se obtienen texturas inusuales en estos materiales. Color me iría al blanco, me encanta la luz y la neutralidad que obtengo al incorporarlo en mis creaciones, es la base de mi paleta tonal.
¿Cuáles serían las características ideales de un interior/exterior para ser el lugar destinado a disfrutar de la música? Bueno, es una pregunta con muchos matices, pero obligatoriamente lo que debería tener o transmitir ambos lugares, es una armonía perfecta de luz, color, olor, y demás elementos que nos alteren nuestros sentidos para poder disfrutar con todos ellos de la música.
¿Cuáles han sido las peticiones de clientes más curiosas a las que te has tenido que enfrentar en lo que a espacios dedicados a la imagen y al sonido se refiere? Bueno, un cliente nos hizo hacer una zanja en medio de su jardín, al lado de la piscina, de la cual saliera del suelo una pantalla de cine para ver los deportes. Otro, en un ático en Dubái, nos propuso hacer en la terraza, en la planta 68, una gran pantalla para proyectar imágenes del desfile de Victoria Secret, cada vez que hiciera una fiesta con sus amigos…
¿Qué características no pueden faltar en un espacio diseñado para vivir la música y el home cinema? ¿Cuáles son las peticiones más comunes por parte de tus clientes en estos aspectos? ¿Dónde centras tu mayor interés a la hora de abordar un proyecto? Una de las características más importantes diría yo, es la acústica si de verdad se quiere disfrutar al máximo detalle. Después lógicamente acompañarla con buenos equipos de reproducción, sonido, altavoces, proyectores, pantallas, etc. Sobre las peticiones más comunes, la mayoría de los clientes quieren disfrutar de un buen sonido, para esto, estamos asesorados por las mejores firmas del sector.
¿Qué tipo y marcas de equipos de imagen y sonido, dentro del mercado actual, nos recomendarías? Dentro del mercado audiovisual, hay una serie de marcas, que siempre debes de aconsejar y prescribir en los proyectos, por fiabilidad, calidad e innovación. Pero si puedo apostar por una que reúna todos los requisitos, y sobre todo uno de los mas importante para un diseñador, valorando la estética y el gran impacto visual, sería BANG & OLUFSEN. Es una marca que crea iconos en todas sus piezas, en resumen una pieza de BANG & OLUFSEN es un signo de estatus y distinción.
¿Qué tiene de artista un profesional de tus características y en qué parte influye la inspiración a la hora de abordar un proyecto? ¿Dónde sueles buscar la inspiración? Soy de la convicción, que todas las profesiones con un ápice de creatividad, tienen algo de artista, y la inspiración es indispensable en el proceso creativo, es la luz que se nos enciende de la cual parte la idea y el consiguiente desarrollo del proyecto. La inspiración a mi modo de ver nos puede llegar de muchos sectores y vivencias, de un viaje, de una puesta de sol, de un objeto en sí mismo, de un momento, del tacto de un material, de una textura o color en concreto, creo q hay algo de romanticismo en este tema.
¿Cuáles son las estancias de una vivienda donde no puede faltar un equipo de sonido? Sinceramente soy de la opinión de que la música debe acompañarnos en todas las estancias de una vivienda, por lo cual no obviaría ningún espacio, en todos ellos hay un momento para el disfrute de la música.
¿Se puede diseñar un interior de forma que cuando el visitante lo conozca por primera vez, pueda asociarlo a un sonido, a un tipo de música…? ¿Sería posible dotar a un espacio de semejante personalidad? A todos los estilos, musicalmente hablando, lo envuelve una estética, unos signos de identidad propios de cada uno de ellos que fácilmente son reconocibles. Por lo cual, si creo, que sería más que probable de dotar a un espacio con las características suficientes, para que alguien pueda asociarlo a un tipo de música. No sería lo mismo diseñar un espacio para un amante de opera clásica, que otro para un seguidor de Metallica.
¿Cómo es la casa de un diseñador de interiores? La casa de un diseñador de interiores, no debería seguir el dicho de: “En casa de herrero cuchillo de palo”. Considero que la casa de un diseñador es como su laboratorio de pruebas y debe y tiene que transmitir su personalidad a raudales. Quizás es uno de los proyectos más difíciles, porque a veces se quiere rizar el rizo en proyectos para uno mismo.
¿Hacia dónde apuntan las tendencias actuales a la hora de diseñar los espacios dedicados a lo audiovisual? Creo que ahora, más que nunca, en el plano luminotécnico. El uso de infinitas fuentes de luz, las cuales por sus características las podamos incorporar en casi cualquier sitio, dotándolas de poder para cambiar sus tonalidades y transformar una estancia neutra en otra con multitud de sensaciones. En resumidas cuentas, son espacios cien por cien que interactúan por sí mismos.
¿Por qué has elegido Marbella como uno de los lugares para desarrollar tu labor profesional? Nací en Málaga y he pasado gran parte de mi vida en esa ciudad, pero Marbella siempre me atrajo, de adolescente venía mucho con mis amigos, y pasábamos grandes veranos aquí. Es un pequeño pueblo abierto al mundo. Por eso pensé en desarrollar mi vida profesional aquí. Jamás hubiera tenido la oportunidad de proyectar mi profesión hacia el exterior si no hubiera sido por lo que me ha brindado Marbella. En este pequeño pueblo, es donde más me siento ciudadano del mundo.
¿Cómo será el diseño de interiores del futuro? ¿Hacia dónde apunta la tecnología en el campo audiovisual aplicado al diseño de interiores? Como en moda y tendencias, prácticamente casi todo está inventado. Un año se lleva un color, una textura, un material y en unos pocos años volvemos a lo mismo, pero sí que es cierto, que en el campo de la tecnología el mundo está avanzando muy rápidamente. Si nos ponemos a fantasear, me imagino el uso en diferentes campos de ese magnífico material llamado “grafeno”, un material casi 200 veces más duro que el acero, pero muy flexible y gran conductor de energía. Tendríamos pantallas flexibles y transparentes en casi todos los lugares, chips superpotentes con el avance en otros campos que eso conllevaría. Lo que ahora es un modelo de última generación, en 10 años seguro que nos reiremos cuando echemos la vista atrás…
José Antonio Flores eligió nuestras #SundaySessions esta semana, hace click aqui para el playlist.
