La pregunta parece una contradicción pero los videoclips sin música son una de las últimas modas que está sacudiendo internet. Básicamente consiste en quitarle la banda sonora al videoclip dejando tan solo los sonidos ambientes que se generan durante la acción. El resultado transita entre lo curioso, lo inquietante, lo cómico y lo ridículo. Lo que sí es cierto es que son de lo más divertido… Aquí tenéis varios ejemplos de deconstrucción musical con algunos de los videos más populares de la historia.
Musicless Musicvideo / Shakira – Can’t Remember to Forget You ft. Rihanna
Quitar la música a los videoclips dejándolos casi desnudos es un trabajo de edición de audio titánico y casi artesanal. Pero como ya sabéis en el mundo virtual hay gente para todo. Uno de estos cirujanos del sonido es el austriaco Mario Wienerroither, un joven que se mueve en ambientes relacionados con la industria de la música que se ha lanzado a colgar estos “Musicless Musicvideo” en su canal personal de Youtube.
Lleva algo más de un año con esta actividad y el resultado de su, llamémosla afición, es francamente espectacular. Por supuesto el impacto es mayor si tienes en mente la música del video original a la hora de visionar estos clips donde se enfatiza por encima de todo en gestos, golpes, choques, crujidos, gruñidos, algunas frases sueltas y básicamente todo lo que queda cubierto habitualmente por la música. Vamos a poner más ejemplos. Os van a encantar…
Michael Jackson y “Thriller” fue uno de los mayores impulsores del concepto video musical como escaparate promocional para el artista. Aquí tenemos un ejemplo de “musicless” con “The way you make me feel”, uno de los éxitos del rey del pop contenidos en su inmortal álbum “Bad” (1987). Atentos al protagonismo que acaparan sus famosos gritos y bufidos cuando la música desaparece. Absolutamente genial…
Musicless Musicvideo / Michael Jackson – The Way You Make Me Feel
Otro de los responsables del éxito y propagación de los videoclips entre las generaciones más jóvenes fue la cadena MTV. “Smelll like teen spirit” de Nirvana fue uno de los videos más pinchados y repetidos en esta plataforma durante la década de los 90. Pero, ¿cómo suena la movida grunge sin la guitarra de Kurt Cobain a tope?
Musicless Musicvideo / Nirvana – Smells Like Teen Spirit
El videoclip sin música más cómico a nuestro juicio es este “Dancing in the street” protagonizado por David Bowie y Mick Jagger. Tiene toda la pinta de una sesión de aerobic rockera… También parece como si el Duque Blanco y el incombustible Rolling Stone estuvieran poseídos por el espíritu de Fred Astaire y Ginger Rogers y se encontraran en pleno sesión de exorcismo…
Musicless Musicvideo / David Bowie & Mick Jagger – Dancing In The Street
Si en la versión original de “Firestarter” de Prodigy su cantante, Keith Flint, parece haber perdido el juicio por completo presa de espasmos y movimientos incontrolados, atentos al efecto que causan cuando le quitas la banda sonora al videoclip. La verdad es que da un poquito de miedo el asunto…
Musicless Musicvideo / THE PRODIGY – Firestarter
Otro ejemplo que da un poquito de sustito. Esta vez el protagonista es un bailarín consumado. En esta particular versión de “Virtual insanity”, además de Jamiroquai, los protagonistas son los arrastramientos de muebles, personas, insectos, etc. Nada que envidiarle a una casa presa de fenómenos de poltergeist…
Ni las mayores leyendas de la música moderna escapan a esta moda en internet. Aquí vemos a Elvis Presley dándolo todo sin música de fondo en “Blue suede shoes”.
Musicless Musicvideo / Elvis Presley – Blue Suede Shoes
Otro de los gurús de este particular género de video musical es el polaco Mikolaj “Nick” Gackowski. Su canal en Youtube acumula millones de visitas y sus videos son auténticos monumentos a la paciencia en la edición de sonido. Este joven afirma que cada uno de sus trabajos, como media, le ocupa un mínimo de 6 horas de trabajo.
El resultado final es magnífico: el video pierde toda su coherencia inicial y se transforma en un canto al absurdo más absoluto. Una de sus obras más conseguidas en la versión “musicless” del archiconocido “Gangnam Style” del coreano Psy. La versión original tiene un número de reproducciones casi imposible de leer y este particular remix ya está a punto de llegar a los 28 millones…
Music videos without music: GANGNAM STYLE (강남스타일) by PSY
Son muchos los canales de Youtube que hemos encontrado con multitud de videos de este género, pero hemos querido destacar este del canal House of Halo que desmonta por completo uno de los videos más populares de esta última temporada. Se trata de “Happy” de Pharrell Williams. Simplemente genial…
Happy – Pharrell Williams (#withoutmusic) #HAPPYDAY
Para terminar este hilarante repaso de videoclips sin música acudimos al ingenio de los chicos de la web estadounidense afincada en Nueva York, College Humor, y su divertido canal en Youtube. Allí han colgado una versión “musicless” del controvertido video “We Can’t Stop” de Miley Cyrus. Probablemente es el mejor ejemplo de como en muchos videoclips la música hace que no nos fijemos en las auténticas ridiculeces que muchos artistas perpetran cuando se ponen delante de las cámaras. Atentos a cómo quedan los continuos roces y lengüetazos varios de la chica mala del pop mundial. Es absolutamente de locos…
Music Videos Without Music: We Can’t Stop
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Congratulations to Rixton who have stormed straight to Nº1 on the UK Singles Charts with their debut release, Me And My Broken Heart.
The song is an upbeat, Maroon-5-ish groove that does not in the least bit suggest the breaking of any heart strings, apart from it’s title. The music video is intelligent and refreshingly humorous – in the style of a mini-movie.
The UK band, made up of frontman Jake Roche (vocals and guitar), Charley Bagnall (guitar), Danny Wilkin (bass and keyboard) and Lewi Morgan (drums) are celebrating their Nº1 by each having a matching broken heart tattoo to mark the occasion. Jake’s is going on his bicep, Charley’s will be inked on his rib, Lewi’s on his thumb and Danny’s will be going on his thigh, “so he will be able to hide it from [his] parents”.
“Being Number 1 is probably the biggest thing ever that has happened to us in our lives!” a thrilled Jake Roche told OfficialCharts.com. “And it means a lot because it’s in our home country, and that’s something that’s been the main goal for us, to really make an impact. It’s a dream. Thank you to everyone who has bought it for your support.”
Interesting fact: Frontman Jake Roche is the son of Shane Richie and former Nolan’s singer, Coleen Nolan. Although hs parents must be over the moon with his success, perhaps they might be a teeny bit jealous as well – Shane’s highest charting single was his cover of WHAM!’s I’m Your Man, which reached Nº2 in 2003 and the Nolans’ ‘I’m in The Mood For Dancing’ peaked at Nº3 in 1979. Jake is so sweet that his official Number 1 Award will be going to live on his Mum’s Mantlepiece.
The charismatic four-piece are getting a bit fed up with being called a boy band – although technically that’s what they are, of course. So how are they learning to live with the title? «We realised boybands get a lot of women.» Enough said!
Rizzle Kicks have released a funny new music video for their forthcoming single ‘Tell Her’.
You always expect a laugh with Rizzle Kicks and they don’t disappoint in this video – pint-sized versions of Jordan and Harley are cruising around in a remote control car, a la Toy Story.
The music video was directed by the Lennox Brothers, who have worked with the likes of Ellie Goulding, Coldplay, The Rolling Stones and Kasabian.
You probably recognise the track from the Wimbledon-themed video that they released during the tournament, featuring tennis icon Maria Sharapova.
Jordan «Rizzle» Stephens and Harley «Sylvester» Alexander-Sule are arguably the biggest hip-hop act in the UK at the moment with two top 10 albums under their belt, six top 20 singles and the eternal pop classic of ‘Mama Do The Hump’. Their latest album ‘Roaring 20s’ peaked at Nº3 on the UK albums charts.
They were signed to Island Records off the back of a home made YouTube video and their debut album ’Stereo Typical’ went platinum. It also earned the infamous title of the Second Most Illegally Downloaded Album in the UK (after Ed Sheeran’s +)
If you get the chance to see them live don’t miss it! They play with a full band, as opposed to the standard hip-hop turntables, and their shows are packed full of energy and party vibes.
‘Tell Her’ is set for UK release on August 11 through Island Records.
Esta semana en Sunday Sessions nos vestimos de gala porque recibimos a una de las bandas más importantes y respetadas de la escena alternativa española. Sidonie lleva más de 15 años en el mundo de la música fascinando a propios y extraños a base de dosis bien cargadas de pop psicodélico y rock alternativo. Cualquier indie que se precie debería tener alguno de sus 7 discos de estudio en su colección particular. Sidonie es la unión de Marc Ros, Jesús Senra y Axel Pi. Su última criatura discográfica se llama “Sierra y Canadá”. La premisa del disco es simplemente magnífica… Cuenta la fábula de Sierra y Canadá, dos robots que se enamoran de manera asincrónica. Ciencia ficción, un poquito de distopía y androides presas del romanticismo se dan cita en el disco más atrevido y rompedor de esta imprescindible banda catalana.
“Sierra y Canadá” está dotado de un sonido sintético que supone una ruptura total con sus predecesores. Si quieres acercarte a los Sidonie más psicodélicos y rockeros no es precisamente el disco más indicado para hacer ese viaje sonoro. Es cierto que su naturaleza primigenia y esencia están ahí, detrás de los circuitos, cables, chips y tejidos que componen a Sierra y Canadá…
Los temas tienen una estructura diferente a lo habitual en otros discos del grupo, la electrónica está mucho más presente en ellos. Lo que sí está claro es que el feelling que transmiten sus melodías conserva intacta la magia que ha hecho a esta banda de Barcelona uno de iconos de la escena alternativa en España. La gran mayoría de los temas nacen de las entrañas de un teclado Lowrey del 74 que llega a las manos de Sidonie casi por casualidad. La temática y letras beben de lecturas de clásicos de la ciencia ficción firmados por Isaac Asimov o Philip K. Dick.
Pero volvamos de nuevo a la premisa del disco (me encanta). Sierra y Canadá son los dos robots que protagonizan la historia de amor asincrónico. Es decir, estos dos seres se enamoraron a destiempo, sintieron lo mismo el uno por el otro pero nunca en el mismo momento. Canadá, el protagonista masculino, es quien cuenta la historia y quien bautiza a la heroína. Escoge el nombre de Sierra porqué a eso le supo su último beso: a frío metal dentado. Él se hace llamar Canadá, nombre de país eternamente a la sombra de ese otro país vecino; ese que es hogar de triunfadores; ese que es tierra de los más fuertes y el definitivo destino de los libres. Ese complejo de segundón hace que Canadá le cante al astronauta Aldrin, al compositor Salieri, al medio héroe Robin, al K-2 (la casi más alta montaña del mundo), al feo de los Wham… A todos los segundones que siempre llegan tarde, a los que siempre pierden la final.´
Sidonie es una apuesta sobre seguro. Sus inicios se mueven en torno al misticismo y la psicodelia para acabar transitando por los senderos del pop. Comenzaron su carrera cantando en el idioma de Shakespeare para acabar afianzándose en el de Cervantes. Un disco homónimo es su carta de presentación en 2001. Los demás deberías escucharlos: “Shell Kids” (2003), “Fascinado”(2005), “Costa azul” (2007), “El incendio” (2009) y el tuareg cósmico de “El fluido García” (2011). Pero eso es el pasado. Hablemos de historias de amor entre robots y del presente…
“Sierra y Canadá” es vuestro séptimo álbum de estudio… ¿Qué se va a encontrar el gran público, a grandes rasgos, en estas nuevas composiciones? Se van a encontrar con un disco de ciencia ficción con melodías pop y un teclado antiguo.
La premisa de “Sierra y Canadá”, dos robots que se enamoran de manera asincrónica, es absolutamente genial, creativa y muy literaria… ¿Cómo surgió esta idea y como se le fue dando forma hasta desembocar en vuestro último trabajo? Quería contar una historia de amor pero no quería repetirme en la forma de hacerlo. Cuando estaba haciendo las canciones estaba leyendo un libro de Isaac Asimov que se llama «Los robots del amanecer» y de ahí vino la idea de que el disco lo protagonizaran dos robots. Empecé a leer libros de ciencia ficción que me ayudaran a ambientar la historia y, al mismo tiempo, a repasar la historia de la música electrónica que era el tipo de música que mejor casaba con la robótica.
Sidonie – Sierra y Canadá
¿Quién es Sierra? ¿Hay alguna criatura humana en la que se haya basado? ¡Sí, pero no te puedo decir quien es! Todas las canciones que hago, hablen de lo que hablen, están basadas en cosas que me han pasado y en personas que conozco.
¿Quién es Canadá? ¿Por qué el nombre de ese país y parte de su imaginería, símbolos, banderas, etc… en vuestro nuevo material y conciertos? Canadá es el protagonista masculino y lo bauticé así porqué sufría un complejo de segundón como el país del norte de América respecto de EEUU. Como todos los Sidonie, alguna vez, nos hemos sentido así, hemos decidido hacer himno y bandera para tomárnoslo con humor.
¿En “Sierra y Canadá” hay también espacio para el humor y algo de disparate? Sí, “Yo Soy La Crema”, “Un Día De Mierda”, aunque hablen de cosas graves están hechas desde la indolencia y el humor y así dan un contrapunto al resto frío y metálico del disco.
13 temas con títulos maravillosos que se te clavan en la retina en una primera lectura rápida. ¿Qué hay dentro de “Un día de mierda”? Hay una historia triste contada de una forma muy sencilla y que a todos sin excepción nos ha pasado. Para Santos & Fluren y para nosotros es la mejor melodía del disco, una de las mejores de Sidonie, sería una lástima que la palabra «mierda» empañara la belleza de esta grabación pero no podía poner otra palabra porqué quedaba forzado.
¿Se puede ser más feo que “El feo de los Wham”? ¿Más feo incluso que el “feo” de los hermanos Calatrava? En realidad el de los Wham no era tan feo pero quedaba totalmente eclipsado por George Michael, todo un efebo. A mí también me ha pasado esto por eso le tengo simpatía al tipo. Los Hermanos Calatrava… ¿Cómo olvidar esa versión de Space Oddity?…
El futuro de la robótica, máquinas con sentimientos… ¿Hay un poquito en vuestro disco de producciones como “Animatrix” o la reciente “Her” (no sé si habréis visto estas pelis) en “Sierra y Canadá”? Sí y sobretodo de «Blade Runner» que posee una estética muy especial que nos ayudó a contextualizar el disco.
¿Sois amantes de la ciencia ficción? ¿Cuáles son vuestras referencias en este género en cine, literatura, comic…? El ya citado Asimov, Ray Bradbury, Philip K. Dick son claros referentes literarios y además de «Blade Runner» no puedo dejar de citar 2001 y Star Wars.