La mítica banda neoyorquina, con Debbie Harry a la cabeza, celebra sus 40 años en el mundo de la música. Para ello acaban de editar “Blondie 4(0) Ever”, un volumen compuesto por un doble CD con dos partes bien diferenciadas y con un título en el que se hace un claro guiño a sus 4 décadas en activo. Por una parte tenemos “Ghosts of Download”, un disco con nuevas canciones (el décimo de su carrera), y por otra parte “Deluxe Redux: Greatest Hits”, que incluye una selección de sus grandes clásicos grabados de nuevo para la ocasión. Se trata de una oportunidad inmejorable para revivir los grandes temas de esta banda o descubrir su inconfundible sonido si aún no habías nacido en la década de los setenta.
La realidad es que “Ghosts of Download” estaba listo para su lanzamiento desde hace varios meses y así lo había anunciado la banda adelantado algunos de sus temas. Pero tras una serie de inexplicables retrasos, Blondie ha decidido ponerlo en el mercado junto a un disco con sus grandes éxitos actualizados en un solo volumen. Pero como dijo Jack el Destripador, “vayamos por partes”.
“Ghosts of Download”, el material nuevo de Blondie, ha sido grabado en los estudios Mercy Sound bajo la batuta del productor Jeff Saltzman. El álbum está compuesto por 13 canciones en las que podemos encontrar interesantes colaboraciones como la de Beth Ditto, líder de Gossip, en el electrizante y festivo tema “A Rose by any Name”.
También destacan las colaboraciones del grupo de rap de Los Ángeles, Los Rakas, y los colombianos de Systema Solar. Según palabras de Chris Stein, cofundador y guitarrista de Blondie, estas colaboraciones mirando al mercado latinoamericano responden a su gran pasión por la cumbia electrónica: “En los últimos cinco años me he hecho un gran fan de la música latina moderna. Utilizan beats que me resultan muy sexys”. “Sugar on the Side” es el resultado de la suma de Blondie y los chicos de Systema Solar. ¿Qué os parece?
El apartado de las colaboraciones lo completan la cantante Keilah Baez y Felicia Dennis con una particular versión del éxito de Frankie Goes to Hollywood, “Relax”. La carismática Debbie Harry, una de las pocas artistas que sobrepasa los 60 y no esconde su edad en ningún momento (68 años), tampoco disimula su ilusión por este nuevo proyecto: “Desde siempre nuestra forma de trabajar es la misma, nos reunimos en el estudio y allí oigo ideas, riffs de guitarra y melodías intentando siempre respetar la marca Blondie. Estamos muy contentos y satisfechos con el resultado”.
El primer single oficial de “Ghosts of Download” ha sido “I Want To Drag You Around”. Se trata de un tema en cuyo clip promocional se ha contado con la aportación del conocido dibujante de Marvel, J.H. Williams III (Batwoman, Seven Soldiers, Promethea, Sandman), que además firma la portada y las ilustraciones interiores de lo nuevo de Blondie.
El otro CD que completa “Blondie 4(0) Ever” es “Deluxe Redux: Greatest Hits”, 11 de las canciones más famosas de la banda que han vuelto a ser grabadas en estudio para la ocasión. Pero, ¿por qué se han actualizado estos clásicos? La respuesta la ha dado Chris Stein, guitarrista de la formación neoyorquina, en una reciente entrevista en un diario español: “Lo único que pretendemos es ser dueños de nuestros masters. Firmamos contratos terribles al principio que nos dejaron en una situación de indefensión tremenda. Nos jodieron vivos por culpa de nuestra ingenuidad, confiábamos demasiado en la gente. No somos dueños ni de la mitad de nuestro catálogo antiguo. A partir de ahora, si alguien quiere utilizar cualquiera de las canciones que hemos vuelto a grabar decidiremos si lo permitimos o no”.
Dentro de la selección están todos sus pelotazos comerciales. Entre ellos su canción más popular, “Heart of Glass”, el tema que los lanzó a la fama en 1979 incluido en su mítico álbum “Parallel Lines”. Nuestro espíritu es un poco retro, así que os dejamos el video clásico de esta canción…
En “Deluxe Redux” tampoco faltan canciones como “The Tide is High”, “One Way or Another”, “Dreaming”, “Call Me”, “Atomic” o “Sunday Girl”. Aquí tenéis otra ración más de nostalgia con videos de época…
Mención aparte merece el tema “María”, primer single de su disco “No Exit” (1999), con el que la banda de Nueva York rompía 17 años de silencio. Esta canción supuso el resurgir comercial de Blondie y su vuelta a los primeros puestos en las principales listas de ventas de todo el planeta.
Comenzaron su carrera en 1974 pero Debbie Harry, Chris Stein, el batería Clem Burke, y algunas nuevas incorporaciones a la formación inicial, están dispuestos a seguir dando guerra y celebrar como se merece los 40 años de una banda imprescindible en la historia de la música moderna. Blondie para siempre, “Blondie 4(0) Ever”…
Blondie 4(0) Ever: Greatest Hits Deluxe Redux / Ghosts of Download 1. Heart of Glass 2. Dreaming 3. The Tide is High 4. Maria 5. Sunday Girl 6. Hanging on the Telephone 7. Rapture 8. One Way or Another 9. Call Me 10. Atomic 11. Rip Her to Shreds
Ghosts of Download 1. Sugar on the Side – con Systema Solar 2. Rave – con Miss Guy 3. A Rose by any Name – con Beth Ditto 4. Winter 5. I Want to Drag You Around 6. I Screwed Up – con Los Rakas 7. Relax – versión Frankie Goes to Hollywood 8. Take Me in the Night 9. Make a Way 10. Mile High 11. Euphoria 12. Take it Back 13. Backroom
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Era uno de los lanzamientos más esperados del año. The Black Keys, o lo que es lo mismo, el batería Patrick Carney y el guitarrista Dan Auerbach, vuelven a las trincheras con el lanzamiento de “Turn Blue”, su octavo disco de estudio en el mercado. Tras el bombazo de su anterior álbum, “El Camino” (2011), que puso en el firmamento de la música a este dúo de blues rock garajero, su nuevo material vira a sonidos más atmosféricos, oscuros y de influencia negra. Temas más complejos con letras densas en las que se pueden percibir ecos de las heridas del reciente divorcio de Auerbach, que llega a definir este trabajo como “un disco para escuchar con cascos”. La espera ya ha acabado, lo nuevo de The Black Keys sale hoy mismo a la venta.
“Turn Blue” contiene 11 canciones originales editadas bajo el sello de Warner Music. La producción ha corrido a cargo de la propia banda junto a su colaborador habitual, el conocido Danger Mouse (Gorillaz, Jay –Z, Norah Jones), que ha dotado al producto de un claro aroma funk con algunas trazas de soul y pizcas de rock psicodélico. El álbum ha sido grabado en los legendarios estudios Sunset Sound de Hollywood con alguna sesión de más en el Key Club de Benton Harbor (Míchigan) y en el cuartel general de la banda en Nashville. Curiosa fue la forma en la que se conoció la noticia de lo nuevo de Black Keys (a través del Twitter de su amigo personal, el ex boxeador Mike Tyson), y curiosa es la explicación que da el dúo sobre el título de su nueva criatura. Han declarado que el concepto “Turn Blue” podría referirse a “asfixia”, “tristeza”, “entumecimiento del frío extremo”, “un presentador de TV de un show nocturno de los 60 llamado Ghoulardi” y “todo lo dicho anteriormente”.
El primer video de “Turn Blue” se titula “Fever” y tiene una clara estética retro que muestra al vocalista de la banda en el papel de un delirante telepredicador. Según The Black Keys se trata de “una canción con un sonido sixties y un gancho arrebatador”.
Según palabra del batería de la banda, Patrick Carney, “siempre nos esforzamos cuando hacemos un disco para no repetir nuestro trabajo previo pero tampoco abandonarlo. En este disco hemos dejado que las canciones respiren y exploren ambientes, texturas y sonidos”. Que nadie espere de “Turn Blue” movimientos de cadera como con “Lonely Boy”, este álbum es algo más denso y difícil de masticar que “El Camino”. Abren con “Weight of love”, intro psicodélica donde las haya.
Lo siguiente tiene un gran tufo de soul negro y se titula “In time”. “Turn Blue”, la canción, es la primera reminiscencia al traumático y costoso divorcio de Auerbach en el disco. Juzguen por ustedes mismos… Aquí os dejamos una versión en directo grabada para el conocido programa de radio del DJ y presentador de la BBC 1, Zane Lowe.
“Year in review” es sin duda sonido Motown, mientras que “10 Lovers” es algo más fresco y desenfadado. “Bullet in the Brain” es otro de los temas que destacamos. Tiene “punch” y un aire a epopeya rockera. También hemos podido disfrutar de una reciente versión en directo…
Tras la ya cacareada “Fever”, tenemos “Gotta Get Away”, quizás la propuesta más bailonga de todo el álbum. Este trabajo volverá a reconciliar a los fans más elitistas y modernillos con los chicos de Nashville tras su irrupción en el mainstream con “El Camino” y el archiconocido video del señor negro bailando. Y es que no hay nada como hacerte popular, “pseudocomercial” y “llenaestadios” para espantar a todos los gafapastas de tu alrededor que antes morían por tus huesos.
The Black Keys nacen en 2001 pero no abrazan el éxito hasta 2010 con su disco “Brothers” con el que comienzan a saborear las mieles de la fama y el reconocimiento mediático. Culpa de ello es en parte gracias a este single, “Tighten Up”, con el que el gran público descubrió su particular sonido y envolventes melodías. Apareció en populares videojuegos, anuncios televisivos, sintonías, series de televisión y en un largo y rentable etcétera.
Pero fue con su séptimo álbum, “El Camino” (2011), con el que los chicos de Akron (Ohio) rompen todos los moldes y se transforman en una de las bandas de rock clásico más respetadas del momento. Los premios no se hacen esperar junto al aplauso unánime de la crítica. Grammy al mejor álbum de rock, Grammy a la mejor canción de rock y Grammy a la mejor interpretación de rock por “Loney boy”. Un video que fue todo un fenómeno viral y que hoy supera con creces los 34 millones de reproducciones en Youtube.
“El Camino” vendió cerca de 2 millones de copias, algo bastante raro en la era digital en la que vivimos, y los consagró de forma definitiva. Su segundo sencillo, “Gold on the ceiling” también alcanzó el número 1 en Estados Unidos con gran rapidez. Fue otro filón para poner banda sonora a multitud de productos de la industria del entretenimiento…
Turn Blue – Tracklist 1. Weight of Love 2. In Time 3. Turn Blue 4. Fever 5. Year in Review 6. Bullet in the Brain 7. It’s Up To You Now 8. Waiting on Words 9. 10 Lovers 10. In Our Prime 11. Gotta Get Away
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Son los DJ más populares del momento en España. Su conquista internacional ya está marcha. En sus sesiones no hay límites ni reglas. La máxima está clara: pasárselo en grande. Hedonismo extremo como tarjeta de presentación. Son la conjunción del catalán Edgar Candel y el turco Cumhur Jay. Sus seguidores son legión, ellos son The Zombie Kids. Su interpretación de la música electrónica es una explosión de creatividad. Eclecticismo en lo electrónico elevado a la enésima potencia donde cabe el punk, el soul, el metal o el rap.
Edgar regentaba una pequeña tienda de ropa retro en el barrio madrileño de Malasaña (Madrid). Allí fue donde conoció a Jay. Dos sensibilidades musicales con procedencias dispares pero con almas casi gemelas. Corría el año 2009 y nada hacía presagiar que estos dos jóvenes iban a sacudir de arriba abajo la escena electrónica del país. Su ascensión fue meteórica y dos acontecimientos marcan positivamente su carrera. El primero es su debut ante el gran público nada más y nada menos que en Rock in Rio Lisboa (2010). Y el segundo es la publicación de su primer sencillo, “Face”, con el que rompen todos los esquemas y hacen arder las principales salas del país. Consiguen ser número 1 en iTunes España Dance en menos de 6 meses y el video del tema sobrepasa el millón y medio de visitas en Youtube. Más tarde se convertirá en banda sonora de un blockbuster nacional y la sintonía de una conocida cerveza mexicana. Lo que va siendo todo un “pelotazo” de tema.
Su éxito, mezcla de talento, irreverencia y descaro, no pasa desapercibido para los gigantes de la música. En 2012 sacan su primer disco, “The Zombie Kids”, de la mano de Universal Music. Ese mismo año su consagración llega en los MTV European Music Awards donde son señalados con el premio al Mejor Artista Español de la temporada.