Habéis salido de vuestra zona de confort para explorar nuevos caminos y sonidos de la mano de la electrónica. ¿A qué se debe este evidente cambio de vuestro sonido más clásico y psicodélico a dejarse querer y acariciar por las máquinas? Este cambio se debe a las ganas de probar cosas nuevas. Nos encanta la música, no solo un tipo de música, en mi discoteca hay de todo, de Chopin a Pet Shop Boys y cuando hacemos música no nos gusta que nadie nos diga que algo no se puede hacer porque no suena a Sidonie, sería aburridísimo estar haciendo el mismo disco año tras año.
Este último trabajo está íntimamente ligado a la historia de un teclado que adquirís en una tienda de antigüedades… Un órgano con un sonido muy particular… ¿Podríais resumirnos un poco este episodio? Tenía encargadas un par de sillas de los años 70 para mi casa y cuando fui a buscarlas me encontré con un teclado marca Lowrey del 74 que ya conocía. El problema es que estaba bastante maltrecho pero me lo llevé igualmente porqué me lo vendieron a precio de saldo. Lo reparé y me vi haciendo casi todas las canciones nuevas con el Lowrey, me di cuenta que ese sonido particular era el que mejor expresaba la historia.
¿Hubo algún cambio sustancial a la hora de producir este nuevo disco, tanto en el diseño de los temas como en su grabación final? Todo. No ensayamos ni un compás, llegamos al estudio con las maquetas que había grabado en mi teléfono inteligente y cada uno utilizó instrumentos no habituales en Sidonie. Era la única forma de llegar a algún sitio diferente, cambiando todo el método de trabajo habitual y no repitiendo trucos.
¿Cómo estáis percibiendo la experiencia de tocar “Sierra y Canadá” en directo, estando tan impregnado de sonidos sintéticos y electrónicos, en contraposición con vuestros temazos y clásicos de siempre? Ha sido un disco muy difícil de ensayar para el directo. De hecho, hay canciones que no pueden ser interpretadas a no ser que se utilicen muchas cosas grabadas y eso no nos acaba de apetecer. Las que estamos interpretando ahora quedan muy dignas después de mucho trabajo y lo mejor es que hemos conseguido el maridaje con el repertorio antiguo.
¿Cuál es el palpitar de vuestro público habitual al experimentar “Sierra y Canadá” en directo? ¿Qué mensajes y sensaciones recibís desde el escenario? Hay tres canciones que destacan sobre el resto cuando hablamos de las reacciones que vemos del público desde el escenario, son: Sierra Y Canadá, Un Día De Mierda y Estáis Aquí. Nos gusta mucho compartir estas canciones, ver que la gente las canta y baila… Hay canciones que conectan de una forma especial con la gente, a mí me gustaría que todas las canciones tuvieran ese poder pero es muy difícil.
¿Tenéis alguna manía o ritual especial antes de un concierto? Nos besamos en los labios los cinco músicos, nos damos un «pico». Es complicado pero es nuestro ritual.
El primer single de vuestro nuevo material se titula “Sierra y Canadá (historia de amor asincrónico)” es todo un torpedo a la línea de flotación de la tranquilidad emocional. ¿Por qué habéis elegido este tema? ¿Es quizás la mejor carta de presentación para poner en situación al personal de lo que viene después? Tuvimos muchas dudas a la hora de elegir el single. Se nos ocurrió la idea de hacer una escucha con fans del grupo por concurso en tres ciudades diferentes: Madrid, Santiago y Barcelona y la canción que eligieron fue Sierra Y Canadá. Fue una experiencia muy interesante y nos gustaría repetirla otra vez.
La factura del videoclip de “Sierra y Canadá (Historia de amor asincrónico)” es de una factura exquisita ¿Quién está detrás de su grabación y factura? ¿Qué habéis querido transmitir con la imagen de la portada, con estas tres figuras deconstruidas? El vídeo lo hizo Joana Colomar e hizo un trabajo estupendo. La elección de los dos niños es acertadísima (y compensa nuestro acting amateur). Joana apostó por una estética de vídeo juego de los ochenta que enriquece la canción con su particular aspecto visual. La portada está basada en un collage que hice con una ilustración de un catálogo de moda de los años 30. Los tres modelos masculinos están desestructurados para plasmar el sonido «artificial» del disco.
Vuestra última criatura discográfica es la más artificial hasta el momento. Tengo entendido que prácticamente no pisasteis los locales de ensayo para darle forma y que la tecnología ha sido vuestro principal aliado en lo creativo… ¿Sentisteis en algún momento que el resultado podría ser demasiado frio e impersonal? ¿Demasiado alejado de la particular sensibilidad de vuestros anteriores trabajos? Buscábamos el artificio para ambientar la historia que tiene lugar en una ciudad distópica en un futuro próximo. No podíamos hacer esto con los instrumentos básicos del rock. La sensibilidad sigue estando ahí porqué son los mismos tipos quien componen e interpretan aunque esta vez lo hayan vestido muy diferente.
¿Qué queda de vuestro anterior disco, “El fluido García”, en este último LP? El “Fluido García” nos dio la libertad para hacer lo que quisiéramos en un próximo disco. Era el disco que rompió la trilogía anterior de pop clásico.
Sidonie – A Mil Años Luz
¿Tras esta experiencia más electrónica se volverá a pop psicodélico y al rock alternativo o ya estáis montados en un cohete sin marcha atrás hacia otros sonidos y caminos? No tenemos la más mínima idea de cómo se va a desarrollar nuestra próxima aventura. Esta ignorancia es emocionante y nos da mucha libertad.
¿Cuál es el estado actual de la relación entre Jesús, Marc y Axel? ¿Quién sería el Sierra y Canadá del grupo y quién se quedaría mirando…? Nuestra relación va muy bien. No todo lo que nos pasa es bonito y los momentos en que las cosas se ponen difíciles nos unen aún más, este es nuestro secreto, que funcionamos como una familia y la familia es lo primero de todo.
“Sierra y Canadá” salió al mercado el pasado 25 de marzo en todos los formatos habidos y por haber. ¿Cómo está funcionando comercialmente? Llevamos más copias que «Dark Side Of The Moon», ya no sabemos qué hacer con los royalties…
Lleváis prácticamente toda vuestra carrera bajo el cobijo de una grande como Sony Music. ¿Es fácil trabajar con ellos tanto en los aspectos creativos como en lo que al marketing y lanzamiento se refiere o hay más de “voz y mando”? En Sony hay un equipo humano reducido que está por nosotros, unos apasionados por la música. La gente imagina a tipos de 50 o 60 años trajeados que te venden lo que sea y no es así para nada, por eso nuestra relación es tan longeva.
Son ya casi 15 años de historia de Sidonie. Permitidme que vaya un poco atrás en el tiempo para aquellos que no conozcan bien vuestra trayectoria. ¿Cómo surge la semilla de la banda? ¿Por qué os bautizasteis con ese nombre? Queríamos un nombre de una sola palabra, femenino y sensual y lo encontramos en una canción de Brigitte Bardot. Sidonie es un nombre francés de chica y el primer single de BB. Al principio versionábamos a nuestros héroes musicales como Beatles, Stones, Velvet, Bowie, Barrett, etc… hasta que empezamos a trabajar material propio definiendo nuestro sonido.
Vuestro primer EP, “Dragonfly”, es magia pura rebosante de psicodelia y rock. Fue vuestro espaldarazo ante la gran masa. ¿Qué recuerdos tenéis de aquellos momentos, de la inusitada atención mediática, de la forma de afrontar los conciertos…? Recordamos la cola que había en la sala Sol de Madrid la primera vez que tocamos en la capital, no nos lo podíamos creer. Tardamos un tiempo en reconocer que hacíamos algo que le interesaba a la gente. No nos profesionalizamos hasta la grabación de nuestro segundo LP “Shell Kids”, ahí fuimos consciente de todo y del papel que jugábamos en el pop español. Los conciertos del principio eran una locura. Llegábamos a la prueba de sonido sin dormir, hacíamos el concierto y nos íbamos de fiesta por ahí, al día siguiente igual… Eso duró dos años hasta que estuvimos a punto de perder el centro irreversiblemente. Aún tengo fresco el recuerdo de un día en un camerino en el que pensé que no estaba respetando a la gente que me había venido a ver, a partir de ese momento empecé a cuidarme un poco.
Sidonie – All is Cool in the Evening
“Shell Kids” es quizás vuestra mayor joya musical. Uno de los trabajos más sobados por la crítica y aclamado por vuestro público. ¿Cómo se vive el éxito cuando se toca por fin con las manos? ¿Creíais que vuestra carrera llegaría con tan excelente salud a este siglo XXI? No nos detenemos a pensar mucho estas cosas, simplemente seguimos y seguimos. Sí que nos sentimos orgullosos de nuestra carrera pero este pensamiento dura unos segundos y nos ponemos al lío otra vez.
Sidonie – On the Sofa
¿Hasta cuándo tenéis pensado estar dando guerra sobre los escenarios? Mientras haya personas que nos quieran escuchar podemos seguir un tiempo más.
¿Cuál es vuestra definición de “música indie”, y cuál creéis que su salud actual en nuestro país? Indie es una mala definición porqué nace de la negación. Indie es lo que no es mainstream y ahí cabe de todo, hasta nosotros que sobre el papel no somos indie. La salud estrictamente musical es buena, lo demás está realmente mal.
¿Qué grupos nacionales e internacionales habéis descubierto últimamente y nos podríais recomendar? Me gusta «Nadie Se Resiste Al Amor» de Carlos Cros e “It’s Album Time» de Todd Terje.
Carlos Cros – Nadie Se Resiste Al Amor
Recientemente habéis publicado “Un día más en la vida”, una mirada en instantáneas al proceso creativo del nuevo disco, vuestros viajes, conciertos, idas y venidas… Todo bajo la óptica de Carles Rodríguez, uno de los fotógrafos referentes del mundo del rock. ¿Qué se va a encontrar el fan de Sidonie en este libro? ¿Han captado realmente vuestras almas en sus páginas (como decían los nativos norteamericanos…)? El libro tiene una factura estética impecable y transmite emoción. Carles es un gran artista porque ha organizado el caos, es sutil y muy ágil.
¿Cuáles son vuestros principales proyectos de futuro? Ahora mismo dar conciertos y hacer viajes prometedores alrededor del globo con nuestras nuevas canciones.
Estamos en Creation 5… Ya que “Sierra y Canadá” va de robots, queremos saber los nombres de los 5 robots que más os molan del universo… Hal 9000, las dos replicantes femeninas de Blade Runner, R2D2 y C3PO y Mazinger Z
Sierra y Canadá – Tracklist 1. Sierra y Canadá 2. Rompe tu voz 3. Gainsbourg 4. Yo soy la crema 5. Un día de mierda 6. Canadá (El feo de los Wham) 7. Estáis aquí 8. El mismo destello 9. Canadá 2 (cafeina y brevedad) 10. Las dos Coreas 11. La noche sin final 12. Olvido y morfina 13. Hiroshima mi amor
El DJ y productor francés es el “evangelio” de la música electrónica. El rey Midas de los platos. Todo lo que toca se convierte en un éxito. Es el auténtico precursor de las ahora habituales colaboraciones entre estrellas del pop y el hip hop junto a artistas electrónicos. Si tuviéramos que hacer una lista de los éxitos y artistas con los que David Guetta ha unido fuerzas, este artículo sería casi interminable. En lo que llevamos de año ya ha conseguido tres números 1 consecutivos en las listas de ventas con temas creados para los circuitos electro. Estos temas son “Shot Me Down”, “Bad” y “Addicted To You”. Hace tan solo un mes lanzó su primera propuesta para dominar las pistas de baile en el verano de 2014 bajo el título de “Blast Off”. Ahora vuelve a apuntalar su conquista estival con el lanzamiento de su último single, “Lovers On The Sun”, con la ayuda en la producción de otro fenómeno en este género como es Avicii. Tampoco vamos a dejar pasar por alto algunos rumores publicados en la red sobre una futura colaboración entre David Guetta y la buena de Miley Cyrus. Pero primero, vamos a por la música…
Lo ha vuelto a hacer una vez más. Gran parte de las mayores fiestas del verano girarán en torno a los temas que componen su primer EP, titulado “Lovers On The Sun”, que contiene, además de un tema homónimo, los cortes “Blast Off”, “Bad” y “Shot Me Down”. Pero como dijo Jack “El Destripador”, vayamos por partes. Primero vamos a oír los números 1 con los que Guetta ha dado un golpe en la mesa en este 2014 y después vamos a poder disfrutar de sus dos últimos lanzamientos.
El primer tema del DJ galo que consiguió estar en el top de las listas de este año fue “Bad”. Una canción que contó con la coproducción de los holandeses de Showek y la colaboración de la cantante australiana Vassy. Esta canción parece un anuncio de Benetton porque también cuenta con la participación de los canadienses Sultan y Ned Shepard en la composición del tema. No hay nadie como David Guetta para unir artistas de los rincones más variopintos del mundo y sacar el máximo de sus talentos.
David Guetta & Showtek – Bad ft. Vassy (Official Audio)
El idilio entre Guetta y Avicii no es cosa de un día. Otro de los bombazos del francés en lo que llevamos de año es su versión de “Addicted To You”. Una remezcla de un single de Avicii que ha sorprendido a propios y extraños por su fuerza y calidad. El tema cuenta con la brutal voz de Audra Mae. Todo un éxito que recoge el testigo de su anterior colaboración con Avicii en “Sunshine” (2011), que los llevó a ser nominados como Mejor Canción Dance en los Grammy de ese año. Aquí os dejamos una muestra de la magia generada por los dos mejores DJs del momento…
Avicii – Addicted To You (David Guetta Remix) (Audio)
El tercer tema con el que Guetta se ha coronado este año también está incluido en su reciente EP, “Lovers On The Sun”. Su título es “Shot Me Down” y tiene un aroma a western que tira para atrás… Seguro que los primeros compases de la canción hacen que os venga a la mente cierta película de Quentin Tarantino.
David Guetta – Shot Me Down ft. Skylar Grey (Lyric Video)
Hacemos aquí un pequeño inciso histórico con algunos datos sobre los orígenes de “Shot Me Down”. No os preocupéis que no hay que estudiar ni nada que se le parezca… La canción original se titula “Bang, Bang” y está interpretada por la cantante estadounidense Nancy Sinatra, hija mayor del mítico Frank Sinatra. La público allá por el año 1966, muy cerca de otro de sus mayores éxitos, “These Boots Are Made for Walkin”. Su segunda juventud la vivió en 2003 cuando volvió a alcanzar la fama tras ser incluida en la banda sonora de “Kill Bill Vol.1”. Aquí os dejamos la versión original para los más nostálgicos y para los más jóvenes, para que sepáis que siempre aprenderéis algo nuevo leyendo el blog de Creation 5 ;).