Tienen su propio sello discográfico, “Zombie Musik”, y también proyecto radiofónico, “TZK Radio”. Tienen “haters” abnegados, tías impresionantes a su alrededor, estilazo e incluso leyenda urbana a sus espaldas. Bueno, era un poco de literatura para crear expectación… No es leyenda urbana, es toda una realidad. En la fiesta de su primer aniversario tiraron 6000 billetes de un dólar al público. Casi nada…
Han comenzado el año con la creatividad disparada. Su primer lanzamiento de 2014 ha sido “My House Is Your House”, un tema oscuro y contundente firmado junto a su socio, amigo y colaborador, MC Ambush. Se trata del tercer pilar del grupo, la “voz” de TZK, un artista que ha trabajada previamente con grandes de la EDM como Afrojack, David Guetta, Hardwell y Chuckie. Esta es la primera criatura nacida bajo su propio sello, “Zombie Musik”…
Lo siguiente que han parido ha sido “Hotel Amor”, un tema con una actitud más sexy y elegante. En este caso el Electro da un giro hacia el Progressive, dando al nuevo tema un toque estimulante que mantendrá las almas cálidas y preparadas para invadir todas las pistas del país.
Pero lo más nuevo de TZK se llama “Mad Turkey”. Un tema en colaboración con BoxinBox y Lionsize, nuevos artistas bajo la protección de Zombie Musik. Este tema no es exactamente el típico “4-on-the-floor house beat” sino que sigue una línea de percusión excelente, que se inspira en el clásico “bounce beat”.
Un tema más duro y sucio en los bordes que los anteriores y con la única intención de crear una canción bailable, pero sólo apta para los más atrevidos.
The Zombie Kids lo abarcan todo. Un día pueden pinchar en las salas más reconocidas de Ibiza y al día siguiente encabezar un festival tecno, indie o rockero. Gustan a todos los públicos a los que les guste el desmadre… Ahí es nada.
¿Cómo surge la idea de The Zombie Kids? ¿Cómo y cuando se conocen Edgar y Cumhur? Madrid 2009. Sentíamos la necesidad de dar un paso adelante en la música de club de nuestra ciudad. Parece ser que la cosa gustó y gracias a ello hemos podido llevar nuestro sonido a muchos rincones del planeta, todo un privilegio y un honor 🙂
¿Cuál es tu trayectoria vital respecto a la música Edgar? ¿Cómo se apodera de ti ese gusanillo? Llevo en esto desde la adolescencia, integrando bandas de HxC y Punk, haciendo radio, Hip Hop, etc… Podemos decir que la música ha estado siempre muy presente a lo largo de toda mi vida.
¿Cómo acabas en Madrid Cumhur? ¿Qué te atrajo de nuestro país? El amor… 😉
¿Qué os hace tan especiales y diferentes del resto? ¡Eso es confidencial! ¡No podemos desvelar nuestro secreto! (risas). Sin bromas, no creo que seamos diferentes ni especiales, sólo hacemos lo que nos gusta.
En vuestras influencias cabe el punk, soul, rock, hip-hop… ¿Cómo definís vuestro sonido en pocas palabras? Lógicamente, al haber estado vinculados a la música toda la vida, nuestras influencias son muy diversas, y quieras o no esto se releja en la música que haces, pero actualmente nuestro sonido lee mucho del house o el electro, aunque insisto que nuestro modo de entender estos sonidos son muy personales.
En 2012 irrumpís como un rayo en la escena musical con vuestro primer trabajo homónimo. ¿Cómo valoráis el éxito que tuvo y todo lo que os ha pasado desde entonces? Estamos felices de poder levantarnos cada día con la ilusión de seguir luchando por este proyecto tan bonito, cada vez llegar a más público en nuevos países,… Pero no solemos mirar hacia atrás, nos gusta mirar siempre al futuro, un futuro que esperamos siempre con mucha ilusión.
Vuestro mayor éxito hasta la fecha es “Face”, un temazo en toda regla lleno de fuerza y energía. Con más de 2 millones de visitas en Youtube os abrió las puertas al gran público y a los medios de comunicación. ¿Cómo nació este tema? ¿Quién firmó el video y la estética que podemos ver el él? El video, como casi todos nuestros demás trabajos audiovisuales, está realizado por Costa, que es miembro activo de nuestro colectivo, ‘Face’ ya está cerca de los 3 millones de views en Youtube, con las voces de nuestro hermano Aqeel y la coproducción de Ikki. Fue algo que nació de modo muy espontáneo en el estudio de Madrid, un miércoles de invierno antes de asistir a lo que en aquel momento era nuestra fiesta estrella ‘Zombie Club’. Ya han pasado algunos años desde entonces y son muchos los festivales donde ha sonado Face, y aun así, sigue siendo muy solicitada por nuestros seguidores, se ha convertido en uno de nuestros pequeños himnos…
Habladnos de la experiencia que supuso imponerse en los MTV Europe Music Awards 2012 como “mejor artista español”… Que se reconozca tu trabajo siempre es un honor. Seguimos trabajando para poder seguir cosechando éxitos y sobretodo, disfrutando del camino. Mi hermano “Mucho Muchacho”, hace ya bastantes años, decía que lo mejor de todas las cosas no es tenerlas, es conseguirlas, y lo mejor de conseguirlas, es tenerlas.
Sois residentes en algunos de los mejores clubes del mundo como Amnesia, Space, Privilege o Razzmatazz. ¿Dónde se puede ver a los TZK más auténticos y desfasados, en los clubes y discos o frente a miles de personas en los festivales? Cada espacio tiene su magia, a mí personalmente (Edgar), disfruto mucho tocando en pequeños clubs, vengo de la música HxC y Punk, donde son habituales los pequeños aforos y espacios reducidos, dónde la energía generada entre músico y público es brutal. Adoro los pequeños clubs llenos hasta la bandera, es cierto, pero también lo pasamos como pequeños niños al tocar en grandes festivales, con enormes aforos como Ultra o Arenal Sound, donde hay más de 50.000 personas entonando el mismo himno te hacen temblar hasta los testículos.