Nancy Sinatra Bang Bang
Volvemos de nuevo a la actualidad más rabiosa con el último single de David Guetta que da nombre a su EP, “Lovers On the Sun”. Una prueba más de cómo ha sabido actualizar su sonido desde clásicos como “One Love” o “Nothing But The Beat”. Este último lanzamiento de Guetta, al igual que “Shot Me Down”, tiene un aire a western clásico en sus primeros compases. La voz la pone el cantante norteamericano Sam Martin y la producción corre a cargo del propio Guetta junto a sus colegas Avicii, Giorgio Tuinfort y Fréderic Riesterer. Estamos ante un tema con una excelente base rítmica, magníficas programaciones e hipnóticas y evocadoras melodías de guitarra. Es un temazo en toda regla de lo más motivante que conquistará el verano sí o sí. Lleva algo más de 15 días en Youtube y ya va camino de los 4 millones y medio de reproducciones.
David Guetta – Lovers On The Sun (Official Audio) ft Sam Martin
Un par de semanas antes de “Lovers On the Sun”, Guetta enseñaba sus primeras credenciales para este verano con otro tema de lo más impactante. Su título es “Blast Off” y cuenta con la colaboración del DJ australiano Kaz James. Tiene el característico sonido del francés pero en esta ocasión contiene un potente y pegadizo riff de guitarra como eje central de la composición.
David Guetta & Kaz James – Blast Off
Y ahora un poco de rumorología. David Guetta afirmó hace unas semanas en una emisora de radio que estaba creando una canción perfecta para ser interpretada por Milye Cyrus. Textualmente dijo que era “una canción ideal para ella” y que no se la imagina “interpretada por otra artista”. Afirmó tenerla ya grabada y que es “obvio” que debería cantarla. En fin, nada más se ha sabido de esto. Guetta ha respondido en otras entrevistas a este rumor declarando que sí afirmó cosas así pero que no hay nada sólido y que todo ha sido una enorme bola de nieve mediática.
No le daremos más vueltas al asunto, el futuro cercano nos dará o quitará la razón. Lo que si podemos apostar es que Cyrus iría de cabeza hacia los brazos de Guetta ya que ha declarado en varias ocasiones su admiración hacia el francés y que le encanta colaborar con otros artistas. Hay muchos ejemplos ya editados de colaboraciones de la ex chica Disney: Mike Will Made It, Snoop Lion, The Flaming Lips, etc.
Mike WiLL Made-It – 23 (Explicit) ft. Miley Cyrus, Wiz Khalifa, Juicy J
Si quieres disfrutar del directo de David Guetta este verano y estas en España, Reino Unido o Rusia estás de enhorabuena, ya que son los países en los que va a centrar sus próximas apariciones en vivo. Si eres asiduo visitante a la isla de Ibiza podrás gozar de su presencia como residente en Pachá todos los jueves y en Ushuaia los lunes hasta el próximo 25 de agosto. Siguiendo con sus fechas ya confirmadas en suelo español, podemos afirmar que estará el 26 de julio en Barcelona, en el Barcelona Beach Festival, el 1 de agosto en Marbella y el 2 de agosto en Mallorca.
Como dato curioso destacar que en su concierto en Marbella, la perla de la Costa del Sol española, la productora ha montado un punto de venta físico en Puerto Banús para que los empadronados en dicha ciudad puedan gozar de precios especiales para disfrutar de un evento con un aforo de tan solo 12.000 personas. El llenazo está prácticamente asegurado…
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Today, Sigma released their new music video for ‘Changing’ ft the fiery voice of Paloma Faith. It’s an epic dance track with big, booming vocals and orchestral sound, filmed in Miami’s colourful back streets.
‘Changing’ follows Sigma’s previous hit ‘Nobody to Love’, a rework of Kanye West’s «Bound 2”, which soared to the top of the charts in eight countries, including the UK. It has clocked over half a million sales (including streams) and over 30 million YouTube views.
Sigma, also known as Cameron Edwards and Joe Lenzie, have been really busy remixing everyone from Clean Bandit to Kiesza. They played at Glastonbury this year and have plenty more festival dates to keep them busy, including Global Gathering, Ibiza Rocks and Bestival. It looks like 2014 is their year!
Pitbull acaba de lanzar un nuevo single en español al mercado (bueno, más bien en spanglish). «Como yo le doy» es su título y cuenta con la colaboración del rapero y maestro del reggaeton dominicano Don Miguelo. No es un lyric video que pase desapercibido, es absolutamente hot y sexy.
Se trata del segundo single del octavo disco de estudio de Pitbull, tras el primer sencillo en inglés titulado «Wild wild love» junto a las chicas de la banda G.R.L.
El nuevo LP de Pitbull, que aún no tiene título, saldrá al mercado a finales de este año a través del sello Mr.305 Inc., propiedad del propio Pitbull.
Vuelve el hombre, vuelve el mito. Chayanne es uno de los artistas latinos más populares de todos los tiempos con más de 50 millones de álbumes vendidos durante toda su carrera. Tras cuatro años de silencio sin nuevas composiciones, el cantante y actor puertorriqueño ha anunciado el lanzamiento de un nuevo disco para el próximo mes de agosto. Aún no hay fecha exacta para su salida al mercado, pero lo que sí sabemos es que constará de 11 sencillos y su título será “En todo estaré”. El que será el disco de estudio número 14 de su carrera viene precedido por el éxito de su primer single, estrenado el pasado 23 de junio, bajo el título “Humanos a Marte”. Con 46 años recién cumplidos, la estrella puertorriqueña sigue siendo uno de los mayores sex symbols del panorama latino y es de los pocos artistas que puede presumir de contar como éxitos prácticamente todos sus trabajos.
“Humanos a Marte” no es quizás uno de los mayores exponentes de su estilo latino y caribeño habituales. No es una canción con la que sus seguidores se vayan a dislocar la cadera bailando. Es una apuesta más cercana al pop sin descuidar todos los sonidos característicos de la música contemporánea. Lo que no es esta canción es una ruptura con la forma de entender la música de Chayanne ya que su temática sigue siendo la de toda su carrera: el amor, la sensualidad y el arte del romance.
“Humanos a Marte” fue estrenada en vivo en la pasada edición de los Premios Billboard de la Música Latina, celebrados a finales del pasado abril, con una alta aceptación entre la crítica especializada y sus fans más incondicionales. Vamos a recordar ese momento…
Hace un par de semanas pudimos conocer el videoclip original de esta canción. Un metraje en el que vemos a un Chayanne con un look agresivo muy “latin lover” enfundado en una chaqueta de cuero, con gafas de sol y a lomos de una potente motocicleta. La verdad es que todo el mundo sabe que Chayanne es padre de dos hijos y no tiene edad para ir por ahí rompiendo corazones, pero entendemos al director del videoclip. Es difícil no caer en la tentación de aprovechar su incuestionable atractivo físico y magnetismo sobre las féminas.
El argumento del video cuenta como un fotógrafo (Chayanne) sucumbe ante los encantos de una bella modelo que posa para él. Tampoco se han partido mucho la cabeza, todo sea dicho. El director es el cineasta Carlos Pérez y la grabación se llevó a cabo en los hangares del aeropuerto Opa-Locka de Miami, caracterizados para la ocasión como un estudio fotográfico de lo más lujoso.