¿Cómo está funcionando el Zombie Club? ¿Sigue siendo el epicentro de todo lo que se mueve alrededor de vosotros? Debido a la alta demanda de actuaciones solicitadas nos vimos obligados, por falta de tiempo, a dejar aparcado el Zombie Club, un club semanal anual necesita mucho cariño que unos DJs como TZK no podíamos dar más. Nuestra misión ahora es tratar de hacer bailar gente a lo largo de todo el planeta 🙂
En más de una foto hemos visto a Cumhur con camisetas de los reyes del metal, Metallica. Por curiosidad, ¿eres fan de la banda o es postureo metalero? Somos fans absolutos de Metallica, tanto Jay como yo (Edgar), la primera vez que les vi en directo fue en la gira del Black Album en el Palau Sant Jordi de Barcelona. No sólo somos fans de Metallica, también de Slayer, Motorhead, Megadeath, Suicidal Tendencies, Earth Crisis, Snapcase, Panetra, Entombed, Carcass, y un largo etc…
¿Qué os parecen las múltiples etiquetas con las que siempre se trata de ordenar todo lo que surge en la música electrónica? Es completamente normal, en los años 70 existían 3 estilos, ahora más de 3.000. Si no tratamos de catalogar estos géneros, ¡sería absolutamente caótico! Debemos, al menos, agrupar sonido. Eso no quiere decir que seamos tan simples de renegar de ciertas etiquetas sólo por que sea una cosa u otra, debemos sentirnos libres de decidir qué es lo que nos gusta sin estúpidos prejuicios…
¿Cuáles son vuestros principales referentes en lo musical y en lo estético? Creo que en el 2014, tener sólo uno o dos referentes es cuanto menos extraño… Nos sentimos influenciados por un montón de artistas, tanto clásicos como de la actualidad, ya pertenecemos a la generación internet, la cual con un par de clics accedes a miles de nuevas bandas de todo el planeta. Sentimos admiración por clásicos de la electrónica como Carl Cox, o del Punk como Rancid, con jóvenes del Hip Hop US como Asap Ferg, Wiz Khalifa o clásicos como Nas, Mobb Deep,… También nos interesa mucho el Chicago House o el Garage… ¡En fin! Son muchos los refrentes musicales y estéticos que tenemos en nuestras cabezas.
¿Qué suena en vuestros coches mientras viajáis, mientras estáis en la ducha…? Hoy Ty Dolla Sign… Mañana todavía no lo sé… 😉
¿Vuestra película de cabecera, disco, cómic, libro, video en youtube…? ¡Muchísimo! Como te he dicho, no somos chicos de un solo artista, creo que tanto la música, como el cine, como la literatura, tienen sus momentos…
¿Tenéis algún tipo de manía o ritual antes de comenzar una sesión? No por el momento…
¿Cómo definiríais el grueso de vuestro público, qué nos podemos encontrar en una de vuestras actuaciones? Mucha energía y ganas de pasarlo bien, de enamorarse y de bailar, muchísimas chicas preciosas y bastante mezcla de edades y estilos. Es lo que siempre nos ha caracterizado mucho, un público maravilloso.
¿Qué significa Ibiza para ustedes? Tenéis legiones de seguidores y algunos “haters” bastante ruidosos. ¿Qué opináis de este tipo de gente cuyo único aliciente en la vida es el despelleje ajeno? Es una suerte poder tener Haters. Realmente sería muy aburrido el mundo de la música sin Haters… ¡Todo el mundo pensando igual seria un horror!
¿Cuál es vuestra radiografía de la música electrónica española actual? ¿Tenemos algo parecido a una industria o cada uno hace la guerra por su cuenta? Nosotros llevamos algún tiempo intentando luchar por crear una escena electrónica más unida es nuestro país. De hecho acabamos de lanzar nuestro propio sello discográfico, pensado para dar apoyo y soporte a nuevos artistas nacionales. Creemos que con la aparición de nuevos sellos como el nuestro Zombie Musik o Zoombeats, de nuestro hermano JP Candela y Juanjo, podremos ver muy pronto los resultados.
Mucha gente os califica como los amos de la noche española. Ven los fajos de billetes, decenas de mujeres guapas y ligeras de ropa… ¿Qué hay de todo eso en el día a día de músicos como ustedes? ¿Es una pose, una filosofía de vida, una forma de entender la música, una cultura…? Son historias que la gente y sobretodo la prensa se ha encabezando en intentar hacer reales, pero lo cierto es que solo somos unos soñadores que amamos lo que hacemos. Nos vestimos como nos gusta, hacemos música para bailar, y tratamos de ser muy felices, ya que la vida tampoco es muy larga así que la intentamos disfrutar al máximo, sin conflictos, solo somos unos soñadores.
¿Qué pondríais en vuestra receta para la que sería la “fiesta ideal”? ¿Una playa en Ibiza? ¿Un barco en Jamaica? ¿Muchas chicas preciosas y todos mis colegas? Tampoco debemos tratar de ser demasiado trascendentes, una fiesta, es una fiesta, y todos sabemos a lo que vamos. 😉
Año 2010. Zombie Club en su fiesta por su primer aniversario. 6.000 billetes de 1 dólar volando por los aires. Muchos dicen que es una leyenda urbana… ¿Qué pasó realmente ahí? ¿Una leyenda urbana? Si es así deberíamos repetirla… (risas) Tenemos la suerte de poder decir que nuestro proyecto TZK salió a pedir de boca desde el minuto 0, el primer año fue realmente mágico, gracias a que habíamos tenido un público excelente, los propietarios de la sala donde se hacia Zombie Club, la actual sala Marco Aldani, nos propusieron contratar a un artista internacional para nuestro 1er aniversario. Ahí fue cuando tuvimos la idea de, en lugar de contratar a dicho artista, tirar ese cache que teníamos destinado al DJ a nuestro público y así devolver la energía que nos habían transmitido a lo largo de todo ese año… Fue una experiencia maravillosa, de la que todavía se habla, así que si alguien cree que es una leyenda urbana creo que es el momento de repetirlo!! 🙂
¿Os sentís cómodos con etiquetas que os colgado como “revolución de la noche madrileña”, “llena pistas”… etc…? Por supuesto que si, me preocuparía escuchar que se nos llama los «vacía pistas» o cosas parecidas (risas). Gracias a dios y espero que al trabajo que realizamos nuestras pistas están casi siempre SOLD OUT.
¿Cómo se pasa de rezmezclas de GNR y RATM a las discos de pompa de Ibiza y a festivales indie sin morir o perder la identidad por el camino? Creo que cada vez hay más mezcla, y eso hace que artistas como nosotros podamos tener tanto cabida en festivales indie como en clubs como Amnesia Ibiza, por poner un ejemplo. Como te he dicho antes, ahora la mezcla de estilos es infinita, y eso aporta una variedad que a mí me parece muy interesante.
¿Qué proyectos de futuro le esperan a The Zombie Kids? Un montón de nuevos lanzamientos verán la luz en los próximos meses, colaboraciones con artistas internacionales como Waka Flocka Flame y French Montana, R3hab, Apster, y un largo etc. Nuevas giras en America, Latinoamerica, o Asía, cosas que todavía no podemos ofreceros fechas con exactitud pero que muy pronto iremos anunciando en nuestras redes sociales.