Chayanne ha declarado sobre el rodaje que “no es el trabajo de un día, sino que son semanas y semanas desde la creación del concepto, hasta ver el vestuario, la localización, etcétera”. Señala también que no se trata “solamente de cantar, sino que hay que construir un personaje, interpretarlo, darle vida y hacerlo creíble en tres minutos que dura la canción”. Como cualquier estreno de Chayanne, el éxito estaba asegurado. En tan solo 10 días colgado en Youtube, el videoclip superó con holgura el millón de reproducciones. Actualmente ya supera los dos millones…
Antes del lanzamiento del video original de “Humanos a Marte” Chayanne ya había puesto en circulación un remix del tema en colaboración con el ídolo de la música urbana, el también puertorriqueño Yandel. Se trata de la primera colaboración de Chayanne con este artista, maestro en el arte del reggaetón. Una versión que ya ocupó los primeros puestos en las listas de ventas de Estados Unidos y gran parte de Latinoamérica. Marchando otra ración más de “Humanos a Marte”…
Y es que el impacto de este artista, que comenzó su carrera con tan solo diez años en el grupo infantil Los Chicos, se abre paso década a década hasta nuestros días. Un claro ejemplo es su penetración en las redes sociales. Es uno de los artistas latinos con más seguidores en Facebook (roza los 8.600.000) y Twitter (5 millones de followers), donde participa activamente con regularidad. Es más, el título de su último disco, “En todo estaré”, fue revelado en su fan page oficial de Facebook a través de un juego interactuando con sus seguidores. En lo que se refiere a colaboraciones, el nuevo disco de Chayanne cuenta con un elenco de lujo formado por personalidades como Estéfano, José Luis Pagán, Franco De Vita, Marcello Azevedo, Yotuel, Vladimir Dotel, Kany García, Fernando José Montesinos, Yandel, Julio Reyes y Fernando Rossi.
Elmer Figueroa, bautizado artísticamente como Chayanne por su madre, Irma Luz, (recientemente fallecida a causa de un cáncer) es uno de los pocos artistas latinos que convierte en oro todo lo que toca. Tiene el record histórico de colocar 28 sencillos en el Top 10 Hot Latin Songs, así como el de mayor cantidad de números 1. Recordar algunos de sus mayores éxitos es casi hacer un recorrido por la música latina de los últimos 30 años. Así que vamos al grano, a los que todos tenéis en mente en estos momentos. Su primer LP data prácticamente del jurásico. Allá por 1984 lanzaba al mercado “Chayanne es mi nombre” con el que consigue un éxito relativo en el continente americano gracia a algún hit radiofónico. En 1989 se da a conocer al gran público de forma más contundente con su videoclip “Este ritmo se baila así”, incluido en su disco “Chayanne II”. Un clip que consigue un premio MTV al mejor video musical latino del año.
Pero es a finales de los noventa cuando su popularidad estalla por completo en todo el planeta gracias a su LP “Atado a tu amor” (1998). Es el disco más vendido en toda su carrera y hace que su nombre suene con fuerza en Europa, sobre todo en países como España, Italia y Portugal. Su hit más conocido es “Salomé”, una canción que sonaba prácticamente a diario en la radio y la televisión española…
Su nombre y éxito se consolidan en Europa con su disco “Simplemente” (2000), con temas como “Yo te amo”, “Candela”, “Ay, mamá” y este pegadizo “Boom, boom”.
Pero si en Europa, y sobre todo en España, hablas de Chayanne, cualquier persona comenzará a cantar el estribillo de su canción “Torero”. Es sin duda el tema más comercial y conocido de su repertorio que compuso para acompañar a sus grandes éxitos en un disco recopilatorio editado en 2002. El resto, ya es historia…
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Es uno de los artistas con más talento y proyección de la escena electrónica en España. Este músico y productor madrileño tiene una sensibilidad pop única a pesar de ser señalado por gran parte de la prensa especializada patria como un “revitalizador del sonido house”. Fuera de nuestras fronteras van algo más allá y afirman abiertamente que es “el secreto mejor guardado de España”. Lo que sí está claro es que no lleva mucho tiempo en este negocio y ya ha girado por países como Australia y Estados Unidos además de conocer bien las cabinas de los clubes más importantes de toda Europa. Su último EP en el mercado se titula “Invisible/Amenaza” y ha sido editado por el prestigioso sello independiente británico, Young Turks (Adele, Prodigy, Basement Jaxx, The XX). Su agenda está llena de proyectos y viajes, así que todos aquellos que están esperando su debut con un disco de larga duración tendrás que esperar aún un pelín.
Miguel Barros se acerca a la música electrónica, como otros muchos jóvenes, casi por casualidad. Varias visitas a salas madrileñas y acercamientos a personalidades de este mundo en la capital hacen que su talento vire poco a poco en un sentido electrónico. Su primer nombre artístico es Alt Fenster y en esos momentos Myspace es el lugar donde hay que estar. Tras contactos con sellos extranjeros como Traum o Trapez, Fenster se cansa de sonidos cercanos al “border community” y comienza su metamorfosis orientándose hacia el house y la música de baile. Es el amanecer de Pional.
Poco después, el sello catalán Hivern Discs publica en 2010 sus primeros trabajos, “A Moot Point” y “We Have Been Waiting for You” bajo la batuta de otro mago de la electrónica actual en España, el barcelonés John Talabot. Un artista que rápidamente asciende al olimpo de la música de baile contemporánea con su primer álbum “Fin” (2012). Pional se convierte en su inseparable compañero en directo y esto lo empuja irremediablemente a la primera línea de la escena nacional.
El vértigo se apodera de la carrera de Pional y, junto a Talabot, pronto se convierten en los teloneros de The XX, autores de ya clásicos contemporáneos como XX (2009) y Coexist (2012), en su gira por Estados Unidos donde experimentan por primera vez la sensación de enfrentarse a públicos masivos. Pional ya ha llegado al “star system” y se codea en los backstages con gente como James Holden, Daniel Shaith de Caribou, Dave Grohl o Josh de Queens Of The Stone Age.
La capacidad de Pional para las remezclas es otro de sus puntos fuertes. Remixes oficiales para gente de la talla de Lemonade, Delorean o The Rapture, así lo acreditan. También destacamos “Chained” (The XX) o la canción “Brave”, que compone junto a su principal compinche para la Maratón Divina Pastora de Valencia. Su carrera sigue avanzando de la mano del sello Permanent Vacation con el que edita “Last House On The Left” (2011) y “Pional & Bostro Pesopeo” (2011).
Lo más reciente de Pional, a la espera de su primer trabajo en larga duración, es el EP “Invisible/Amenaza”, una vuelta de tuerca más a su particular sonido de gran calidad y carácter orgánico editado por los británicos de Young Turks. La buena música está garantizada para esta tarde de domingo, de eso os iréis dando cuenta a medida que avanza la entrevista. Sunday Sessions made in Pional…
¿Cómo Miguel Barros llega a transformarse en Pional? El proyecto nace en 2010, anteriormente tenía otro proyecto llamado Alt Fenster, más enfocado al techno, y estaba algo cansado de ese estilo así que decidí dar un cambio a mi proyecto. Hasta 2012 lo tenía como una afición, desde muy pequeño hago música así que consideraba la música como un entretenimiento pero que nunca llegaría a dedicarme a ello, ni me lo planteaba. Hace ahora 2 años tuve que decidir si seguir en mi trabajo o dedicarme a la música ya que había muchas peticiones para tocar en el extranjero. Vi una gran oportunidad y me tiré a la piscina y hasta ahora.
Has trabajado en un estudio de doblaje durante una larga temporada. ¿Qué se te pasó por la cabeza para dejar esa estabilidad laboral y zambullirte en la música con la que está cayendo? Exacto, sí. Trabajaba en unos estudios mezclando películas de cine para Pixar, tenía un sueldo digno, cerca de mi casa, estabilidad laboral como dices, pero también económica y sobretodo mental. Ahora a veces echo de menos esa tranquilidad, pero la verdad que no cambiaría esta profesión (la de la música) por nada del mundo ahora mismo. Cuando tuve que decidir entre el estudio de doblaje o la música me decidí por la música por varias razones: 1- Porque ya llevaba casi 4 años en el doblaje y creía que era necesario probar algo nuevo. 2- Mayor libertad. 3- Conocer mundo.