“Hotel Amor” es vuestro primer tema de 2014 y segundo dentro de vuestro nuevo sello discográfico Zombie Musik. ¿Cómo valoráis el resultado final de este nuevo material? Estamos realmente felices con los primeros resultados del lanzamiento, el señor Steve Angello acaba de pinchar Hotel Amor en su programa de radio para BBC1, y está funcionando muy bien en las pistas, muy pronto os presentaremos el video y su versión Vocal…
¿Tiene algún tipo de continuidad con vuestro primer lanzamiento con vuestro sello, “My house in your house”? ¿Qué tal está funcionando Zombie Musik y qué proyectos alberga actualmente? Muchos lanzamientos de nuevos artistas como Several Future, Box in Box, LyonSize, también Ikki tiene su EP preparado para el sello, etc etc…
Vuestros números en las redes sociales son importantes, más de 82.000 seguidores en Facebook y 40.500 en Twitter. ¿Sois muy activos en las RR.SS? ¿Sentís algún tipo de presión al respecto? ¿Creéis que son una buena herramienta para la difusión de música? Nos encantan las RR.SS, son una gran herramienta que nos permite realizar un contacto directo con nuestros seguidores, lo que nos permite comunicar con gran facilidad…
The Zombie Kids han elegido nuestras #SundaySessions esta semana, hace click aqui para el playlist.
Lana del Rey es la diva del pop emergente. Su voz tiene un sello único en la escena musical actual. Todos sus proyectos están envueltos en una atmósfera especial, difícil de calificar, llena de misterio y capaz de transportarte a lugares inquietantes y sombríos. Cuatro años después de su debut discográfico con “Lana del Rey a.k.a. Lizzy Grant”, y dos tras su mayor éxito, el LP “Born to Die”, lo nuevo de Lana del Rey está a puntito de salir al mercado. Pero, como todo lo que rodea a la cantante neoyorquina, la fecha final de su lanzamiento es aún un misterio.
La fecha inicial para la salida al mercado de “Ultraviolence” era el pasado 1 de mayo pero según fuentes cercanas a la cantante, fue ella misma quien quiso posponerla para dejar listos los últimos flecos y retoques de la producción. La siguiente fecha que se ha barajado, según varias publicaciones especializadas norteamericanas, ha sido el 2 de junio. Pero la realidad es que tanto la artista como su compañía discográfica están dando escasísimos detalles sobre el nuevo material y se han limitado a decir que el disco verá la luz durante este mes.
De lo que sí estamos seguros es de cómo suena lo nuevo de Lana del Rey. El primer adelanto de “Ultraviolence” ya está colgado en su página oficial de Youtube y se llama “West Coast”.
La producción del álbum corre a cargo del prolífico Dan Auerbach, integrante de la banda The Black Keys. La grabación de “Ultraviolence” se ha llevado a cabo en los estudios Easy Eye de Nashville (Estados Unidos) donde, según declaraciones de Auerbach a la revista Mojo, ha habido alguna que otra discusión creativa: “Había momentos en los que nos peleábamos. Podía sentir que ella no quería que hubiera nada fuera de su control. Estoy seguro de que es muy difícil ser una mujer en el negocio de la música. Así que chocamos nuestras cabezas un poco, pero al final del día siempre acabábamos bailando con las canciones”.
Más interesantes son las pocas palabras que hemos encontrado en la red sobre “Ultraviolence” de la propia Lana del Rey: “Cuando la gente me pregunta sobre Ultraviolence, realmente no sé qué decir. Uno de los aspectos más recurrente es una reconocible y tangible atmósfera dark. Es tan intensa que en algunos momentos hace al disco casi imposible de escuchar”. Siguiendo con esa idea de ambientes oscuros y tenebrosos está la última colaboración de Lana del Rey con el mundo del cine. Su voz en “Once Upon a Dream” será el tema principal de la banda sonora del último lanzamiento de Disney, titulado “Maléfica”. Un film protagonizado por Angelina Jolie que se estrenará el próximo 30 de mayo donde se revisa el mito de la Bella Durmiente. Fue la propia Angelina Jolie la que solicitó la implicación de Lana del Rey en el proyecto. Aquí está el resultado…
Esta no es la primera colaboración de Lana del Rey con Hollywood ya que también participó en la banda sonora del remake de la película “El Gran Gatsby” (2013), dirigida por Baz Luhrmann y protagonizada por Leonardo DiCaprio. Su aportación fue la composición de “Young and Beautiful”, todo un temazo capaz de transportarnos a una realidad oscura, inquietante y decadente.
A pesar de que la fecha de lanzamiento de “Ultraviolence” sigue siendo un misterio, Lana del Rey ya habló de su existencia al gran público en diciembre de 2013. Lo hizo durante el discurso previo al estreno de su cortometraje “Trópico”. Un pequeño film de menos de treinta minutos dirigido por Anthony Mandler en el que la cantante pone imágenes a canciones de su disco “Born to Die” (2012). En el corto Lana del Rey y el modelo afroamericano albino Shaun Ross interpretan a Adán y Eva en el jardín del Edén. Allí interactúan con personajes tan dispares como Jesucristo, Elvis, John Wayne y Marylin Monroe. Nos os cuento más, echadle un vistazo ustedes mismos…
Lana del Rey se dio a conocer ante el mundo en 2011 a través de un video que subió a Youtube, producido y grabado por ella misma, titulado “Video Games”. Su alta viralidad y número de reproducciones fueron el impulso definitivo a su carrera.
A partir de ahí su inconfundible sonido, mezcla de pop alternativo, rock y música indie, junto a campañas relacionadas con la moda, como la que protagonizó para la firma H&M, la llevan directamente al estrellato. Su disco “Born to Die” (2012) se convierte en todo un superventas gracias a temas como estos…
“Resurrection”, su último disco de estudio con temas originales, lleva algo más de 24 horas en el mercado. La nueva apuesta de Anastacia se centra en el estilo y el sonido que la hicieron famosa durante la primera década de este siglo. Grabado en Los Ángeles, cuenta con 10 temas en su versión estándar y 14 en una edición especial de lujo. El sexto LP de la cantante de Chicago pone fin a 6 años de sequia creativa tras las canciones originales de “Heavy Rotation” (2008). La chica rubia, con alma y voz afroamericanas, ha vuelto a los escenarios con más fuerza que nunca para recuperar su puesto en el Olimpo del pop rock mundial.