¿Cuáles son tus primeros contactos con la música? ¿Has pasado por otros estilos antes de hacerte un profesional de la electrónica? Cuando era niño tocaba guitarra clásica, luego con 16 escuchaba mucho metal, con 18 o así me puse a aprender por mi cuenta a tocar el piano, empecé a leer libros muy interesantes de musicología, luego la batería, etc, etc, etc.
Tus primeros trabajos, “A Moot Point” y “We Have Been Waiting for You”, tienen una sensibilidad pop muy especial. ¿Cuáles son tus principales referentes en la música? ¿De qué fuentes has bebido para pulir ese estilo tan especial que te caracteriza? Bueno realmente no tengo ningún tipo de influencia, de verdad. Es solo la mezcla de música electrónica + vocales pop. Supongo que la combinación es mi sonido, pero honestamente pienso que no es nada del otro mundo lo que hago, es solo que hay gente que quizás lo que busca es un sonido diferente, yo trato de buscar las melodías correctas y la línea vocal que sea coherente con la música pero sin llegar a sonar feo o mainstream. Es muy fácil sobrepasar la línea de lo hortera o de un sonido muy comercial cuando se trata de unir música de baile + voces.
¿Cómo definirías tu sonido, qué lo hace diferente al resto? No quiero sentirme con un único sonido. Lo que más me apasiona es sentarme en el estudio y hacer música, no me planteo hacer siempre lo mismo. Mi sonido no tengo claro cómo debería de definirlo, quizás lo llamaría: personal u original… No sé.
Tras la publicación de tu EP “Invisible/Amenaza” con el prestigioso sello londinense Young Turks, no paran de lloverte los piropos. ¿Cómo valoras estas afirmaciones y cómo estás llevando eso de convertirte en centro de atención en algunos medios de comunicación? Sí, este último EP ha tenido muy buena aceptación. La verdad que me siento muy orgulloso de todos mis trabajos, las críticas siempre han sido muy positivas desde el principio con “A Moot Point en Pitchfork”. Pero ahora supongo que también por la trayectoria de estos últimos años añadido a trabajar con Young Turks ha tenido gran repercusión. Es un auténtico placer poder formar parte de su rooster de artistas, es casi como un sueño.
Háblanos un poco de lo que hay dentro de los cuatro cortes que componen “Invisible/Amenaza”… El EP tiene 3 temas, que son “Invisible/amenaza” que es el single y el que da nombre al EP, “A New Dawn”, un tema con una estructura pop muy marcada y “The Shy” que diría que es mi favorita del EP. Luego hay un cuarto corte es que una versión extendida del single para pinchar. Los 3 temas originales tienen una cosa en común y es un sonido muy orgánico, acústico. He trabajado sobre pianos reales, bajos eléctricos reales, baterías, percusión, etc. La suma de todos estos elementos hacen que todo tengo un sonido más orgánico. Por otro lado en este EP quería que los temas fueran bastante hipnóticos, quería que se mantuviera una tensión hasta al final que es cuando todo gira 180 grados y cambia y es cuando te quedas diciendo… “Anda esto no me lo esperaba y se necesitaba…». (risas)
¿Cuál es tu diagnóstico de la escena electrónica actual en España? Cada vez es muchísimo mejor, la prensa tanto nacional como internacional está ayudando mucho a reconocer que en nuestro país se hace buena música, sea electrónica o folk. La única asignatura que aún tenemos pendiente es la de tener salas en condiciones, el público las quiere y las necesita.
¿Qué artistas nos recomendarías dentro de la escena electrónica en estos momentos para poder oír algo diferente? A nivel nacional podría decir por ejemplo Downliners Sekt, Begun, Marc Piñol… A nivel internacional por decir los primeros que me vienen a la cabeza… DJ Koze, Four Tet, Jamie XX, Caribou, Axel Boman.
¿Qué artistas, bandas, etc. suenan en el reproductor de Pional cuando quiere evadirse de todo y relajarse? Kendrick Lamar, Jazmine Sullivan, Lorde, The Neptunes, Little Dragon, Miguel, Descendents, Milencollin, Queens of the Stone Age, etc.
¿Se parece el mundo profesional de la música a lo que te imaginabas antes de moverte por él? Bueno, no se aleja mucho de lo que creía que era, la verdad que estoy muy contento con este trabajo, no me puedo quejar. Quizás lo que menos conocía era los contras que son todo el mundo de aeropuertos, horas de aviones, horas en backstages de festivales… Lo único que me cuesta aceptar es cuando estoy en un festival y tengo a mi lado a alguien que admiro por poner un ejemplo, Dave Grohl. Es algo que creo que por mucho tiempo que pase voy a tener la misma sensación.
¿Qué relación te une al fenómeno John Talabot? ¿Cómo surgió vuestra amistad/colaboración, qué proyectos habéis llevado a cabo juntos y cuáles están por llegar? Le conocí hace unos años cuando se puso en contacto conmigo a través de myspace, hará ya unos 5 años. Fue ahí cuando decidí cambiarme de nombre a Pional. Así que edité mis 2 primeros EP´s en Hivern Discs (su sello discográfico) y la relación empezó ahí, por trabajo. Luego en persona nos conocimos y empezamos a trabajar juntos. Lo primero que hicimos creo que fueron “Destiny” y “So Will Be Now”, los 2 singles de su álbum “FIN”. Los grabamos en mi estudio de Madrid y desde ahí no hemos dejado de estar juntos en el estudio o tocando. Y una vez que salió el álbum preparamos el directo de Talabot juntos y estuvimos 2 años de gira por el mundo. Fue algo genial. Entre tanto hicimos varios remixes como a “Chairlift” o “The XX”. Y un par de temas originales, uno que se llama “Brave” que lo grabamos para la maratón de Valencia (lo terminamos de grabar en un hotel en Seattle cual rockstars de la vida porque teníamos que entregarlo ya mismo y no nos daba tiempo de volver al estudio porque estábamos de gira por ese momento en USA) (risas) y otro tema original “I´ll be Watching you” que surgió de la idea de tocarlo solo en el directo de John Talabot y al final lo grabamos y lo editamos en vinilo en Young Turks, solo una cara de EP.
¿Has podido recorrer mundo con tu música a cuestas? ¿Qué te ha aportado esta experiencia en lo personal y en lo profesional? Es increíble todo lo que aprendes, especialmente la soledad, el hecho de pasar tantas y tantas horas solo, en el aeropuerto, en el avión, en el hotel, estar siempre con gente que no conoces, el que te viene a buscar y te lleva al hotel, el promotor con el que vas a cenar, o el catering del festival que no conocer a nadie… es algo duro al principio. Luego con el tiempo consigues adaptarte. Profesionalmente hablando me ha aportado y cada día me aporta algo nuevo, siempre se aprende. El hecho de estar viajando y tocando no es una cuestión de tu pasártelo bien, es cuestión de promocionarte y darte a conocer para los que no saben quién eres, así que poco a poco vas consiguiendo tener más publico gracias al viajar.