El primer single que ha lanzado al mercado de este nuevo trabajo se titula “Stupid Little Things”, un tema contundente en el que Anastacia apuesta por un sonido pop rock, con tintes de soul, en el que encontramos una letra llena de vitalidad y actitud positiva ante la vida. “Escribir canciones me ayuda a ir más allá en los malos momentos”, ha declarado Anastacia. “Sólo el hecho de ser capaz de contar mi historia es de gran ayuda. ´Stupid Little Things` trata sobre no pensar demasiado en todo y no dar demasiada importancia a las pequeñas cosas”. Palabras que refuerzan la actitud de las últimas apariciones públicas de la cantante en campañas de sensibilización en torno a enfermedades que ella misma ha padecido como el Crohn y el cáncer de mama.
Con 24 años de carrera a sus espaldas y millones de discos vendidos en todo el planeta Anastacia, que hace tan solo un año anunciaba que se había sometido a una doble mastectomía consecuencia de una recaída en su enfermedad, vuelve con ánimos renovados a recuperar su espacio en el mundo de la música tras superar todos sus problemas de salud. El último video en el que pudimos disfrutar de su presencia fue una propuesta comercial de la marca de coches Skoda en 2012. Su título, “What Can We Do (Deeper Love)”, una canción editada en dos versiones distintas, una de ellas en clave electrónica junto al conocido DJ Tiesto y otra netamente pop. Hemos optado por enseñaros la segunda a ver qué os parece…
Anastacia irrumpió en la escena mundial con su álbum debut “Not Than Kind” (1999). Más de 7 millones de copias vendidas en todo el planeta encumbraron a la cantante norteamericana. Su primer single, “I´m Outta Love” alcanzó el número 1 en casi todos los países europeos, Australia y Nueva Zelanda. También es cierto que su acogida en su país natal fue más bien tibia pero su repercusión en el viejo continente y Oceanía, hicieron que su ascenso y popularidad fueran meteóricos.
Fue con su segundo álbum, “Freak of Nature” (2001), con el que consigue la consagración tanto en Estados Unidos como en el resto del mundo. El estilo de Anastacia se consolida y su presencia se vuelve imprescindible en los principales programas de televisión, eventos deportivos, festivales y salas de conciertos del mundo entero con temas como este “Paid My Dues”.
Este segundo trabajo contiene su mayor éxito comercial hasta la fecha, “One Day In Your Life”, con el que consigue su primer número uno en su país natal.
Otro de los temas de este LP, “Love is a Crime”, consigue colarse en banda sonora de la oscarizada “Chicago”, film musical dirigido por Rob Marshall en 2002 protagonizado por Catherine Zeta-Jones, Renée Zellweger y Richard Gere. Las puertas de la industria del cine se le abren de par en par…
Poco después, en 2003, Anastacia es diagnosticada de cáncer de mama por lo que la carrera de la artista sufre un parón drástico hasta el lanzamiento de su siguiente trabajo discográfico titulado “Anastacia” (2004). Un disco en el que la cantante da a su repertorio un toque más cercano al rock al descubrir su potencial en este género tras participar en el histórico concierto “46664 Nelson Mandela”. El primer single, titulado “Left Outside Alone”, se convierte en número uno en países como Australia, España, Suiza e Italia. El Single vende nada más y nada menos que 4.600.000 copias y se convierte en uno de los himnos de la década. Se trata del último megaéxito de Anastacia hasta la fecha ya que los problemas de salud vuelven a interrumpir su carrera profesional.
Tras 4 años apartada de la música vuelve a la palestra con “Heavy Rotation” (2008), un álbum que no tuvo la acogida esperada y cuya repercusión fue bastante discreta. Su siguiente trabajo discográfico tampoco se convierte en el éxito esperado aunque también es cierto que sirve como calentamiento para este “Resurrection” que acaba de ver la luz. Se tituló “It´s a Man´s World” y recogía versiones de clásicos del rock como “Back in Black” de AC/DC, “Sweet Child o´Mine” de Guns N´Roses, “Dream On” de Aerosmith, o este “Ramble On” de los míticos Led Zeppelin.
Resurrection – Tracklist 1. Staring at the Sun 2. Lifeline 3. Stupid Little Things 4. I Don’t Want To Be The One 5. Evolution 6. Pendulum 7. Stay 8. Dark White Girl 9. Apology 10. Broken Wings [Deluxe edition] 11. Other Side of Crazy 12. Oncoming Train 13. Resurrection 14. Left Outside Alone – Part 2 15. Underdog
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Es una de las voces más potentes y portentosas en español del panorama musical. Ídolo de masas a ambos lados del Atlántico, la española Mónica Naranjo ha anunciado la publicación de su nuevo trabajo, bajo el título “4.0”, para el próximo 6 de mayo. Un lanzamiento discográfico que vendrá acompañado de una espectacular gira con la que se celebrará el 40 cumpleaños de la cantante y sus más de dos décadas de carrera artística.
“4.0” contiene diez nuevas versiones de los grandes éxitos de Mónica Naranjo reinterpretadas en clave electro-rock. Temas en los que las bases rítmicas de guitarra adquieren un protagonismo absoluto. Según sus propias palabras, se trata de versiones “radicales” de sus canciones más conocidas: “Los éxitos que a mí me han parecido más significativos, adaptados con nuevas programaciones, desde un punto de vista más alternativo”.
Se trata de un paso más en la nada ortodoxa carrera de la cantante, marcada por una clara valentía artística, capacidad de sorpresa y reinvención de su propia imagen. Una oportunidad inigualable de volver a disfrutar de su estratosférico torrente de voz, en un trabajo con el que vuelve a ser actualidad tras su reciente transformación en estrella de televisión en varios programas de emisoras españolas.
“Sólo se vive una vez” es el primer single de “4.0”. Una nueva versión de un tema que vio la luz por primera vez en su álbum de debut, “Mónica Naranjo” (1994), transformado al electro-rock, dotándolo de más fuerza y contundencia que su versión original. El single está en el mercado desde el pasado 1 de abril y su video aún está en fase de edición. Para ello Mónica Naranjo ha pedido la colaboración de sus fans a través de su perfil oficial de Facebook.
Aquí os dejamos un avance de cómo sonará “Sólo se vive una vez, 4.0” junto a su video original, donde Mónica Naranjo aún lucía ese look con media cabellera rubia y media morena tan característico, con el que arrasó a mediados de los noventa tanto en México como en España.
Esta revisión de los clásicos de Mónica Naranjo ha sido grabada entre Barcelona y Glasgow. La producción, los arreglos y la mezcla han corrido a cargo de de Chris Gordon, colaborador habitual de la cantante desde su disco “Tarántula” (2008). La masterización, responsable del particular sonido que caracteriza a este álbum, es obra de Emily Lazar, una de las pocas artesanas en esta materia que quedan en el mercado, responsable del sonido de bandas como The Killers, Garbage o Chromeo.
“4.0” también incluye el corte “Make you rock”, un single previo a la grabación de este disco publicado a través de la plataforma de edición de música para internet, Community Beat, con la que Naranjo está colaborando.
Según la página web oficial de la cantante, su gira conmemorativa comenzará a finales del mes de junio y la llevará por las principales ciudades de España hasta principios de octubre. Un montaje, que tendrá tintes circenses y teatrales, con el que Mónica Naranjo volverá a los escenarios tras su exitoso paso por la TV española como jurado en espacios como “Tu cara me suena”, “El número 1”, o su debut como presentadora en solitario en “¡A bailar”!
El éxito de Mónica Naranjo no ha sido flor de un día ya que tuvo que emigrar a México para poder lanzar su primer disco al mercado. Pero fue con su segundo trabajo, “Palabra de Mujer” (1997), con el que consiguió ser profeta en su tierra y arrasar en las listas de ventas también en España. El responsable, el segundo single de dicho trabajo titulado “Desátame”.
Su éxito internacional se consolida con “Sobreviviré”, un potente tema, producido por el ex Roxy Music Phil Manzanera, incluido en su tercer álbum de estudio “Minage” (2000).
Otros de los temas más conocidos de la cantante, también reinterpretados en “4.0”, son los singles “Europa” y “Amor y lujo”, ambos pertenecientes a su LP “Tarántula” (2008). Un disco que protagonizó su gira más sonada hasta la fecha, “Tarántula Tour”, con la que posteriormente sacaría al mercado un CD + DVD bajo el título “Stage” (2009) con el que estuvo nueve semanas en cabeza en las listas de ventas logrando un disco de platino.
Esta expresión entre exclamaciones va a ser lo que penséis cuando descubráis algunas de las extrañas colaboraciones que se han dado en el mundo de la música, y que a continuación os vamos a detallar. Duetos sorprendentes que ni las mentes más perversas y maquiavélicas podrían haber imaginado. Atentos porque habrá videos que jamás podréis borrar de vuestras mentes… El que avisa no es traidor.
El primer ejemplo podría ser obra del propio Víctor Frankenstein. Una criatura fruto de una mezcla ente el rapero afroamericano más poderoso e influyente del mundo, un grupo de rock amante de los samples y la electrónica y un ex de los Beatles. O lo que es lo mismo, Jay Z, Linkin Park y Paul McCartney interpretando el hit “Numb/Encore” en un curioso medley con el clásico “Yesterday”. Si te lo cuentan no te lo crees…
La siguiente colaboración podría, perfectamente, formar parte de una hipotética secuela de Encuentros en la Tercera Fase de Steven Spielberg. Sir Elton John, todo un “lord” inglés, habitual a la hora del té junto a la Reina Isabel II de Inglaterra, íntimo amigo de Lady Di, junto al rapero blanco más famoso de todos los tiempos, Eminem. El escenario de dicha colaboración fue la ceremonia de los Grammy 2001. De hecho durante aquellos años el impacto del dueto fue mucho mayor ya que el rapero estadounidense no era precisamente respetuoso con la comunidad homosexual en algunas de sus letras. Lo que no pueda unir los Grammy…
La siguiente criatura musical tiene una cierta coartada. Es una canción publicada en época navideña y ya se sabe que el espíritu de la Navidad es caprichoso e impredecible. La canción se titula “All I want for Christmas is you”, todo un éxito de la diva Mariah Carey en 1994, al que en 2011 se le dio un pequeño giro de tuerca. El elegido para el renacimiento del tema fue el canadiense Justin Bieber, justo antes de mutar a tipo duro y chico malote con aire gangsta. Los planos de los dos artistas juntos en un trineo repartiendo regalos, con un perrito de por medio, no tienen precio…
Tengo que admitir que el siguiente dueto es el que más me ha descolocado. ¿Qué hace el mítico crooner Tonny Bennett cantando junto a la estrella del pop español, ex de El Canto del Loco, Dani Martín? El culpable fue un disco de Bennet titulado “Viva Duets” (2012) en el que compartía micrófono con artistas latinos de la talla de Miguel Bosé, Gloria Estefan o Christina Aguilera. Por más veces que veo el video sigo sin salir de mi asombro. Son agua y aceite…
Con nuestro siguiente artista, el cantante español David Bisbal, hacemos un capítulo aparte por ser el más prolífico en duetos inesperados. El primero que os enseñamos lo protagoniza junto a Miley Cyrus (antes de su metamorfosis y sus videos ligerita de ropa) interpretando “Te miro a ti”. Una tema que formaba parte de la banda sonora del film, protagonizado por Cyrus y Liam Hemsworth, “La Última Canción” (2010). Ojito al bueno de Bisbal en cómo se maneja con sus frases en la lengua de Shakespeare…
Otro de los duetos imposibles de Bisbal fue el que protagonizó junto a Rihanna en 2008 con un remix del tema “Hate that I love you”. Esta canción fue una de las llaves de la diva de Barbados al mercado latinoamericano para así convertirse en una estrella de dimensión mundial.
Agarraos bien que vienen curvas. Ahora entramos en el tenebroso mundo de los duetos de clasicazos algo carrozas del rock y divas del pop de ayer y hoy. El primer ejemplo lo protagonizan sus satánicas majestades, los Rolling Stones, y la inclasificable Lady Gaga. El motivo, el concierto celebrado por los británicos por su 50 aniversario sobre los escenarios. ¿Era necesario ver a Mick Jagger junto a Gaga para celebrar algo? ¿Por qué Gaga se mueve a espasmos por el escenario? Son muchas las preguntas que se quedarán sin respuesta…
Siguiente momento freak: Aerosmith cantando junto a Britney Spears. Suena bastante raro pero esta vez el entorno puede justificar semejante unión de talentos. Se trataba del show del descanso de la Super Bowl XXXV (2001), y ahí vale casi todo. De hecho si os fijáis bien podréis ver a Nsync y Mary J.Blige pululando también por el escenario antes de que Britney acapare todo el protagonismo. Un batido de pop y rock bañado en botox de lo más inquietante…
En su día fue una de las colaboraciones más insólitas del momento pero el paso de los años la ha convertido en todo un clásico. Hablamos del mágico Freddie Mercury junto a la portentosa voz de Montserrat Caballé interpretando “Barcelona” con motivo de la celebración de los Juegos Olímpicos de 1992. El estribillo sigue poniendo lo bellos de punta…