Eres natural de Madrid pero la ciudad de Barcelona te ha dado mucho en tu carrera. ¿Cuáles son las principales características que diferencian a estas dos urbes respecto a la industria de la música electrónica (si es que hay un industria como tal)? Bueno creo que la diferencia entre Madrid y Barcelona en cuanto a la música es un hecho que está ahí y se sabe. No sé en otras escenas pero desde luego en la de la música electrónica no tiene nada que ver. Barcelona es una ciudad con un público más cosmopolita en el que las salas apuestan por traer dj´s-bandas que ahora mismo están funcionando mucho, no necesariamente tiene que ser el famoso de turno, se trata de calidad. En Madrid echo en falta eso, a veces porque el promotor quiere hacer dinero a cosa de cosas curtes, a veces porque el ayuntamiento no te deja montar una sala en condiciones con un buen sonido…Yo la verdad que en cuanto a música no conozco a nadie en Madrid, mi círculo más cercano está en Barcelona con gente como John Talabot, Delorean….
¿Tienes alguna manía especial o ritual antes de comenzar una sesión? Ninguna.
Eres un gran defensor del portátil sobre el escenario, bueno o según hemos leído por ahí, “eras”… ¿Cómo preparas ahora tus directos y en qué te estas apoyando en ellos? ¿Defensor del portátil? ¡Nunca! Yo en mis comienzos cuando hacia mi directo llevaba portátil aparte de apretaos, ahora desde hace casi 2 años no llevo portátil, solo llevo máquinas, me ayuda a tener más flexibilidad, tener mejor calidad de sonido y que además creo que es más entretenido para el público ver a alguien con instrumentos en vez de estar con la nariz pegada a un portátil.
Eres insultantemente joven y tu talento es incuestionable. ¿Has tenido que irte fuera para poder prosperar y ser reconocido? ¡Gracias! (risas), no me he tenido que ir fuera, son la gente de fuera la que desde el principio vio en mi algo que ni yo mismo veía (ya que esto era un hobbie), tardó bastante el momento de tener un contrato para tocar en Madrid o Barcelona. Antes de mi país pasaron Holanda, Dinamarca, Alemania, Inglaterra… etc. España no confiaba en mi supongo (risas). Lo que sí es verdad es que gracias al hecho de estar trabajando siempre fuera, es que el nivel de trabajo también al final es más gordo porque abarcas mucho más.
¿Qué opinas de la situación actual de España en la que muchos jóvenes con talento y preparación tienen que hacer las maletas en busca de una oportunidad? Bueno, eso desgraciadamente está pasando, es un hecho. Gran parte de mis amigos están viviendo en el extranjero, Sudáfrica, Alemania, USA, dedicándose a su trabajo allí porque en nuestro país o no encuentran trabajo de lo suyo y, de ser así, con un sueldo insultante. En cuanto a la música electrónica por ejemplo es algo más de lo mismo, es un trabajo más, en este caso creo que no es necesario irte, es decir lo puedes hacer desde tu casa en Salamanca, no entiendo muy bien toda la gente que se va a Berlín porque ahí es donde está centralizado todo, eso en cierta manera es mentira, al final, de hecho es peor porque hay más gente como tú, luchando por hacerse un hueco.
Tu trayectoria ha sido vertiginosa. Comienzas a editar cosas, te unes y propulsas la carrera de John Talabot, actúas en medio mundo ante millones de personas, compartes conversación con figuras como James Holden, Todd Terje o la gente de Queens of the Stone Age… ¿Te ha dado tiempo a pararte en algún momento o estás inmerso en un ritmo frenético que pueda bloquear de alguna forma tus explosiones de creatividad? Bueno ahora mismo estoy en un punto muy bonito de mi carrera en el que trabajo todos los fines de semana, (no tengo ninguna gira prevista por el momento) y así entre semana normalmente estoy en casa, disfrutando de mis amigos y familia y trabajando en el estudio en el nuevo material.
¿Qué sentiste la primera vez que te enfrentaste a un público de miles de personas, qué digo, de decenas de miles de personas pendientes de lo que sale de tu sesión? Es algo indescriptible, no sé cómo decirte, pero es muy hardcore. Todavía recuerdo cuando tocamos como Talabot (live) el primer directo del tour y tuvimos que salir al escenario delante de 17.000 personas. Fue algo muy acojonante (perdón por la palabra pero creo que es la que más se ajusta) (risas).
¿Eres más de cultura de club o de discotecón hasta las trancas? Prefiero un buen club, pequeño, con buena acústica que los sitios masivos grandes.
Podrías recomendarnos algunos clubes donde escuchar buena música en España… La verdad que no conozco muchos porque no frecuento salas, pero una de mis favoritas es Nitsa Club (Barcelona).
Ya hemos comentado que tu trabajo ha sido valorado más fuera que en España. ¿Recuerdas cuándo y cómo fue la primera vez que pinchaste en Madrid tras tener ya el nombre y la repercusión que te habías ganado con duro trabajo? Sí, recuerdo perfectamente la primera vez que toqué (pinchar lo hice mucho más tarde, hace relativamente poco), pero en directo recuerdo que fue en la nueva sala Siroco en Madrid, un sitio muy chulo con buen sonido. Fue una gran noche, había muchos amigos claro.
¿Qué significa internet, las redes sociales, las plataformas virtuales de música, etcétera, para un músico como tú? Creo que son algo básico para un artista, bueno, para cualquier profesión, pero para la de música es clave ya. Necesitas apoyarte de los medios y redes sociales para propagar tu trabajo.
Te han dedicado frases como “revitalizador del House”, “el secreto mejor guardado de España”… ¿Qué le ha dado tu música a la gente de la industria y de la crítica para obtener semejantes comentarios positivos? Esta pregunta es algo compleja porque quizás lo suyo sería preguntar a la industria que es lo que he hecho en ella. No soy una persona arrogante como para considerarme que haya aportado algo a la música electrónica. Yo simplemente quiero que la gente disfrute con mi música, y si es así, pues para mí es un triunfo personal.
En muchas ocasiones te defines como más pop que electrónico. ¿Cuáles son tus referentes en el pop? ¿Qué LPs de este género no faltan en tu discoteca? Casi siempre hago directos, pero cuando pincho es música de baile, no es pop. El pop lo dejo para casa.
Dentro de tus magníficas capacidades haciendo remezclas, te has currado versiones oficiales de gente de la talla de Lemonade, Delorean o The Rapture. ¿Es esta faceta de tu capacidad artística más divertida y relajada para ti que componer nuevo material? Componer es mi faceta del día a día, da igual que sean remixes o no. Considero que hacer un remix es más fácil que una canción original. Me gusta. Pero vamos, que hacer mi propia música es lo que hago las 15 horas diarias que paso en el estudio cuando estoy en Madrid.
Fue en agosto de 2011 cuando diste tu primer concierto bajo el alias Pional en el Strom de Copenhague junto a gente como Aphex Twin, Lone y Ghostpoet. ¿Cómo recuerdas ese día? ¿Qué ha cambiado en la vida de Miguel básicamente desde entonces? Sí, correcto… Buah… Muchísimo, era como dices mi primer concierto, no estaba nervioso pero si muy intranquilo, estresado porque no estaba acostumbrado a eso. Vinieron varios amigos de Barcelona y pasamos unos días de vacaciones aprovechando que iba a tocar. Recuerdo con mucho cariño ese festival.
¿Qué proyectos de Pional van a ver la luz en lo queda de año? Algún que otro remix importante, un nuevo EP con remixes y videoclip incluido, y viajar mucho. Entre tanto trabajando para mi álbum que si todo va bien estará para el año que viene.
¿Cómo se presenta el verano? ¿Te va el rollo que se estila en templos de la música electrónica del tipo Ibiza y lugares similares? Sinceramente no me va mucho, aunque últimamente las programaciones en la isla Blanca han mejorado…
